Kunst

Kunst (fra latin ars , artis , og denne kopien av det greske τέχνη, téchnē ) [ 1 ] er generelt forstått som enhver aktivitet eller produkt utført med et estetisk og også et kommunikativt formål , gjennom hvilke ideer , følelser og generelt Generelt, en visjon av verden , gjennom ulike ressurser, som plastisk , språklig , lyd , kroppslig og blandet. [ 2 ]Kunst er en komponent av kultur , og reflekterer i sin oppfatning det økonomiske og sosiale grunnlaget , og overføringen av ideer og verdier, som er iboende for enhver menneskelig kultur gjennom rom og tid. Det anses vanligvis at med utseendet til Homo sapiens hadde kunst i utgangspunktet en rituell , magisk eller religiøs funksjon ( paleolittisk kunst ), men den funksjonen endret seg med utviklingen av mennesket, og fikk en estetisk komponent og en sosial, pedagogisk , merkantil funksjon eller bare dekorativ .

Forestillingen om kunst fortsetter å være gjenstand for dype tvister, siden definisjonen er åpen for flere tolkninger, som varierer i henhold til kulturen, tiden, bevegelsen eller samfunnet som begrepet har en viss betydning for. Ordet "kunst" har en vid betydning, og kan betegne enhver menneskelig aktivitet utført med omhu og dedikasjon, eller ethvert sett med regler som er nødvendig for å utvikle en aktivitet optimalt: vi snakker om " kulinarisk kunst ", " medisinsk kunst ", " kampsport », « trålredskap » i fiske , etc. I den forstand er kunst synonymt med evner, ferdigheter, talent, erfaring. Imidlertid betraktes kunst oftere som en kreativ aktivitet til mennesket, hvorved han produserer en serie gjenstander ( kunstverk ) som er enkeltstående, og hvis formål hovedsakelig er estetisk. I denne sammenhengen vil kunst være generaliseringen av et begrep som for lenge siden er uttrykt som " fine arts ", for tiden noe i ubruk og redusert til akademiske og administrative felt . På samme måte har bruken av ordet kunst for å betegne utførelse av andre aktiviteter blitt erstattet med begreper som " teknikk " eller " handel ". Denne artikkelen tar for seg kunst forstått som et middel for kreativt menneskelig uttrykk.

Konsept

Definisjonen av kunst er åpen, subjektiv og diskutabel. Det er ingen enstemmig enighet blant historikere , filosofer eller kunstnere . Over tid har en rekke definisjoner av kunst blitt gitt, inkludert: "kunst er den rette fornuftens orden" ( Thomas Aquinas ); «kunst er det som etablerer sitt eget styre» ( Schiller ); "kunst er stil" ( Max Dvořák ); "kunst er et uttrykk for samfunnet" ( John Ruskin ); «kunst er geniets frihet» ( Adolf Loos ); «kunst er ideen» ( Marcel Duchamp ); «kunst er nyhet» ( Jean Dubuffet ); «kunst er handling, liv» ( Joseph Beuys ); «kunst er alt som menn kaller kunst» ( Dino Formaggio ); «kunst er løgnen som hjelper oss å se sannheten» ( Pablo Picasso ); «kunst er liv, liv er kunst» ( Wolf Vostell ). Konseptet har endret seg over tid: frem til renessansen var det kun liberal kunst som ble ansett som kunst; arkitektur , skulptur og maleri ble ansett som " håndverk " . Kunst har alltid vært et av menneskets viktigste uttrykksmidler, gjennom hvilket det uttrykker sine ideer og følelser, måten han forholder seg til verden på. Dens funksjon kan variere fra den mest praktiske til den mest dekorative, den kan ha et religiøst eller rett og slett estetisk innhold, den kan være langvarig eller flyktig. På 1900  -tallet går til og med det materielle underlaget tapt: Beuys sa at livet er et middel for kunstnerisk uttrykk, og understreker det vitale aspektet, handling. Dermed er alle i stand til å være kunstnere .

Begrepet kunst kommer fra det latinske ars , og tilsvarer det greske begrepet τέχνη ( téchne , som kommer ' teknikk ' fra). Opprinnelig ble det brukt på all produksjon utført av mennesker og på fagdisipliner. Derfor var kunstnere like mye kokken , gartneren eller byggmesteren , som maleren eller dikteren . Over tid ble den latinske avledningen ( ars -> kunst) brukt for å betegne disiplinene knyttet til kunsten det estetiske og det emosjonelle; og den greske avledningen ( téchne -> teknikk), for de disiplinene som har med intellektuelle produksjoner og bruksartikler å gjøre. [ 3 ] For tiden er det vanskelig å finne at begge begrepene (kunst og teknikk) forveksles eller brukes som synonymer.

Historisk utvikling av kunstbegrepet

I den klassiske gresk-romerske antikken , en av hovedvuggene til den vestlige sivilisasjonen og den første kulturen som reflekterte over kunst, ble kunst ansett som en evne til mennesket i ethvert produktivt felt, og var praktisk talt et synonym for "ferdighet": evne til å bygge et objekt, å kommandere en hær , å overbevise publikum i en debatt , eller å utføre agronomiske målinger . Kort sagt, enhver ferdighet underlagt regler, spesifikke forskrifter som gjør den til et objekt for læring og evolusjon og teknisk forbedring. Derimot ble ikke poesi , som kom fra inspirasjon , klassifisert som kunst. Dermed definerte Aristoteles for eksempel kunst som den "permanente disposisjonen til å produsere ting på en rasjonell måte", og Quintilian slo fast at det var den "som er basert på en metode og en orden" ( via et ordine ). [ 4 ] Platon , i Protagoras , snakket om kunst, og mente at det er evnen til å gjøre ting gjennom intelligens , gjennom læring. For Platon har kunst en generell betydning, det er menneskets skapende kapasitet. [ 5 ] Cassiodorus fremhevet dets produktive aspekt i kunsten, i henhold til regler, og pekte på tre hovedmål med kunst: å undervise ( doceat ), å bevege seg ( moveat ) og å behage ( delete ). [ 6 ]

I løpet av renessansen begynte en mentalitetsendring å ta form, og skilte handel og vitenskap fra kunst, der poesi ble inkludert for første gang, inntil da ansett som en type filosofi eller til og med profeti - som publiseringen i 1549 av den italienske oversettelse av Aristoteles' poetikk . Den progressive forbedringen i kunstnerens sosiale situasjon deltok betydelig i denne endringen, på grunn av interessen som de edle og rike italienske stormennene begynte å vise for skjønnhet . Kunstnerens produkter fikk en ny status som gjenstander beregnet på estetisk forbruk, og derfor ble kunst et middel for sosial promotering, økt kunstnerisk beskyttelse og oppmuntring til innsamling . [ 7 ] Flere teoretiske avhandlinger om kunst oppsto i denne sammenhengen, som de av Leon Battista Alberti ( De Pictura , 1436-1439; De re aedificatoria , 1450; og De Statua , 1460), eller The Commentaries (1447) av Lorenzo Ghiberti . . Alberti mottok den aristoteliske innflytelsen, og hevdet å gi et vitenskapelig grunnlag for kunst. Han snakket om dekorum , behandlingen av kunstneren for å tilpasse kunstneriske gjenstander og temaer til en avmålt, perfeksjonistisk følelse. Ghiberti var den første som periodiserte kunsthistorien , og skilte mellom den klassiske antikken, middelalderen og det han kalte "kunstens renessanse". [ 8 ]

Moderne kunst begynte med mannerisme : ting er ikke lenger representert som de er, men slik kunstneren ser dem. Skjønnhet er relativisert, det går fra renessansens unike skjønnhet, basert på vitenskap , til manerismens mange skjønnheter, avledet fra naturen . En ny komponent av fantasi dukket opp i kunsten , som gjenspeiler både det fantastiske og det groteske , som man kan se i arbeidet til Brueghel eller Arcimboldo . Giordano Bruno var en av de første tenkerne som prefigurerte moderne ideer: han sa at skapelsen er uendelig, det er ingen sentrum eller grenser – verken Gud eller mennesker –, alt er bevegelse, dynamikk. For Bruno er det like mange kunster som det er kunstnere, noe som introduserer ideen om kunstnerens originalitet. Kunst har ingen regler, den er ikke lært, men kommer fra inspirasjon. [ 9 ]

Følgende fremskritt ble gjort på 1700  -tallet med opplysningstiden , hvor en viss autonomi av det kunstneriske faktum begynte å finne sted: kunsten beveget seg bort fra religion og representasjonen av makt for å være en trofast refleksjon av kunstnerens vilje, med fokus mer på fornuftige kvaliteter ved verket enn i dets betydning. [ 10 ] Jean -Baptiste Dubos , i Critical Reflections on Poetry and Painting (1719), banet vei for smakens relativitet, og begrunnet at estetikk ikke er gitt av fornuft, men av følelser. For Dubos beveger kunsten seg, den når ånden på en mer direkte og umiddelbar måte enn rasjonell kunnskap . Dubos muliggjorde popularisering av smak, motarbeidet akademisk regulering , og introduserte figuren "geni", som en egenskap gitt av naturen, som er utenfor reglene.

I romantikken , som dukket opp i Tyskland på slutten av 1700  -tallet med bevegelsen kalt Sturm und Drang , triumferte ideen om en kunst som oppstår spontant fra individet, utvikling av forestillingen om geni - kunst er uttrykket for kunstnerens følelser-, som begynner å bli mytologisert . [ 11 ] Forfattere som Novalis og Friedrich von Schlegel reflekterte over kunst: i magasinet Athenäum , redigert av dem, dukket de første manifestasjonene av kunstens autonomi, knyttet til naturen, opp. For dem finnes kunstnerens indre og deres eget naturlige språk i kunstverket. [ 12 ]

Arthur Schopenhauer dedikerte den tredje boken av The World as Will and Representation til teorien om kunst : kunst er en måte å flykte fra den tilstand av ulykkelighet som er tilhørig mennesket. Han identifiserte kunnskap med kunstnerisk skapelse, som er den dypeste formen for kunnskap. Kunst er forsoning mellom vilje og samvittighet , mellom objekt og subjekt, når en tilstand av kontemplasjon , av lykke . Estetisk bevissthet er en tilstand av uinteressert kontemplasjon, hvor ting vises i sin dypeste renhet. Kunst snakker på intuisjonens språk , ikke refleksjon; den er komplementær til filosofi, etikk og religion. Påvirket av østlig filosofi uttalte han at mennesket må frigjøre seg fra viljen til å leve, fra "ønske", som er kilden til misnøye. Kunst er en måte å bli kvitt viljen på, å gå utover 'jeget'. [ 13 ]

Richard Wagner fanget opp Schopenhauers ambivalens mellom det fornuftige og det åndelige: i Opera og drama (1851) reiste Wagner ideen om det « totale kunstverk » ( Gesamtkunstwerk ), der en syntese av poesi, ord – maskuline element– , med musikk –feminint element–. Han var av den oppfatning at det primitive språket ville være vokalisk , mens konsonanten var et rasjonaliserende element; dermed ville introduksjonen av musikk i ordet være en retur til språkets primitive uskyld. [ 14 ]

På slutten av 1800  -tallet oppsto estetismen , som var en reaksjon på utilitarismen som rådde på den tiden og på den industrielle tidsalders stygghet og materialisme . Mot dette oppsto en trend som ga kunst og skjønnhet sin egen autonomi, syntetisert i Théophile Gautiers formel " kunst for kunstens skyld " ( l'art pour l'art ), til og med når vi snakker om "estetisk religion". [ 15 ] Denne posisjonen var ment å isolere kunstneren fra samfunnet, slik at han autonomt skulle søke sin egen inspirasjon og la seg rive med utelukkende av en individuell søken etter skjønnhet. [ 16 ] Dermed distanserer skjønnhet seg fra enhver moralsk komponent , og blir det ultimate målet for kunstneren, som kommer til å leve sitt eget liv som et kunstverk – som kan sees i figuren til dandyen – . [ 17 ] En av bevegelsens teoretikere var Walter Pater , som påvirket den såkalte engelske dekadentismen , og slo fast i sine arbeider at kunstneren må leve livet intenst, følge skjønnhet som et ideal. For Pater er kunsten «den magiske sirkelen av tilværelsen», en isolert og autonom verden som står til tjeneste for nytelsen , og skaper en autentisk metafysikk av skjønnhet. [ 18 ]

På den annen side var Charles Baudelaire en av de første forfatterne som analyserte forholdet mellom kunst og den nylig oppståtte industrielle æra, og prefigurerte forestillingen om "moderne skjønnhet": det er ikke noe som heter evig og absolutt skjønnhet, men hvert konsept av skjønnhet har noe evig og noe forbigående, noe absolutt og noe spesielt. Skjønnhet kommer fra lidenskap , og siden hvert individ har sin egen spesielle lidenskap, har de også sitt eget skjønnhetsbegrep. I sitt forhold til kunst uttrykker skjønnhet på den ene siden en "evig vedvarende" idé, som ville være "kunstens sjel", og på den andre en relativ og omstendelig komponent, som er "kunstens kropp". Dermed er kunstens dualitet et uttrykk for menneskets dualitet, for dets ambisjon om en ideell lykke overfor lidenskapene som beveger ham mot det. Overfor den evige halvdel, forankret i gammel klassisk kunst , så Baudelaire moderne kunst i den relative halvdelen , hvis karakteristiske tegn er det forbigående, det flyktige, det flyktige og det skiftende – syntetisert i mote – . Baudelaire hadde et neoplatonisk skjønnhetsbegrep, som er menneskets ambisjon mot et høyere ideal, tilgjengelig gjennom kunst. Kunstneren er "modernitetens helt", hvis hovedkvalitet er melankoli , som er lengselen etter ideell skjønnhet. [ 19 ]

I motsetning til estetisme utarbeidet Hippolyte-Adolphe Taine en sosiologisk kunstteori: i sin kunstfilosofi (1865–1869) brukte han på kunsten en determinisme basert på rase , kontekst og tid ( rase , miljø , øyeblikk ). For Taine fungerer estetikk, «kunstvitenskapen», som enhver annen vitenskapelig disiplin, basert på rasjonelle og empiriske parametere. På samme måte foreslo Jean Marie Guyau , i The Problems of Contemporary Aesthetics (1884) og Art from the Sociological Point of View (1888), et evolusjonært syn på kunst, og sa at kunst er i livet, og at den utvikler seg slik den er. og på samme måte som menneskelivet er sosialt organisert, må kunst være en refleksjon av samfunnet. [ 20 ]

Sosiologisk estetikk hadde en sterk forbindelse med billedrealisme og med venstreorienterte politiske bevegelser, spesielt utopisk sosialisme : forfattere som Henri de Saint-Simon , Charles Fourier og Pierre Joseph Proudhon forsvarte kunstens sosiale funksjon, som bidrar til utviklingen av samfunnet. , som kombinerer skjønnhet og nytte i en harmonisk helhet. På den annen side, i Storbritannia , bidro arbeidet til teoretikere som John Ruskin og William Morris med en funksjonalistisk visjon om kunst: i The Stones of Venice (1851-1856) fordømte Ruskin ødeleggelsen av skjønnhet og vulgariseringen av kunst som bæres av. utført av utført av industrisamfunnet, så vel som nedbrytningen av arbeiderklassen , forsvare den sosiale funksjonen til kunst. I El arte del pueblo (1879) ba han om radikale endringer i økonomien og samfunnet, og ba om en kunst "laget av folket og for folket". Morris – grunnlegger av Arts & Crafts -bevegelsen – forsvarte på sin side en funksjonell, praktisk kunst som tilfredsstiller materielle og ikke bare åndelige behov. I Estetiske skrifter (1882-1884) og The ends of art (1887) foreslo han et konsept for utilitaristisk kunst, men langt unna overdrevent tekniske produksjonssystemer, nær et sosialismebegrep nær middelalderkorporatisme . [ 21 ]

På den annen side ble kunstens funksjon stilt spørsmål ved av den russiske forfatteren Lev Tolstoy : i Hva er kunst? (1898) ble kunstens sosiale begrunnelse tatt opp, og hevdet at kunsten er en form for kommunikasjon, kan bare være gyldig hvis følelsene den overfører kan deles av alle mennesker. For Tolstoy er den eneste gyldige begrunnelsen kunstens bidrag til menneskelig brorskap : et kunstverk kan bare ha sosial verdi når det overfører brorskapsverdier, det vil si følelser som fremmer foreningen av folk. [ 22 ]

På den tiden begynte man å nærme seg kunststudiet fra psykologifeltet : Sigmund Freud brukte psykoanalyse på kunst i Leonardo da Vincis A childhood memory (1910), og forsvarte at kunst ville være en av måtene å representere et ønske på, en undertrykt driv, på en sublimert måte. Han var av den oppfatning at kunstneren er en narsissistisk figur , nær barnet, som reflekterer hans ønsker i kunsten, og uttalte at kunstneriske verk kan studeres som drømmer og psykiske lidelser , med psykoanalyse. Metoden hans var semiotisk , studerte symboler , og han var av den oppfatning at et kunstverk er et symbol. Men siden symbolet representerer et visst symbolisert konsept, er det nødvendig å studere kunstverket for å komme frem til verkets kreative opphav. [ 23 ] På samme måte relaterte Carl Gustav Jung psykologi til ulike disipliner som filosofi, sosiologi, religion, mytologi , litteratur og kunst. I Contributions to Analytical Psychology (1928) antydet han at de symbolske elementene som er tilstede i kunst er "urbilder" eller "arketyper", som er medfødt tilstede i menneskets "kollektive underbevissthet". [ 24 ]

Wilhelm Dilthey , fra kulturestetikk , formulerte en teori om enheten mellom kunst og liv. Dilthey var en forut for avantgardekunsten og så allerede på slutten av 1800  -tallet hvordan kunsten beveget seg bort fra akademiske regler, og hvordan offentlighetens rolle, som har makten til å ignorere eller prise arbeidet til en gitt kunstner, ble stadig mer. viktig.. Han fant i alt dette et "smaksanarki", som han tilskrev en sosial endring i tolkningen av virkeligheten, men som han oppfattet som forbigående, noe som gjorde det nødvendig å finne "et sunt forhold mellom estetisk tanke og kunst". Dermed tilbød han " åndens vitenskaper ", spesielt psykologi, som kunstens frelse: kunstnerisk skapelse må kunne analyseres gjennom prismet til den psykologiske tolkningen av fantasi. I Life and Poetry (1905) presenterte han poesi som et uttrykk for liv, som 'erfaring' ( Erlebnis ) som gjenspeiler livets ytre virkelighet. Kunstnerisk skaperverk har dermed som funksjon å intensivere vårt syn på omverdenen, presentere den som en sammenhengende og meningsfull helhet. [ 25 ]

Gjeldende visning

1900  -tallet har ført til en radikal transformasjon av kunstbegrepet: overvinnelsen av opplysningstidens rasjonalistiske ideer og overgangen til mer subjektive og individuelle begreper, med utgangspunkt i den romantiske bevegelsen og utkrystallisert i forfattere som Kierkegaard og Nietzsche , representerer et brudd med tradisjonen og en avvisning av klassisk skjønnhet. Virkelighetsbegrepet ble utfordret av nye vitenskapelige teorier: Bergsons tidssubjektivitet , Einsteins relativitetsteori, kvantemekanikk , Freuds psykoanalyseteori , etc. På den annen side får ny teknologi kunst til å endre funksjon, fordi fotografi og kino allerede har ansvaret for å fange virkeligheten. Alle disse faktorene produserer opprinnelsen til abstrakt kunst , kunstneren prøver ikke lenger å reflektere virkeligheten, men hans indre verden uttrykker følelsene sine. [ 26 ] Dagens kunst har kontinuerlige smaksvingninger, den endrer seg samtidig med den: akkurat som den klassiske kunsten var basert på en metafysikk av uforanderlige ideer, finner dagens kunst, med kantianske røtter , nytelse i den sosiale bevisstheten om nytelse ( kulturmasse ). Den gradvise nedgangen i analfabetisme må også verdsettes , siden tidligere, siden en stor del av befolkningen ikke kunne lese, var grafikk det beste middelet for å formidle kunnskap – spesielt religiøst – en funksjon som ikke lenger er nødvendig på 1900  -tallet .

En av de første formuleringene var marxismen : fra arbeidet til Marx kom det frem at kunst er en kulturell " overbygning " bestemt av menneskets sosiale og økonomiske forhold. For marxister er kunst en refleksjon av sosial virkelighet, selv om Marx ikke selv så en direkte samsvar mellom et gitt samfunn og kunsten det produserer. Georgi Plekhanov , i Art and Social Life (1912), formulerte en materialistisk estetikk som avviste "kunst for kunstens skyld", så vel som individualiteten til kunstneren som er fremmed for samfunnet som omgir ham. [ 27 ] Walter Benjamin påvirket igjen avantgardekunsten, som for ham er "kulminasjonen av modernitetens dialektikk", slutten på forsøket på å totalisere kunsten som et uttrykk for omverdenen. Han forsøkte å belyse kunstens rolle i det moderne samfunn, og utførte en semiotisk analyse der kunsten forklares gjennom tegn som mennesket prøver å tyde uten et tilsynelatende tilfredsstillende resultat. I The work of art in the age of technical reproducibility (1936) analyserte han måten de nye teknikkene for industriell reproduksjon av kunst kan endre begrepet om den ved å miste sin karakter som et enkelt objekt og derfor sin glorie av kunst. mytisk bue; dette åpner for nye måter å tenke kunst på – fortsatt uutforsket for Benjamin – men som vil bety et friere og åpnere forhold til kunstverket. [ 28 ]

Theodor W. Adorno forsvarte , i likhet med Benjamin fra Frankfurterskolen , avantgardekunsten som en reaksjon på det moderne samfunnets overdrevne teknikk. I sin Aesthetic Theory (1970) bekreftet han at kunst er en refleksjon av samfunnets kulturelle tendenser, men uten å bli en tro refleksjon av den, siden kunst representerer det ikke-eksisterende, det uvirkelige; eller i alle fall representerer det det som eksisterer, men som muligheten for å være noe annet, å transcendere. Kunst er «tingens negasjon», som gjennom denne negasjonen overskrider den, viser det som opprinnelig ikke er i den. Det er en tilsynekomst, en løgn, som presenterer det ikke-eksisterende som eksisterende, og lover at det umulige er mulig. [ 29 ]

Representant for pragmatisme , John Dewey , i Art as Experience (1934), definerte kunst som "kulminasjonen av naturen", og forsvarte at grunnlaget for estetikk er sanseopplevelse. Kunstnerisk aktivitet er enda en konsekvens av menneskets naturlige aktivitet, hvis organisasjonsform avhenger av miljøforholdene det opererer under. Dermed er kunst "uttrykk", der mål og virkemidler smelter sammen til en hyggelig opplevelse. For Dewey innebærer kunst, som enhver menneskelig aktivitet, initiativ og kreativitet, samt et samspill mellom subjekt og objekt, mellom mennesket og de materielle forholdene det utfører sitt arbeid under. [ 30 ]

I La dehumanización del arte (1925) analyserte José Ortega y Gasset avantgardekunst ut fra begrepet «massesamfunn», der avantgardekunstens minoritetskarakter produserer en elitisering av den kunstkonsumerende offentligheten. Ortega verdsetter i kunsten en «dehumanisering» på grunn av tapet av historisk perspektiv , det vil si at det ikke er i stand til å analysere med tilstrekkelig kritisk distanse det sosiokulturelle underlaget som avantgardekunsten innebærer. Tapet av det realistiske, imiterende elementet som Ortega setter pris på i avantgardekunsten, forutsetter en eliminering av det menneskelige elementet som var til stede i naturalistisk kunst . Likeledes gjør dette tapet av det menneskelige at referentene som den klassiske kunsten var basert på, forsvinner, og antar et brudd mellom kunst og publikum, og genererer en ny måte å forstå kunst på som bare den innvidde kan forstå. Den estetiske oppfatningen av dehumanisert kunst er en ny følsomhet basert ikke på sentimental tilhørighet – som skjedde med romantisk kunst – men på en viss distanse, en forståelse av nyanser. Denne separasjonen mellom kunst og menneskehet forutsetter et forsøk på å bringe mennesket tilbake til livet, å senke begrepet kunst som en sekundær aktivitet av den menneskelige opplevelsen. [ 31 ]

I den semiotiske skolen utdypet Luigi Pareyson estetikk . Theory of formativity (1954) en hermeneutisk estetikk , der kunst er tolkning av sannhet . For Pareyson er kunst «formativ», det vil si at den uttrykker en måte å gjøre ting på som «så vel som å gjøre, oppfinner måten å gjøre ting på». Den er med andre ord ikke basert på faste regler, men definerer dem slik arbeidet lages og projiserer dem på tidspunktet for å lage det. I formativitet er altså ikke kunstverket et «resultat», men en «prestasjon», der verket har funnet regelen som spesifikt definerer det. Kunst er all den aktiviteten som søker et mål uten spesifikke midler, som må finne en kreativ og nyskapende prosess for sin realisering som gir originale resultater av en oppfinnsom karakter. [ 32 ] Pareyson påvirket den såkalte skolen i Torino , som ville utvikle hans ontologiske kunstbegrep : Umberto Eco , i Open Work (1962), uttalte at kunstverket bare eksisterer i sin tolkning, i åpningen av flere betydninger. som kan ha for seeren; Gianni Vattimo , i Poetry and Ontology (1968), relaterte kunst til væren, og derfor til sannhet, siden det er i kunsten at sannheten vises på sin reneste og mest avslørende måte. [ 33 ]

En av de siste avledningene av filosofi og kunst er postmodernitet , en sosiokulturell teori som postulerer den nåværende gyldigheten av en historisk periode som ville ha overgått det moderne prosjektet , det vil si den kulturelle, politiske og økonomiske roten til samtiden . , preget kulturelt av opplysningstiden , politisk av den franske revolusjonen og økonomisk av den industrielle revolusjonen . Stilt overfor avantgardekunstens forslag, foreslår ikke postmodernistene nye ideer, verken etiske eller estetiske; de omtolker bare virkeligheten som omgir dem, gjennom gjentagelsen av tidligere bilder, som dermed mister sin mening. Repetisjon omslutter kunstens ramme i kunsten selv, svikt i kunstnerisk engasjement antas, kunstens manglende evne til å transformere hverdagen. Postmoderne kunst vender skamløst tilbake til det materielle underlaget, til kunstverket-objektet, til «kunsten for kunstens skyld», uten å ha til hensikt å gjøre noen evolusjon, noe brudd. Noen av dens viktigste teoretikere har vært Jacques Derrida og Michel Foucault . [ 34 ]

Avslutningsvis kan det sies at de gamle formlene som baserte kunst på skapelse av skjønnhet eller på etterligning av naturen er blitt foreldet, og i dag er kunst en dynamisk kvalitet, i konstant transformasjon, også nedsenket i media. i forbrukskanalene, med et ofte flyktig aspekt, av øyeblikkelig persepsjon, tilstede med lik gyldighet i ideen og i objektet, i dens konseptuelle tilblivelse og i dens materielle realisering. [ 35 ] Morris Weitz , representant for analytisk estetikk , mente i The Role of Theory in Aesthetics (1957) at «det er umulig å etablere noen form for kriterier for kunst som er nødvendige og tilstrekkelige; derfor er enhver kunstteori en logisk umulighet, og ikke bare noe som er vanskelig å få til i praksis. Ifølge Weitz er en iboende kvalitet ved kunstnerisk kreativitet at den alltid produserer nye former og gjenstander, så «kunstens betingelser kan aldri etableres på forhånd». Derfor er "den grunnleggende antakelsen om at kunst kan være gjenstand for enhver sann eller realistisk definisjon falsk." [ 36 ]

I utgangspunktet ligger mangelen på definisjon av kunst i dens reduksjon til visse kategorier – som imitasjon, som rekreasjon, som uttrykk –; kunst er et globalt konsept, som inkluderer alle disse formuleringene og mange flere, et konsept i evolusjon og åpent for nye tolkninger, som ikke kan fikses på en konvensjonell måte, men som må samle alle forsøk på å uttrykke og formulere det, som en syntese bred og subjektiv av dem alle.

Kunst er en bevisst menneskelig aktivitet som er i stand til å reprodusere ting, bygge former eller uttrykke en opplevelse, hvis produktet av denne reproduksjonen, konstruksjonen eller uttrykket kan glede, bevege eller sjokkere. Władysław Tatarkiewicz , A Story of Six Ideas (1976). [ 37 ]

Klassifisering

Klassifiseringen av kunst, eller av de forskjellige fasettene eller kategoriene som kan betraktes som kunstneriske, har hatt en utvikling parallelt med selve kunstbegrepet: som sett ovenfor, under den klassiske antikken ble alle typer manuell dyktighet og fingerferdighet ansett som kunst, fra rasjonell type og underlagt regler; dermed ble nåværende kunst så vel som håndverk og vitenskap inkludert i det kirkesamfunnet , mens musikk og poesi ble ekskludert . En av de første klassifiseringene som ble gjort av kunsten var den av de førsokratiske sofistfilosofene , som skilte mellom "nyttig kunst" og "behagelig kunst", det vil si mellom de som produserer gjenstander med en viss nytte og de som tjener til underholdning ... Plutarch introduserte, sammen med disse to, den "perfekte kunsten", som ville være det vi nå anser som vitenskap. Platon på sin side etablerte forskjellen mellom "produktiv kunst" og "imitativ kunst", alt etter om de produserte nye objekter eller imiterte andre. [ 38 ]

Under romertiden var det forskjellige forsøk på å klassifisere kunsten: Quintilian delte kunsten inn i tre sfærer: "teoretisk kunst", basert på studier (hovedsakelig vitenskapene); "praktisk kunst", basert på en aktivitet, men uten å produsere noe (som dans ); og «poetisk kunst» – i henhold til den greske etymologien , der ποίησις ( poíêsis ) betyr 'produksjon'–, som er de som produserer gjenstander. Cicero katalogiserte kunstene i henhold til deres betydning: "hovedkunst" (politikk og militærstrategi), "mellomkunst" (vitenskap, poesi og retorikk ) og "mindre kunst" (maleri, skulptur, musikk, skuespill og friidrett ) . Plotinus klassifiserte kunsten i fem grupper: de som produserer fysiske objekter (arkitektur), de som hjelper naturen ( medisin og landbruk ), de som imiterer naturen (maleriet), de som forsterker menneskelig handling (politikk og retorikk) og de intellektuelle ( geometri ). [ 39 ]

Den mest vellykkede klassifiseringen - som nådde den moderne tid - var imidlertid Galen i det andre århundre  , som delte kunst inn i " liberal arts " og " vulgære kunster ", avhengig av om de hadde en intellektuell eller manuell opprinnelse. Blant de liberale var: grammatikk , retorikk og dialektikk -som dannet trivium- , og aritmetikk , geometri , astronomi og musikk -som dannet quadrivium- ; det vulgære inkluderte arkitektur, skulptur og maleri, men også andre aktiviteter som vi nå anser som håndverk. [ 40 ]

I løpet av middelalderen fortsatte oppdelingen av kunst mellom liberal og vulgær kunst – sistnevnte da kalt « mekanisk » – selv om det var nye forsøk på klassifisering: Boethius delte kunsten inn i ars og artificium , en klassifisering som ligner på liberal og artificium. vulgær kunst, men i en forstand som nesten utelukket de manuelle formene til kunstfeltet, bare avhengig av sinnet. På det  tolvte århundre forsøkte Radulfo de Campo Lungo å klassifisere de mekaniske kunstene, og reduserte dem til syv, samme antall som de liberale. Avhengig av deres nytte for samfunnet, delte han dem inn i: ars victuaria , for å mate folket; lanificaria , å kle dem; arkitektur , for å skaffe dem et hus; suffragatoria , for å gi dem transportmidler; medisin som helbredet dem; negotiatoria , for handel; militaria , for å forsvare seg selv. [ 41 ]

På 1500  -tallet begynte arkitektur, maleri og skulptur å bli betraktet som aktiviteter som ikke bare krevde handel og dyktighet, men også en type intellektuell oppfatning som gjorde dem overlegne andre typer håndverk. Dermed ble det moderne kunstbegrepet født, som under renessansen fikk navnet arti del disegno ( designkunst ), siden de forsto at denne aktiviteten – designing – var den viktigste i tilblivelsen av kunstverk. [ 42 ]

Imidlertid var det nødvendig å forene disse designkunstene med resten av aktivitetene som anses som kunstneriske (musikk, poesi og teater ), en oppgave som ble utviklet i løpet av de følgende to århundrene med forskjellige forsøk på å finne en felles kobling til alle disse aktivitetene: humanisten florentinske Giannozzo Manetti foreslo begrepet "genial kunst", der han inkluderte den liberale kunsten, så han endret bare ordet ; den neoplatoniske filosofen Marsilio Ficino utdypet konseptet «musikalsk kunst» og argumenterte for at musikk var inspirasjonen for alle kunster; i 1555 introduserte Giovanni Pietro Capriano i sin De vera poetica betydningen "edle kunster", appellerende til det høye formålet med disse aktivitetene; Lodovico Castelvetro snakket i sin Correttione (1572) om "minnekunst", siden disse kunstene ifølge ham forsøkte å fikse minnet om ting og hendelser i gjenstander; Claude-François Menestrier , en fransk historiker fra 1600-tallet ,  formulerte ideen om "bildekunst", og understreket kunstens visuelle karakter; Emanuele Tesauro utviklet i 1658 forestillingen om "poetisk kunst", inspirert av det berømte sitatet fra Horace ut pictura poesis (maleri som poesi), og beskrev den poetiske og metaforiske komponenten i disse kunstene; allerede på 1700  -tallet falt to definisjoner sammen i samme år ( 1744 ), Giambattista Vicos "behagelige kunster" og James Harris "elegante kunster" ; til slutt, i 1746 , etablerte Charles Batteux i The fine arts redusert til et enkelt prinsipp den nåværende oppfatningen av fine arts , og understreket dens aspekt av imitasjon ( imitatio ). [ 43 ]

Batteux inkluderte maleri, skulptur, musikk, poesi og dans i kunsten, mens han beholdt begrepet mekanisk kunst for resten av kunstneriske aktiviteter, og pekte ut arkitektur og retorikk som aktiviteter mellom de to kategoriene, selv om det snart ble eliminert i midten gruppe og arkitektur og retorikk ble fullt ut innlemmet i kunsten. Over tid gjennomgikk imidlertid denne listen flere variasjoner, og mens tilstedeværelsen av arkitektur, maleri, skulptur, musikk og poesi var allment akseptert, varierte de resterende to posisjonene fra dans, retorikk, teater og hagearbeid , eller, senere, nye disipliner som f.eks. som foto og kino . Begrepet "fine arts" tjente en formue, og ble etablert som definisjonen av alle aktiviteter basert på utarbeiding av objekter med et estetisk formål, produsert intellektuelt og med en ekspressiv og transcendent vilje. Fra da av var kunsten således «fine arts», skilt fra både vitenskapene og de manuelle fagene. Av denne grunn skjedde det i løpet av 1800  -tallet en ny terminologisk endring: siden kunsten bare var kunst, og resten av aktivitetene ikke var det, gikk litt etter litt begrepet "vakker" tapt, og det ble bare "kunst" igjen. ', og etterlater betydningen 'kunst' slik vi forstår den i dag. Det hendte til og med at begrepet "fine arts" da ble begrenset til å betegne billedkunsten, som i renessansen ble kalt "kunster av design" (arkitektur, maleri og skulptur), resten var "kunst generelt". Det var også en økende tendens til å skille billedkunsten fra den litterære, som fikk navnet «bellas letters». [ 44 ] Det kan sies at "kunsten" er de som møter visse estetiske egenskaper som er verdig å bli beundret: de tar sikte på å uttrykke skjønnhet selv om den er definert av kunstneren eller av det spesielle perspektivet til observatøren, og faller inn i tvetydighet om hva som er vakkert. Gary Martin bemerket at fordi det er en subjektiv opplevelse, blir det ofte sagt at "skjønnhet er i øyet til betrakteren." "De fine kunstene" har historisk sett hatt et slikt adjektiv fordi de representerer det høyeste sentimentale uttrykket for mennesket siden antikken.

Men til tross for den generelle aksepten av klassifiseringen foreslått av Batteux, var det i de følgende århundrene fortsatt forsøk på nye klassifiseringer av kunst: Immanuel Kant skilte mellom "mekanisk kunst" og "estetisk kunst"; Robert von Zimmermann snakket om kunsten materiell representasjon (arkitektur og skulptur), om persepsjonsrepresentasjon (maleri og musikk) og om representasjon av tanker (litteratur); og Alois Riegl , i Industrial Art of the Late Roman Age , delte kunst inn i arkitektur, plast og ornament. Hegel etablerte i sin Estetikk (1835-1838) tre former for kunstnerisk manifestasjon: symbolsk, klassisk og romantisk kunst, som er relatert til tre forskjellige former for kunst, tre stadier av historisk evolusjon og tre forskjellige måter å forme ideen på:

Kunst Historie Idé Skjema
Symbolsk Barndom Feiljustering Arkitektur
Klassisk Modenhet Justering Skulptur
Romantisk Høy alder flyte Maleri, musikk og poesi

I ideen er det først et misforhold, hvor ideen ikke finner form; så er det justering, når ideen tilpasser seg formen; til slutt, i overløpet, overgår ideen formen, den tenderer mot det uendelige. I den historiske evolusjonen sidestiller han barndom med forhistorisk , antikkens og orientalsk kunst; modenhet, med gresk og romersk kunst ; og alderdom, med kristen kunst . Når det gjelder formen, er arkitektur (monumental form) en tektonisk kunst , den avhenger av materie, vekter, mål osv.; skulptur ( antropomorf form ) er mer avhengig av volumetrisk form , og er dermed nærmere mennesket; maleri, musikk og poesi (oversensible former) er det mest åndelige, mest dematerialiserte stadiet. Kunstnerisk skapelse må ikke være en mimesis , men en prosess med åndelig frihet. I sin utvikling, når kunstneren når sin grense, går sensitive former tapt, kunsten blir mer konseptuell og reflekterende; På slutten av denne prosessen inntreffer "kunstens død". [ 45 ]

Til tross for alt var disse klassifiseringsforsøkene noe ubrukelige, og da det så ut til at en universelt akseptabel definisjon av kunst endelig var nådd, etter så mange århundrer med evolusjon, har de sosiale, kulturelle og teknologiske endringene som ble produsert under XIX og XX medført et nytt forsøk på å definere kunst basert på mer åpne og omfattende parametere, og prøver å dekke både en teoretisk definisjon av kunst og en praktisk katalog som vil inkludere de nye kunstneriske formene som har dukket opp i nyere tid (fotografi, kino, tegneserier, nye teknologier, etc.). Som Juan Acha med sitt essay Kunst og samfunn. Latin-Amerika: det kunstneriske produktet og strukturen (1979), hvis komplekse organisering av kunsten er i henhold til dens anvendelse og opprinnelse; i grupper som "Body-Object", "Surface-Objects", "Iconic-Surfaces", "Literary-Surfaces", "Shows" og "Auditions". Og en annen enklere i Lógica del Limite (1991) av Eugenio Trías , der kunstneren er som en innbygger og et visst kunstnerisk håndverk som en bolig , som utgjør tre store kunstområder: statisk eller romlig kunst, blandet kunst og midlertidig eller dynamisk kunst.

Statisk eller romlig kunst blandet kunst Dynamisk eller midlertidig kunst
Arkitektur Kino Musikk
Skulptur Teater Danse
Maling Opera Litteratur

Disse forsøkene, noe mislykkede, har på en eller annen måte gitt motsatt effekt, og fremhevet enda mer mangelen på definisjon av kunst, som i dag er et åpent og tolkbart begrep, der mange formler og forestillinger passer, selv om en minimumsfellesnevner vanligvis aksepteres. estetiske og uttrykksfulle kvaliteter, samt en komponent av kreativitet. [ 35 ]

Fem kunster er ofte sitert på 1800  -tallet , hvortil fire til vil bli lagt til på 1900  -tallet for å nå totalt ni kunstarter, uten at eksperter og kritikere kan bli enige om klassifiseringen av en "tiende kunst".

På slutten av 1900  -tallet etablerer følgende liste de nye klassifiseringene, så vel som antallet gamle muser:

  1. Arkitektur
  2. Skulptur
  3. Visuell kunst , inkludert maleri , tegning og trykking
  4. Musikk
  5. Litteratur , som inkluderer poesi
  6. Scenekunst , inkludert teater , dans , mime og sirkus
  7. Kinematografi
  8. Fotografering
  9. tegnefilm

Enkelte kritikere og historikere vurderer annen kunst på listen, for eksempel gastronomi , parfymeri , TV , mote , reklame , animasjon og videospill . For tiden er det fortsatt en viss uoverensstemmelse om hva den "tiende kunsten" vil være. [ 46 ]

Elementer av det kunstneriske fenomenet

Uansett antikken og klassisisme, er et kunstverk i handling og ikke bare potensielt et kunstverk når det overlever i en eller annen individualisert opplevelse. Som et stykke pergament, marmor, tøy, forblir det (selv om det er underlagt tidens tann) identisk med seg selv gjennom årene. Men som et kunstverk gjenskapes det hver gang det oppleves estetisk. John Dewey , Kunst som opplevelse (1934). [ 50 ]

Kunstneriske disipliner

Den kreative kunsten er ofte delt inn i mer spesifikke kategorier, for eksempel dekorativ kunst , visuell kunst , scenekunst eller litteratur . Dermed er maleri en form for billedkunst, og poesi er en form for litteratur. Noen eksempler er:

visuell kunst scenekunst Musikkkunst litterær kunst

Kunstneriske stiler

Hver historisk periode har hatt spesifikke og definerbare egenskaper, felles for andre regioner og kulturer, eller unike og differensierte, som har utviklet seg med tidens gang. Fra dette oppstår kunstneriske stiler, som kan ha en geografisk eller tidsmessig opprinnelse , eller til og med reduseres til arbeidet til en spesifikk kunstner, så lenge det produseres klart definerende kunstneriske former. 'Stil' kommer fra det latinske stilus ('punch'), skrevet i middelalderen som stylus på grunn av påvirkningen fra det greske uttrykket στύλος ( stylos , 'kolonne'). Tidligere ble en type punch brukt til å skrive på vokstabletter ; Med tiden kom det til å betegne både instrumentet og forfatterens verk og hans måte å skrive på. Stilbegrepet dukket opp i litteraturen, men spredte seg snart til andre kunstarter, spesielt musikk og dans. Dette begrepet brukes for tiden i sin metonymiske betydning , det vil si som den egenskapen som identifiserer måten å arbeide, uttrykke eller tenke på et kunstverk av kunstneren, eller, i en mer generisk forstand, av en gruppe kunstnere. som har ulike punkter til felles, gruppert geografisk eller kronologisk. Dermed kan stil både være et sett av formelle karakterer, enten individuelle – måten en kunstner skriver, komponerer eller utdyper et kunstverk – eller kollektiv – av en gruppe, en tid eller et sted. geografisk – som et organisk system av former, der det ville være kombinasjonen av visse faktorer som ville generere arbeidsmåten til gruppen, som i romansk , gotisk , barokk kunst , etc. I følge Focillon er en stil "et sammenhengende sett med former forent av en gjensidig bekvemmelighet, underdanig en intern logikk som organiserer dem".

Disse individuelle eller sosiale karakterene er særegne tegn som lar oss empirisk differensiere, definere og katalogisere verkene til en kunstner eller en gruppe kunstnere knyttet til samme stil eller " skole " - et begrep som betegner en gruppe forfattere med felles definerende egenskaper. ... Dermed er " stilistikk " vitenskapen som studerer de forskjellige særegne, objektive og utvetydige tegnene på arbeidet til en kunstner eller skole. Denne studien har tjent i kunsthistorien som et utgangspunkt for analysen av kunstnerisk historisk evolusjon basert på stil, som kan sees i noen historiografiske skoler som formalisme . [ 60 ]

Stilen studerer kunstneren og kunstverket som materialisering av en idé, nedfelt i materie gjennom teknikk, som utgjør et formelt språk som er mottakelig for analyse og katalogisering og periodisering. På den annen side, akkurat som likheten mellom former skaper et språk og derfor en stil, kan den samme formen ha forskjellige betydninger i forskjellige stiler. Dermed er stiler underlagt en evolusjonær dynamikk som vanligvis er syklisk, tilbakevendende, merkbar i større eller mindre grad i hver historisk periode. Ulike faser skilles vanligvis ut i hver stil, skole eller kunstnerisk periode – med de naturlige spesifikke variasjonene i hvert enkelt tilfelle –: «pre-klassisk fase», hvor de særegne tegnene til hver spesifikke stil begynner å ta form – de omtales vanligvis med prefiksene 'proto' eller 'pre', som pre -romantikk –; "klassisk fase", hvor de viktigste karakteristiske tegnene på stilen er spesifisert, som vil tjene som referansepunkter og vil bety materialiseringen av dens viktigste prestasjoner; «Maneristisk fase», hvor klassiske former omtolkes, utdypet fra et mer subjektivt synspunkt av forfatteren; "barokkfasen", som er en reaksjon mot klassiske former, deformert etter kunstnerens smak og innfall; «arkaiserende fase», der den går tilbake til klassiske former, men nå med den tydelige mangelen på naturlighet som er iboende – kalles den vanligvis med prefikset 'post', som postimpresjonisme- ; og «gjentakende fase», hvor mangelen på referenter forårsaker en tendens til eklektisisme – de kalles vanligvis med prefikset 'neo', som nyklassisisme- . [ 61 ]

kunstneriske stiler
Preklassisk fase :
Kurós fra Asclepeion of Paros .  
Klassisk fase :
Discobolus , av Mirón .  
Manieristisk fase :
Apollo Sauróctono , av Praxiteles .  
Barokkfase : Laocoön og
sønnene hans , av Agesander, Polydorus og Athenodorus fra Rhodos .  
Arkaiserende fase :
Group of San Ildefonso , romersk skulptur inspirert av greske modeller.  
Tilbakevendende fase :
Napoleon guddommeliggjort , av Antonio Canova , nyklassisistisk skulptur inspirert av klassiske gresk-romerske modeller.  

Kunstneriske sjangre

En kunstnerisk sjanger er en tematisk spesialisering der de ulike kunstartene vanligvis er delt inn. Tidligere "sjangermalere" ble kalt de som tok for seg et enkelt tema: portretter , landskap , malerier av blomster , dyr , etc. Begrepet hadde en viss nedsettende betydning, siden det så ut til at kunstneren som bare befattet seg med disse sakene ikke var verdt for andre, og var i motsetning til "historiemaleren", som behandlet ulike elementer (landskap, arkitektur, menneskelige figurer) i en enkelt komposisjon.. På 1700  -tallet ble begrepet brukt på maleren som representerte scener i dagliglivet, i motsetning til historiemaleren, som tok for seg historiske , mytologiske , etc. , emner. På den annen side, på 1800  -tallet , da historiemaleriet mistet sin privilegerte posisjon, fikk historien samme status som landskap, portrett, etc. Så ble sjangermaleri det som ikke omhandlet de fire anerkjente hovedklassene: historie, portrett, landskap og marine. En sjangermaler var altså en som ikke hadde noen definert sjanger. Til slutt, ved å eliminere ethvert hierarki i kunstnerisk representasjon, regnes ethvert verk som representerer scener i dagliglivet, anekdotiske temaer, for tiden som sjangermaleri kunsthistorien ( landskap, portrett, naken, stilleben), og dermed lage en syntese mellom de forskjellige tidligere konseptene. [ 62 ]

kunstneriske sjangre
Portrett :
La Gioconda (1503), av Leonardo da Vinci .  
Landskap :
Havn med ombordstigning av dronningen av Saba (1648), av Claudius av Lorraine .  
Naken :
Venus i speilet (1647-1651), av Diego Velázquez .  
Still Life :
Still Life with Onions (1895-1900), av Paul Cézanne .  

Kunstneriske teknikker

Musikk Han tegnet Maling

Maleri, som et todimensjonalt element, trenger en støtte (vegg, tre, lerret, glass, metall, papir, etc.); Pigmentet (fargestoff + bindemiddel) legges på denne støtten. Det er permen som klassifiserer de forskjellige billedprosedyrene:

Skulptur

Avhengig av materialet er det mulig å jobbe i tre systemer: "additiv", modellering og tilsetning av stoff, vanligvis i myke materialer ( voks , plastelina , leire ); "subtraktiv", eliminerer materie inntil figuren blir oppdaget, vanligvis i harde materialer ( stein , marmor , tre , bronse , jern ); og "blandet", legge til og trekke fra. Den kan også lages ved støping, gjennom en form. Når skulpturen er laget, kan den etterlates naturlig eller polykrom , med vegetabilske eller mineralske fargestoffer eller i enkaustisk, tempera eller olje, forgylt eller stuet (imitert gull).

Innspilt Mosaikk Glass

Det finnes flere typer glass: "natriumglass" (det mest grunnleggende laget av silika ), krystall (silika og bly eller kaliumoksyd ), "kalsedonglass" (silika og metalloksyder) og "melkeglass" (silika, mangan ) dioksid og tinnoksid ). Hovedteknikken for å jobbe den er blåsing , hvor den kan gis hvilken som helst form og tykkelse. Når det gjelder dekorasjonen, kan den males, sgraffito, skåret, med pinsett, filigran , etc. [ 68 ]

Keramikk

Den er laget med leire , i fire klasser: porøs rød-gulaktig bakt leire ( keramikk , terrakotta , kjeks ); hvit porøs bakt leire ( fajanse ); grå, brun eller brun ikke-porøs brent leire ( steintøy ); Middels gjennomsiktig hvit ikke-porøs kompakt brent leire ( porselen ). Den kan lages manuelt eller mekanisk —med hjul— , deretter bakes den i ovnen – ved temperaturer mellom 400° og 1300°, avhengig av type—, og den er dekorert med emalje eller maling. [ 69 ]

gullsmed

Det er kunsten å lage dekorative gjenstander med edle metaller eller edelstener, som gull , sølv , diamant , perler , rav , koraller , etc.

Smiing

Den er laget med jern ( limonitt , pyritt eller magnetitt ), reduserer den med varme, og etterlater en rød pasta som ingots lages med. Det er tre klasser: " støpt ", med mye karbon , silika , svovel og mangan , det er ikke egnet for smiing, kun for støping i en form; " mykt eller smijern ", med mindre karbon, det er mer formbart og formbart, det kan smides, men det er mykt og matt; " stål ", med mangan, wolfram , kobolt og wolfram , er hardere, for kutting av instrumenter. Modelleringen gjøres uten å legge til eller fjerne materiale, men det finnes ulike alternative teknikker: strekking, utvidelse, krølling, krumning, forstyrrelse, etc.

Restaurering

Restaurering av kunstverk er en aktivitet hvis formål er reparasjon eller forebyggende handling av ethvert verk som på grunn av sin alder eller bevaringstilstand er utsatt for å bli intervenert for å bevare dets fysiske integritet, så vel som dets kunstneriske verdier, med respekt for maksimalt den opprinnelige essensen av verket. [ 71 ]

Restaurering bør ta sikte på å reetablere kunstverkets potensielle enhet, når dette er mulig uten å begå en kunstnerisk forfalskning eller en historisk forfalskning, og uten å viske ut noe spor av kunstverkets gang gjennom tiden. Cesare Brandi , Restaureringsteori (1988). [ 50 ]

I arkitektur er restaureringen vanligvis av funksjonell type, for å bevare strukturen og enheten i bygget, eller for å reparere sprekker eller småfeil som kan oppstå i byggematerialene. Fram til 1700  -tallet bevarte arkitektoniske restaureringer kun verk av religiøs tilbedelse, gitt deres liturgiske og symbolske natur , og gjenoppbygde andre typer bygninger uten engang å respektere den opprinnelige stilen. Siden arkeologiens fremvekst på slutten av 1700  -tallet , spesielt med utgravningene av Pompeii og Herculaneum , har det imidlertid vært en tendens til så langt som mulig å bevare enhver struktur fra fortiden, så lenge den hadde en kunstnerisk og kulturell verdi. Likevel  førte romantiske idealer på 1800 -tallet til en søken etter bygningens stilistiske renhet, og moten for historisisme førte til tilnærminger som de til Viollet-le-Duc , en forsvarer av intervensjon i monumenter basert på en viss stilideal. For tiden er det en tendens til å bevare integriteten til historiske bygninger så mye som mulig.

Innenfor maleriet har det utviklet seg fra et første perspektiv med å prøve å gjenopprette lesbarheten til bildet, legge til tapte deler av verket om nødvendig, til å respektere kunstverkets fysiske og estetiske integritet, noe som gjør inngrep nødvendig for dets konservering uten å produsere en radikal transformasjon av verket. Den billedmessige restaureringen fikk en økende impuls fra 1600  -tallet , på grunn av den dårlige bevaringstilstanden til freskomalerier , en ganske vanlig teknikk i middelalderen og renessansen . På samme måte førte økningen i markedet for antikviteter til restaurering av gamle verk for senere salg. Til slutt, innen skulptur har det vært en parallell utvikling: fra rekonstruksjon av eldgamle verk, generelt når det gjelder lemleste lemmer (som i rekonstruksjonen av Laocoön i 1523 - 1533 av Giovanni Angelo Montorsoli ), til å handle på verket som bevarer sin originale struktur, opprettholde om nødvendig en viss grad av reversibilitet av den praktiserte handlingen. [ 72 ]

Estetikk

Estetikk er en gren av filosofien som er ansvarlig for å studere måten menneskelig resonnement tolker sansestimuliene den mottar fra omverdenen. Det kan sies, akkurat som logikk studerer rasjonell kunnskap, at estetikk er vitenskapen som studerer sensitiv kunnskap, det som vi tilegner oss gjennom sansene. [ 73 ]​ Blant de ulike objektene for studier av estetikk er skjønnhet eller smaksvurderinger, så vel som de forskjellige måtene å tolke dem på av mennesket. Derfor er estetikk nært knyttet til kunst, og analyserer de ulike kunstneriske stilene og periodene i henhold til de ulike estetiske komponentene som finnes i dem. Estetikk blir ofte referert til som en "kunstfilosofi". Estetikk er en filosofisk refleksjon som gjøres over kunstneriske og naturlige gjenstander, og som produserer en "estetisk vurdering". Sensorisk oppfatning, en gang analysert av menneskelig intelligens, produserer ideer, som er abstraksjoner av sinnet, og kan være objektive eller subjektive. Ideer fremprovoserer vurderinger, ved å relatere sanseelementer; i sin tur er forholdet mellom dommer resonnement. Målet med estetikk er å analysere resonnementet som produseres av disse vurderingsrelasjonene. [ 74 ]

Begrepet estetikk kommer fra det greske αἴσθησις ( aísthêsis , 'sensasjon'). Den ble introdusert av den tyske filosofen Alexander Gottlieb Baumgarten i hans Philosophical Reflections on Poetry (1735), og senere i hans Aesthetica (1750). [ 75 ] Estetikkens historie ville således strengt tatt begynne med Baumgarten på 1700  -tallet , spesielt med systematiseringen av denne disiplinen utført av Immanuel Kant . Imidlertid kan konseptet ekstrapoleres til studier om emnet utført av tidligere filosofer, spesielt fra det klassiske Hellas . Det bør for eksempel bemerkes at de gamle grekerne hadde et ord som kan sammenlignes med dagens estetikkbegrep, som var Φιλοκαλία ( philocalia , 'kjærlighet til skjønnhet'). Man kan si at i Hellas ble estetikk født som et begrep, mens det med Baumgarten ble en filosofisk vitenskap.

Ifølge Arnold Hauser er "kunstverk provokasjoner som vi argumenterer med", men som vi ikke forklarer. Vi tolker dem i henhold til våre egne formål og ambisjoner, vi gir dem en mening hvis opprinnelse er i våre livsstiler og mentale vaner. Vi, "av all kunst som vi har et autentisk forhold til, lager vi en moderne kunst". I dag har kunst etablert et sett med relasjoner som gjør at kunstverket, kunstneren eller skaperen og mottakeren eller målgruppen kan inkluderes i en enkelt interaksjon. Hegel , i sin Estetikk , prøvde å definere viktigheten av dette forholdet ved å si at "kunstnerisk skjønnhet er høyere enn naturens skjønnhet, siden den endrer de illusoriske formene til denne ufullkomne verden, der sannheten skjuler seg bak falske utseende for å nå en høyere sannhet skapt av ånden.

Kunst er også et spill med følsomme utseende, farger, former, volum, lyder osv. Det er et gratis spill hvor en fremtoning skapes av ingenting eller lite mer enn ingenting som ikke har til hensikt annet enn å lure oss. Det er et lystbetont spill som tilfredsstiller våre evige behov for symmetri , rytme eller overraskelse. Overraskelsen som for Baudelaire er poesiens opphav . Således, ifølge Kant, kommer estetisk nytelse mindre fra intensiteten og mangfoldet av sansninger, enn fra måten, tilsynelatende spontane, hvorved de manifesterer en dyp enhet, fornuftig i sin refleksjon, men ikke konseptualiserbar.

For Ernst Gombrich , "i virkeligheten eksisterer ikke kunst: det er bare kunstnere". Senere, i introduksjonen til sitt verk The History of Art , sier han at det ikke er noe galt med å glede seg over et landskapsmaleri fordi det minner oss om hjemmet, eller i et portrett fordi det minner oss om en venn, siden, som menneskelig at vi er, når vi ser på et kunstverk blir vi utsatt for et sett med minner som, på godt og vondt, påvirker vår smak. Etter Gombrich kan man se hvordan noe lignende skjer med kunstnere også: i Portrait of a Child (Nicholas Rubens) gjorde den flamske maleren Rubens ham vakker, siden han sikkert var stolt av barnets utseende, og elsket oss, videreformidle lidenskapen sin. som far så vel som som kunstner; i Portrettet av moren tegnet den tyske maleren Albrecht Dürer henne med samme hengivenhet og kjærlighet som Rubens hadde til sin sønn, men her ser vi en trofast studie av en gammel kvinnes ansikt, det er ingen naturlig skjønnhet, men Dürer, med hans enorme oppriktighet, skapte et stort kunstverk.

Se også: Estetikkens historie

Kunstsosiologi

Kunstsosiologien er en samfunnsvitenskapelig disiplin som studerer kunst fra en metodisk tilnærming basert på sosiologi . Målet er å studere kunst som et produkt av det menneskelige samfunn , og analysere de ulike sosiale komponentene som stemmer overens i opprinnelsen og spredningen av kunstnerisk arbeid. Kunstsosiologien er en tverrfaglig vitenskap som tyr til forskjellige disipliner som kultur , politikk , økonomi , antropologi , lingvistikk , filosofi og andre samfunnsvitenskaper som påvirker samfunnets fremtid for analysen. Blant de ulike studieobjektene i kunstsosiologien er det flere faktorer som griper inn fra et sosialt synspunkt i kunstnerisk skapelse, fra mer generiske aspekter som kunstnerens sosiale situasjon eller offentlighetens sosiokulturelle struktur, til flere. spesifikke som patronage , merkantilisme og kommersialisering av kunst, kunstgallerier, kunstkritikk , innsamling, museografi , kunstneriske institusjoner og stiftelser, etc. [ 76 ] Det er også verdt å merke seg på 1900  -tallet at det dukket opp nye faktorer som fremskritt i spredning av media, massekultur , kategorisering av mote , inkorporering av nye teknologier eller åpning av konsepter i materiell skapelse av kunstverket ( konseptuell kunst , actionkunst ).

Kunstsosiologien skylder sine første tilnærminger til interessen til ulike historikere i analysen av kunstens sosiale miljø siden midten av det nittende  århundre , spesielt etter fremveksten av positivisme som en metode for vitenskapelig analyse av kultur, og skapelsen av sosiologi. som autonom vitenskap av Auguste Comte . Imidlertid utviklet kunstsosiologien seg som en spesiell disiplin i løpet av det 20.  århundre , med sin egen metodikk og spesifikke studieobjekter. Hovedsakelig er utgangspunktet for denne disiplinen vanligvis lokalisert umiddelbart etter andre verdenskrig , med opptredenen av forskjellige avgjørende verk i utviklingen av denne disiplinærstrømmen: Kunst og industriell revolusjon , av Francis Klingender (1947); Florentinsk maleri og dets sosiale miljø , av Friedrich Antal (1948); and Social History of Literature and Art , av Arnold Hauser (1951). I sin begynnelse var kunstsosiologien nært knyttet til marxismen - som Hauser og Antal selv, eller Nikos Hadjinikolaou , forfatter av History of Art and Class Struggle (1973) - selv om den senere tok avstand fra denne tendensen til å skaffe seg selvstyre. som en vitenskap. Andre fremtredende forfattere innen denne disiplinen er Pierre Francastel , Herbert Read , Francis Haskell , Michael Baxandall , Peter Burke , Giulio Carlo Argan , etc. [ 77 ]

Kunstens psykologi

Kunstens psykologi er vitenskapen som studerer fenomenene kunstnerisk skapelse og verdsettelse fra et psykologisk perspektiv . Kunst er, som en manifestasjon av menneskelig aktivitet, i stand til å bli analysert psykologisk, studere de ulike mentale og kulturelle prosessene som finnes i kunstens tilblivelse, både i dens skapelse og i dens mottakelse av publikum. På sin side, som et fenomen ved menneskelig atferd, kan det tjene som grunnlag for å analysere menneskelig bevissthet, med estetisk persepsjon som en kjennetegnende faktor for mennesket som art, som distanserer ham fra dyr. Kunstpsykologien er en tverrfaglig vitenskap, som nødvendigvis må ty til andre vitenskapelige disipliner for å utføre sine analyser, fra – logisk – kunsthistorien, til filosofi og estetikk, gjennom sosiologi, antropologi, nevrobiologi osv. osv. osv. . Det er også nært knyttet til de andre grenene av psykologi, fra psykoanalyse til kognitiv, utviklings- eller sosialpsykologi, eller psykobiologi og personlighetsstudier. På det fysiologiske nivået studerer kunstpsykologien de grunnleggende prosessene for menneskelig aktivitet - som persepsjon , følelser og hukommelse - så vel som de høyere funksjonene til tanke og språk . Blant studieobjektene er både oppfatningen av farge ( retinal mottak og kortikal prosessering ) og analyse av form, samt studier av kreativitet, kognitive evner ( symboler , ikoner ), kunst som terapi , etc. For utviklingen av denne disiplinen har bidragene til Sigmund Freud , Gustav Fechner , Gestaltskolen (blant disse verkene til Rudolf Arnheim skiller seg ut ), Lev Vygotski , Howard Gardner , etc. vært avgjørende . [ 78 ]

En av hovedtrendene i kunstpsykologien har vært gestaltskolen, som sier at vi er betinget av vår kultur – i antropologisk forstand – så mye at kulturen betinger vår oppfatning. Det tar utgangspunkt i arbeidet til Karl Popper , som uttalte at det i estetisk verdsettelse er et usikkerhetsmoment (smak), som ikke har noe vitenskapelig grunnlag og ikke kan generaliseres; vi bærer på en forutinntatt idé («forutgående hypotese»), som gjør at vi finner det vi leter etter i objektet. I følge Gestalt konfigurerer sinnet, gjennom visse lover, elementene som når det gjennom sansekanaler (persepsjon) eller hukommelse (tanke, intelligens og problemløsning). I vår erfaring med miljøet har denne konfigurasjonen en primær karakter over elementene som utgjør den, og summen av sistnevnte alene kunne ikke lede oss til forståelsen av mental funksjon. De er basert på forestillingen om struktur, forstått som en betydelig helhet av forhold mellom stimuli og responser, og prøver å forstå fenomenene som en helhet, uten å skille elementene i helheten, som danner en integrert struktur utenfor hvilken nevnte elementer ville har ingen betydning.. Dens viktigste eksponenter var Rudolf Arnheim , Max Wertheimer , Wolfgang Köhler , Kurt Koffka og Kurt Lewin . [ 79 ]

Kunstkritikk

Kunstkritikk er en sjanger , mellom litterær og akademisk, som foretar en vurdering av kunstverk, kunstnere eller utstillinger, først på en personlig og subjektiv måte, men basert på kunsthistorien og dens mange disipliner, og verdsetter kunst i henhold til dens kontekst. eller evolusjon. Det er samtidig vurderende, informativt og komparativt, skrevet på en kortfattet og underholdende måte, uten å påstå å være en akademisk studie men gir empiriske og etterprøvbare data. Denis Diderot regnes som den første kritikeren av moderne kunst, for sine kommentarer til kunstverk utstilt i parisiske salonger , laget i Salon Carré i Louvre siden 1725 . Disse salene, åpne for publikum, fungerte som et formidlingssenter for kunstneriske trender, og fremmet moter og smaker i forhold til kunst, som de var gjenstand for debatt og kritikk for. Diderot skrev sine inntrykk av disse rommene først i et brev skrevet i 1759 , som ble publisert i Grimms Correspondance littéraire , og fra da til 1781 , som var sjangerens utgangspunkt. [ 80 ]

I kunstkritikkens tilblivelse er det nødvendig å vurdere på den ene siden offentlighetens tilgang til kunstneriske utstillinger, som sammen med utbredelsen av massemedier siden 1700  -tallet ga en direkte kommunikasjonskanal mellom kritikeren og målgruppe. På den annen side ga borgerskapets fremvekst som en sosial klasse som investerte i kunst som et prangende objekt, og veksten av kunstmarkedet som det førte med seg, det nødvendige sosiale miljøet for konsolidering av kunstnerisk kritikk. Kunstkritikk har generelt vært knyttet til journalistikk , å utføre arbeidet til talspersoner for kunstnerisk smak som på den ene siden har gitt dem stor makt, å kunne senke eller heve arbeidet til en kunstner, men på den andre har det gjort gjenstand for voldsomme angrep og kontroverser. En annen fasett å fremheve er kunstkritikkens nåværende natur, siden den fokuserer på den historiske og geografiske konteksten kritikeren utvikler sitt arbeid i, fordypet i et stadig mer dynamisk fenomen som motestrømmer. . Mangelen på historisitet til å foreta en vurdering på konsoliderte grunnlag, fører således til at kunstkritikk ofte er basert på kritikerens intuisjon, med den risikofaktoren dette innebærer. Imidlertid, som en disiplin underlagt sin tid og den kulturelle utviklingen av samfunnet, avslører kunstkritikk alltid en komponent av sosial tanke som den er nedsenket i, og eksisterer dermed forskjellige strømninger av kunstkritikk: romantisk , positivistisk , fenomenologisk , semiologi , etc. [ 81 ]

For å være rettferdig, det vil si å ha sin grunn til å være, må kritikk være partisk, lidenskapelig, politisk; det vil si: han må innta et eksklusivt synspunkt, men et eksklusivt synspunkt som åpner horisontene maksimalt. Charles Baudelaire , salong av 1846 . [ 82 ]

Blant kunstkritikere har det vært fra kjente forfattere til kunsthistorikere selv, som ofte har gått fra metodologisk analyse til personlig og subjektiv kritikk, klar over at det var et stormaktsvåpen i dag. Som navn kunne man nevne Charles Baudelaire , John Ruskin , Oscar Wilde , Émile Zola , Joris-Karl Huysmans , Guillaume Apollinaire , Wilhelm Worringer , Clement Greenberg , Michel Tapié , etc.; i den spansktalende verden, Eugeni d'Ors , Aureliano de Beruete , Jorge Romero Brest , Juan Antonio Gaya Nuño , Alexandre Cirici , Juan Eduardo Cirlot , Enrique Lafuente Ferrari , Rafael Santos Torroella , Francisco Calvo Serraller , José Areosst José Corredor , I Mathias , Ticio Escobar , Raúl Zamudio , etc. [ 83 ]

Kunsthistorie

Kunsthistorien er vitenskapen som analyserer studiet av kunsthistorien , fra et metodologisk synspunkt , det vil si hvordan historikeren nærmer seg studiet av kunst, verktøyene og disiplinene som kan være nyttige for dette. studio. Kunstens verden har alltid hatt en parallell komponent av selvrefleksjon, siden antikken har kunstnere, eller andre mennesker rundt dem, skrevet ned ulike refleksjoner rundt deres aktivitet. Vitruvius skrev den eldste bevarte avhandlingen om arkitektur , De Architectura . Hans beskrivelse av de arkitektoniske formene i den gresk-romerske antikken hadde en sterk innflytelse på renessansen , samtidig som den var en viktig dokumentarisk kilde for informasjonen den gir om gresk og romersk maleri og skulptur . [ 84 ] Giorgio Vasari , i Lives of the Most Excellent Italian Architects, Painters and Sculptors from Cimabue to the Present (1542–1550), var en av forløperne til kunsthistoriografi, og skildret de største kunstnerne i sin tid, og la spesiell vekt om progresjon og utvikling av kunsten. Imidlertid manglet disse skriftene, generelt kronikker, inventar, biografier eller andre mer eller mindre litterære skrifter, det historiske perspektivet og den vitenskapelige stringens som er nødvendig for å bli betraktet som kunsthistoriografi. [ 85 ]

Johann Joachim Winckelmann regnes som kunsthistoriens far, og skaper en vitenskapelig metodikk for klassifisering av kunst og baserer kunsthistorien på en estetisk teori om nyplatonisk innflytelse : skjønnhet er resultatet av en materialisering av ideen. En stor beundrer av gresk kultur, postulerte han at perfekt skjønnhet fant sted i antikkens Hellas , og genererte en myte om perfeksjonen av klassisk skjønnhet som fortsatt betinger oppfatningen av kunst i dag. I Reflection on the Imitation of Greek Artworks (1755) uttalte han at grekerne nådde en tilstand av total perfeksjon i etterligningen av naturen, slik at vi bare kan etterligne grekerne. På samme måte relaterte han kunst til stadiene i menneskelivet (barndom, modenhet, alderdom), og etablerte en utvikling av kunst i tre stiler: arkaisk, klassisk og hellenistisk. [ 86 ]

I løpet av 1800  -tallet søkte den nye disiplinen en mer praktisk og streng formulering, spesielt siden positivismen dukket opp . Denne oppgaven ble imidlertid tilnærmet fra ulike metoder som involverte et stort mangfold av historiografiske trender: romantikken påla en historicistisk og vekkelsesvisjon av fortiden, og reddet og brakte tilbake til moten kunstneriske stiler som hadde blitt undervurdert av Winckelmann- nyklassisismen ; vi ser dette i arbeidet til Ruskin , Viollet-le-Duc , Goethe , Schlegel , Wackenroder , etc. I stedet var arbeidet til forfattere som Karl Friedrich von Rumohr , Jacob Burckhardt eller Hippolyte Taine , det første seriøse forsøket på å formulere en kunsthistorie basert på vitenskapelige kriterier, basert på kritisk analyse av historiografiske kilder. På den annen side introduserte Giovanni Morelli konseptet connoisseur , kunsteksperten, som analyserer det basert på både hans kunnskap og hans intuisjon. [ 87 ]

Den første svært relevante historiografiske skolen var formalisme , som forsvarte studiet av kunst basert på stil, ved å bruke en evolusjonær metodikk som ga kunsten en autonomi fjernt fra enhver filosofisk betraktning, som avviste romantisk estetikk og hegeliansk idealisme og nærmet seg neokantianismen . Hovedteoretikeren var Heinrich Wölfflin , ansett som faren til moderne kunsthistorie. Han brukte vitenskapelige kriterier på kunst, for eksempel psykologisk studie eller den komparative metoden : han definerte stiler ved deres iboende strukturelle forskjeller, slik han hevdet i hans Fundamental Concepts of Art History (1915). Wölfflin la ikke vekt på kunstnernes biografier, men forsvarte i stedet ideen om nasjonalitet, kunstneriske skoler og nasjonale stiler. Wölfflins teorier ble videreført av den såkalte Wienerskolen , med forfattere som Alois Riegl , Max Dvořák , Hans Sedlmayr og Otto Pächt . [ 88 ]

Allerede på 1900  -tallet har kunsthistoriografien fortsatt å være delt inn i flere tendenser, fra forfattere som fortsatt er innrammet i formalisme ( Roger Fry , Henri Focillon ), som har gått gjennom sosiologiske skoler ( Friedrich Antal , Arnold Hauser , Pierre Francastel , Giulio Carlo Argan ). ) eller psykologisk ( Rudolf Arnheim , Max Wertheimer , Wolfgang Köhler ), til individuelle og syntetiserende perspektiver som Adolf Goldschmidt eller Adolfo Venturi . En av de mest anerkjente skolene har vært ikonologien , som fokuserer sine studier på kunstens symbologi, på betydningen av det kunstneriske arbeidet. Gjennom studiet av bilder, emblemer , allegorier og andre elementer av visuell betydning, søker de å klargjøre budskapet som kunstneren hadde til hensikt å formidle i sitt arbeid, ved å studere bildet fra mytologiske, religiøse eller historiske postulater, eller fra enhver semantisk natur som finnes i enhver stil. kunstnerisk. Ledende teoretikere for denne bevegelsen inkluderte Aby Warburg , Erwin Panofsky , Ernst Gombrich , Rudolf Wittkower og Fritz Saxl . [ 89 ]

Kunsthistorie

Kunst i forhistorien (ca. 25 000-3000 f.Kr.)

Antikkens kunst (ca. 3000-300 f.Kr.)

I Egypt og Mesopotamia oppsto de første sivilisasjonene , og deres kunstnere/håndverkere utarbeidet komplekse kunstverk som allerede antar en profesjonell spesialisering.

Se også: Iberisk kunst

Klassisk kunst (1000-300 e.Kr.)

Kunst i høymiddelalderen (  4. århundre  – 10. århundre )

Se også: Bysantinsk kunst , islamsk kunst og mosarabisk kunst .

Kunst i senmiddelalderen ( 900 - 1400 )

Se også: Mudejar-kunst

Kunst tid ( 1400-1800 ) rediger ]

Ikke-europeisk kunst

Kunst i samtidstiden ( 1800 - nåtid)

1800  -tallet

Mellom slutten av 1700  -tallet og begynnelsen av 1800-tallet ble grunnlaget for det moderne samfunnet lagt, markert på den politiske arena ved slutten av absolutismen og etableringen av demokratiske regjeringer – en impuls som begynte med den franske revolusjonen–; og økonomisk sett av den industrielle revolusjonen og konsolideringen av kapitalismen , som vil ha et svar i marxismen og klassekampen . I kunstfeltet starter en evolusjonær dynamikk av stiler som følger hverandre kronologisk med økende hastighet, og kulminerer på 1900  -tallet med en atomisering av stiler og strømninger som sameksisterer og motsetter hverandre, påvirker og konfronterer hverandre.

20.  århundre

Det 20. århundres kunst gjennomgår en dyp transformasjon: i et mer materialistisk, mer forbrukeristisk samfunn er kunsten rettet mot sansene, ikke intellektet. På samme måte er motebegrepet spesielt relevant , en kombinasjon av kommunikasjonshastigheten og forbrukeraspektet ved dagens sivilisasjon. Slik oppsto avantgardebevegelsene , som søker å integrere kunst i samfunnet, som søker en større kunstner-tilskuer-relasjon, siden det er sistnevnte som tolker verket, og er i stand til å oppdage betydninger som kunstneren ikke engang visste. De siste kunstneriske trendene mister til og med interessen for det kunstneriske objektet: tradisjonell kunst var en gjenstandskunst, den nåværende konseptet. Det er en revurdering av aktiv kunst, av handling, av spontan, flyktig manifestasjon, av ikke-kommersiell kunst (konseptuell kunst , happening , miljø ).

Se også: Litteraturhistorie , musikkhistorie , teaterhistorie , operahistorie , dansens historie , fotografiets historie , kinohistorien og tegneseriens historie

Se også

Referanser

  1. ↑ Royal Spanish Academy og Association of Academies of the Spanish Language. «kunst» . Ordbok for det spanske språket (23. utgave). 
  2. ↑ Tatarkiewicz, 2002 , s. 63-67
  3. ↑ Omar Argerami: Psychology of artistic creation (s. 23-30). Buenos Aires: Columbia, 1968.
  4. ↑ Tatarkiewicz (2002), s. 39.
  5. ↑ Beardsley-Hospers (1990), s. tjue.
  6. ↑ Tatarkiewicz (1989), vol. II, s. 87-88.
  7. ↑ Tatarkiewicz (2002), s. 43.
  8. ↑ Beardsley-Hospers (1990), s. 44.
  9. ↑ Tatarkiewicz (1991), vol. III, s. 367-368.
  10. ↑ Muzzle (2000), vol. I, s. tjueen.
  11. ↑ Beardsley-Hospers (1990), s. 65.
  12. ↑ Givone (2001), s. 65-66.
  13. ↑ Beardsley-Hospers (1990), s. 68.
  14. ↑ Muzzle (2000), vol. I, s. 370-373.
  15. ↑ Echo (2004), s. 329.
  16. ↑ Beardsley-Hospers (1990), s. 70.
  17. ↑ Echo (2004), s. 333.
  18. ↑ Givone (2001), s. 114.
  19. ↑ Muzzle (2000), vol. I, s. 324-329.
  20. ↑ Givone (2001), s. 102-104.
  21. ↑ Givone (2001), s. 112-113.
  22. ↑ Beardsley-Hospers (1990), s. 73.
  23. ↑ Givone (2001), s. 108-109.
  24. ↑ Givone (2001), s. 110-111.
  25. ↑ Muzzle (2000), vol. I, s. 379-380.
  26. ↑ Echo (2004), s. 415-417.
  27. ↑ Beardsley-Hospers (1990), s. 79-80.
  28. ↑ Givone (2001), s. 122-124.
  29. ↑ Givone (2001), s. 125-127.
  30. ↑ Givone (2001), s. 129-131.
  31. ↑ Givone (2001), s. 222-230.
  32. ↑ Givone (2001), s. 151-153.
  33. ↑ Givone (2001), s. 154.
  34. ↑ Muzzle (1993), s. 8-18.
  35. ↑ a b Tatarkiewicz (2002), s. 51-53.
  36. ↑ Tatarkiewicz (2002), s. 62-63.
  37. ↑ Tatarkiewicz (2002), s. 67.
  38. ↑ Tatarkiewicz (2002), s. 82.
  39. ↑ Tatarkiewicz (2002), s. 84-85.
  40. ↑ Tatarkiewicz (2000), vol. I, s. 318.
  41. ↑ Tatarkiewicz (2002), s. 42.
  42. ↑ Tatarkiewicz (2002), s. Fire fem.
  43. ↑ Tatarkiewicz (2002), s. 46-48.
  44. ↑ Tatarkiewicz (2002), s. 49.
  45. ↑ Givone (2001), s. 50-54.
  46. ↑ Tatarkiewicz (2002), s. 53.
  47. ↑ Souriau (1998), s. 142.
  48. ↑ Souriau (1998), s. 838.
  49. ↑ Brandie (2002), s. femten.
  50. ↑ a b Brandi (2002), s. 14.
  51. ↑ Villa (2003), s. 55.
  52. ↑ Azcárate (1983), s. 9-12.
  53. ↑ AA.VV. (1991), s. 678.
  54. ↑ AA.VV. (1991), s. 19.
  55. ↑ Villa (2003), s. 120-123.
  56. ↑ AA.VV. (1991), s. 213.
  57. ↑ AA.VV. (1991), s. 615.
  58. ↑ Villa (2003), s. 91-96.
  59. ↑ Villa (2003), s. 71-73.
  60. ↑ Souriau (1998), s. 540-541.
  61. ↑ Azcárate (1983), s. 14-16.
  62. ↑ Souriau (1998), s. 612.
  63. ↑ Fugue (2004), s. 12-30.
  64. ↑ Fugue (2004), s. 92-132.
  65. ↑ Fugue (2004), s. 138-167.
  66. ↑ Fatás-Borrás (1990), s. 122-123.
  67. ↑ Fugue (2004), s. 176-201.
  68. ↑ Fugue (2004), s. 250-284.
  69. ↑ Fugue (2004), s. 212-230.
  70. ↑ Fugue (2004), s. 300-358.
  71. ↑ Brandy (2002), s. 13-17.
  72. ↑ AA.VV. (1991), s. 812.
  73. ↑ Beardsley-Hospers (1990), s. 97.
  74. ↑ Tatarkiewicz (2000), vol. I, s. 9.
  75. ↑ Givone (2001), s. 14.
  76. ↑ Muzzle (1999), vol. II, s. 332.
  77. ↑ Muzzle (2000), vol. I, s. 147.
  78. ↑ Martin (1999), s. 13-14.
  79. ↑ "Gestaltpsykologi" . Hentet 15. mars 2009 . 
  80. ↑ Muzzle (2000), vol. I, s. 22-23.
  81. ↑ Muzzle (2000), vol. I, s. 155-170.
  82. ↑ Muzzle (2000), vol. I, s. 165.
  83. ↑ Villa (2003), s. 62-66.
  84. ↑ Tatarkiewicz (2000), vol. I, s. 280-288.
  85. ↑ Muzzle (2000), vol. I, s. 137.
  86. ↑ Muzzle (2000), vol. I, s. 150-154.
  87. ↑ Muzzle (2000), vol. I, s. 141-143.
  88. ↑ Muzzle (1999), vol. II, s. 255-258.
  89. ↑ Muzzle (1999), vol. II, s. 293-295.
  90. ↑ Azcárate (1983), s. 24-28.
  91. ↑ Azcárate (1983), s. 30-45.
  92. ↑ Azcárate (1983), s. 64-88.
  93. ↑ Azcárate (1983), s. 95-130.
  94. ↑ Azcárate (1983), s. 187-337.
  95. ↑ Pérez Sánchez (1983), s. 347-409.
  96. ↑ Pérez Sánchez (1983), s. 479-651.
  97. ↑ Honour-Fleming (2002), s. 521-530.
  98. ↑ Honour-Fleming (2002), s. 530-536.
  99. ↑ Onians (2008), s. 134-135.
  100. ↑ Honour-Fleming (2002), s. 557-560.
  101. ↑ Onians (2008), s. 204-205.
  102. ↑ Onians (2008), s. 208-209.
  103. ↑ Ramírez Domínguez (1983), s. 663-702.
  104. ↑ Ramírez Domínguez (1983), s. 709-772.
  105. ↑ Ramírez Domínguez (1983), s. 873-902.
  106. ↑ Ramírez Domínguez (1983), s. 773-837.
  107. ^ Gonzalez (1991), s. 7-61.

Bibliografi

— (1989), Estetikkens historie II. Middelalderestetikk , Madrid: Akal, ISBN 84-7600-407-9  . — (1991), Estetikkens historie III. Moderne estetikk 1400-1700 , Madrid: Akal, ISBN  84-7600-669-1  . — (2002), History of six ideas , Madrid: Tecnos, ISBN  84-309-3911-3  .

Eksterne lenker