Performance (eller actionkunst) er en kunstnerisk disiplin skapt gjennom handlinger utført av kunstneren eller andre deltakere, som kan være live, dokumentert, spontan eller skrevet, presentert for et publikum innenfor en utstillingskontekst, tradisjonelt tverrfaglig . [ 1 ] Performance har utviklet seg gjennom årene som sin egen sjanger, hvis arbeid trenger tilstedeværelse og utførelse av kunstneren selv. Denne disiplinen spiller en viktig og grunnleggende rolle i avantgardekunsten gjennom det 20. århundre . [ 2 ] [ 3 ]
Tradisjonelt involverer det fire grunnleggende elementer: tid, rom, kroppen eller tilstedeværelsen av kunstneren i et medium, og forholdet mellom skaperen og publikum. Handlingene, vanligvis utført i kunstgallerier og museer, kan finne sted på gaten, i alle typer omgivelser eller rom og i enhver tidsperiode. [ 4 ] Målet deres er å generere en reaksjon, noen ganger ved hjelp av improvisasjon og en følelse av estetikk. Temaet er vanligvis knyttet til de vitale prosessene til kunstneren selv, til behovet for oppsigelse eller samfunnskritikk og med en ånd av transformasjon. [ 5 ]
Begrepet performance kommer fra det engelske uttrykket performance art , med betydningen live art; Selv om begrepene performance og performancekunst først ble mye brukt på 1970-tallet, går historien om performance i visuell kunst tilbake til futuristiske produksjoner og kabareter fra 1910. [ ]1[]6 performancekunst er artister som Carolee Schneemann , [ 7 ] Marina Abramovic , [ 8 ] Ana Mendieta , [ 9 ] Chris Burden , [ 10 ] Hermann Nitsch , Joseph Beuys , Nam June Paik eller Vito Acconci , og de største eksponentene i dag, artister som Tania Bruguera , Abel Azcona , Regina José Galindo , Tehching Hsieh , Marta Minujín eller Piotr Pavlenski . Disiplin er tydelig knyttet til det som skjer , Fluxus -bevegelsen , kroppskunst og generelt til konseptuell kunst . [ 11 ]
Performance er en kontroversiell kunstnerisk disiplin når det gjelder definisjon, historisk og pedagogisk kontekstualisering. En av ulempene oppstår fra den nøyaktige definisjonen av begrepet, et ord med angelsaksisk opprinnelse som i sin bokstavelige definisjon antar den motsatte ideen om hva ytelse er. I en bokstavelig oversettelse vil vi finne termer som ligner på performance eller representasjon , begge i strid med essensen av performancekunst, født fra en antagonistisk posisjon til scenekunsten , nesten kritisk. Derfor skal det ikke forstås bokstavelig, siden det bare grenser til det sceniske, i enkelte koder som publikum eller kroppen tilstede, og dette er ikke alltid tilfelle. [ 12 ]
Opprinnelsen til begrepet, i streng forstand, er knyttet til de postmodernistiske tradisjonene i vestlig kultur. I følge kritikere må opprinnelsen dateres til begynnelsen av det tjuende århundre , men bruken av begrepet brukes ikke før på midten av sekstitallet til syttitallet. Knyttet og avledet rundt konsepter for visuell kunst, med hensyn til dadaisme , situasjonistene , Fluxus , installasjonskunst og konseptuell kunst, hadde performancekunst en tendens til å i utgangspunktet definere seg selv som antitetisk til teater, og trosse de ortodokse kunstformene og kulturelle normene. For tiden hevder artister som Regina José Galindo , Abel Azcona eller Piotr Pavlenski det politiske og diskursive potensialet til ytelse, og utvikler den opprinnelige ideen rundt et bare forstyrrende visuelt bilde. Idealet til et performativt verk er å skape en flyktig og autentisk opplevelse for kunstneren og publikum i en begivenhet uten mulighet for repetisjon, fangst eller samling. [ 13 ] [ 14 ]
I flere tiår har prestasjoner klart å være udefinerbare, uklassifiserbare, umulige å akademisere eller institusjonalisere. Kunstneren som har behov for å definere det, bagatelliserer det. Dens radikale natur opprettholdes ved ikke å være huslig. Å ikke forstå ytelse fra ulydighet er å drepe den i knoppen. Abel Azcona , «Abel Azcona 1988-2018» . MoveYourLengua . Hentet 22. mai 2020 .Det er mange teoretikere som har koblet og frakoblet performancekunst fra scenekunst, og bekrefter at i forholdet til det sceniske, som en veldig nær kunst som forsterker prosessen, ville det være nærmere ideen om dramaturgi enn å det av teater representert. Performance skiller seg fullstendig fra den narrative, lineære eller formelle ideen som annen scenekunst besitter, og den har ikke til hensikt eller oppstår fra slutten av underholdning, snarere av brudd, avbrudd eller forvrengning.
Innenfor performance dukker kunstnere opp med en mer puristisk idé, om å knytte kun performance til kunst, langt fra noen idé om scenisk representasjon, og bringe den nærmere skulptur og installasjon, nesten som en unik og sublim flyktig opplevelse. Og andre kunstnere som omfavner mer den eksperimentelle ideen, der performance kan kommunisere og bli forurenset av mange flere disipliner, inkludert alle typer scenisk kunst, som dans eller teater. Normalt, i museer, gallerier og institusjoner, finnes vanligvis forestillinger med den mest puristiske ideen, og i mer hybride eller eksperimentelle rom, inkludert gaten, finner man vanligvis forestillinger forstått på en mer tverrfaglig måte.
I motsetning til teater, er utøveren kunstneren, skildrer sjelden en karakter som en skuespiller, og innholdet følger sjelden en tradisjonell handling eller fortelling. Forestillingen kan være en serie små gester eller en storstilt fortelling, som varer fra noen få minutter til mange timer; det kan fremføres én gang eller gjentas mange ganger, med eller uten forberedt manus, spontant improvisert eller øvd over mange måneder. (...) I sin natur slipper performance unna en eksakt eller enkel definisjon utover at det er levende kunst laget av kunstnere. Enhver strengere definisjon vil umiddelbart nekte muligheten for selve ytelsen. Siden han fritt trekker på en rekke disipliner og medier - litteratur, poesi, teater, musikk, dans, arkitektur og maleri, samt video, film, lysbilder og historiefortelling - bruker han dem i enhver kombinasjon. Faktisk har ingen annen form for kunstnerisk uttrykk en så ubegrenset manifestasjon, siden hver tolk lager sin egen definisjon i prosessen og måten å utføre på. RoseLee Goldberg , "Performance Art" [ 15 ]Alle definisjoner og tilnærminger til performance behandler det som en visuell og konseptuell opplevelse, der kunstneren ofte utfordrer publikum til å tenke på nye og ukonvensjonelle måter, bryte konvensjonene for tradisjonell kunst og transformere den definerende tradisjonelle og akademiske ideen. bare som en estetisk opplevelse. I løpet av tiårene dukket det opp bevegelser, ideer og diskurser innenfor ytelsesfeltet, slik som wienerforhandlerne og nydadaistene , som foretrekker å bruke begreper som "levende kunst", " handlingskunst ", "aksjonisme", " kunstnerisk intervensjon ". » eller «manøver» for å beskrive hans performative verk. Kroppskunst , Fluxus - bevegelsen , happeningen eller intermediakunst fremstår som spesifikke sjangere innenfor performancekunst .
Performance er en form for fri ytring som viste seg å være et alternativt kunstnerisk uttrykk. Disiplinen dukket opp i 1916 parallelt med den dadaistiske bevegelsen , under paraplyen og navnet konseptuell kunst , og var en bevegelse ledet av Tristan Tzara , en av pionerene i Dada -bevegelsen . Det har vært vestlig kulturs teoretikere som har lokalisert opprinnelsen til performancekunst på begynnelsen av 1900 -tallet , i de russiske konstruktivistene , futuristene og dadaistene . Dada var en viktig inspirasjon takket være langt fra konvensjonelle poetiske forestillinger, og futuristiske kunstnere , spesielt noen russiske fremtidsforskere , kunne identifiseres i initieringsprosessen til performance. [ 16 ] [ 17 ]
Cabaret VoltaireCabaret Voltaire ble grunnlagt i 1916 i Zürich (Sveits) av ekteparet Hugo Ball og Emmy Hennings . Det svarte på kunstneriske og politiske formål og var et sted hvor nye trender ble opplevd. Plassert i øverste etasje av et teater, hvis seriøse visninger ble hånet i showene deres, hadde verkene som ble fremført i kabareten en tydelig avantgarde og eksperimentell profil. Det var i de ti kvadratmeterne lokalene okkuperte der noen mener at Dadabevegelsen ble stiftet . [ 18 ] I tillegg pleide surrealistene , en trend som stammet direkte fra dadaismen , å bruke den som møteplass. Etter en kort eksistens, på bare seks måneder, ble det stengt sommeren 1916, der Dadaist-manifestet ble lest , og det inneholdt dadaistenes første handlinger og fremførelser , hybridpresentasjoner rundt poesi, plastisk kunst, musikk og repeterende handlinger, som i en global visjon dannet et konsept. De hadde også deltagelse av grunnleggere som Richard Huelsenbeck , Marcel Janco , Tristan Tzara og Sophie Taeuber-Arp og Jean Arp i ofte provoserende og skandaløse hendelser som var grunnleggende og grunnlaget for grunnlaget for den anarkiske kunstbevegelsen kjent som dadaismen . [ 19 ]
Dadaismen ble født med den klare intensjon om å ødelegge ethvert system eller kode som er etablert, til nå, i kunstens verden. [ 20 ] Det er en antikunstnerisk, anti-litterær og antipoetisk uttalelse som stiller spørsmål ved selve eksistensen av kunst, litteratur og poesi , som ikke bare er en måte å skape, men å leve på, en total ideologi. [ 21 ] Den posisjonerer seg mot evig skjønnhet, prinsippenes evighet, logiske lover og tankens ubevegelighet og klart mot det universelle. Det fremmer endring, spontanitet, umiddelbarhet, motsigelse, det tilfeldige, og til forsvar for kaos mot orden og ufullkommenhet mot perfeksjon, posisjoner som er felles for ideen om ytelse . De løfter frem provokasjonen, protestens antikunst og skandalen, gjennom uttrykksmidler, ofte ironiske eller satiriske. Det absurde eller verdiløse og kaos er hovedpersonene i hans handlinger som bryter med den tradisjonelle kunstneriske formen. [ 20 ] [ 21 ] [ 22 ] [ 23 ]
FuturismeFuturisme var en avantgardistisk kunstnerisk bevegelse som dukket opp i 1909, med opprinnelse som en litterær bevegelse, selv om de fleste av dens eksponenter var malere. I begynnelsen dekket det også feltet skulptur, fotografi, musikk og kino. Første verdenskrig satte en stopper for bevegelsen, selv om den i Italia varte til 1930-tallet.Et av landene der den hadde størst innflytelse var Russland. [ 24 ] Manifester som Manifesto of Futurist Sculpture and Futurist Architecture dukket opp i 1912 , og i 1913 Manifesto of Futurist Lust utviklet av Valentine de Saint-Point , en fransk danser, forfatter og kunstner. Dermed spredte futuristene sine teorier gjennom møter, samlinger og samtaler i offentlige rom, som nærmet seg ideen om en politisk konsentrasjon, poesi, varieteater som forutså ideen om forestilling. [ 24 ] [ 25 ] [ 26 ]
BauhausBauhaus , grunnlagt i Weimar i 1919, inkluderte et eksperimentelt sceneverksted for å utforske forholdet mellom kropp, rom, lyd og lys. Black Mountain College , grunnlagt i USA av instruktører fra det opprinnelige Bauhaus-i-eksilet, eksilert av nazipartiet, fortsatte å innlemme eksperimentelle ytelsesstudier innen visuell kunsttrening. Tjue år før hendelsene knyttet til forestillingens historie på sekstitallet. [ 27 ] Navnet Bauhaus stammer fra foreningen av de tyske ordene Bau, konstruksjon , og Haus, hus ; ironisk nok, til tross for navnet og det faktum at grunnleggeren var en arkitekt, hadde ikke Bauhaus en arkitekturavdeling i de første årene av sin eksistens. [ 28 ] [ 29 ]
Action maleriPå 1940- og 1950-tallet ga actionmalerteknikken eller bevegelsen kunstnere friheten til å tolke lerretet som et rom å handle i, og dermed gjøre maleriene til spor etter kunstnerens kreative prosess i atelieret hans. [ 30 ] I følge kunstkritikeren Harold Rosenberg var det en av de initierende bevegelsene for performance sammen med abstrakt ekspresjonisme . Den typiske actionmaleren er Jackson Pollock , som utfører mange av handlingene sine live. [ 31 ] Navn som Willem de Kooning og Franz Kline skiller seg ut , med abstrakte malerier og handling. [ 30 ] [ 32 ] [ 33 ]
Ny realismeNy realisme er en annen av de kunstneriske bevegelsene som ble sitert i begynnelsen av performancekunsten. Malerbevegelse grunnlagt i 1960 av kunstkritikeren Pierre Restany og maleren Yves Klein , under den første kollektive utstillingen på Apollinaire -galleriet i Milano . New Realism var, sammen med Fluxus og andre grupper, en av de mange avantgarde- trendene på 1960 -tallet . Pierre Restany skapte forskjellige forestillingsmontasjer på Tate Modern blant andre rom. [ 34 ] En av de største eksponentene for bevegelsen er Yves Klein , som er en klar forløper for fremføring med konseptuelle stykker som Zone de Sensibilité Picturale Immatérielle (1959-62), Anthropométries (1960), og verk som fotomontasjen Saut dans le vide . [ 35 ] [ 36 ] Alle verkene hennes er knyttet til performance ettersom de er skapt fra en live action, og verkene hennes malt fra kvinners kropper er kjent. Medlemmene av gruppen så på verden som et bilde, som de ville ta deler av og inkorporere dem i arbeidet sitt. De søkte å forene liv og kunst så mye som mulig. [ 37 ] [ 38 ] [ 39 ]
GutaiEn annen av de forventningsfulle bevegelsene til performance , hvis ikke eksplisitt formulert, var den japanske gruppen Gutai som laget actionkunst eller happenings . Han ble født i 1955 rundt Kansai -regionen ( Kyoto , Ōsaka , Kōbe ). Hovedmedlemmene var Jirō Yoshihara , Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto, Saburō Murakami, Katsuō Shiraga, Seichi Sato, Akira Ganayama og Atsuko Tanaka. [ 40 ] Gutai-gruppen ble født ut av prøvelsen under andre verdenskrig . De avviser kapitalistisk forbrukerisme , utfører ironiske handlinger , med en følelse av spenning, med en latent aggressivitet (knusing av gjenstander, handlinger med røyk). De påvirket grupper som Fluxus og artister som Joseph Beuys og Wolf Vostell . [ 40 ] [ 41 ] [ 42 ]
Land art og performancePå slutten av 1960-tallet skapte Land Art -kunstnere så forskjellige som Robert Smithson eller Dennis Oppenheim miljøverk som forutsier performancekunsten på 1970-tallet. Verker av konseptuelle kunstnere fra begynnelsen av 1980-tallet, som Sol LeWitt , som gjorde veggmaleri til en handling av performance , ble de påvirket av Yves Klein og også av Land Art-kunstnere. [ 43 ] [ 44 ] [ 45 ] Land art er en strøm av samtidskunst der landskapet og kunstverket er nært knyttet sammen. Den bruker naturen som materiale (tre, jord, steiner, sand, vind, steiner, ild, vann osv.) for å gripe inn i seg selv. Arbeidet som genereres er fra stedet der det blir intervenert, som noen ganger virker som en krysning mellom skulptur og arkitektur , andre en hybrid mellom skulptur og landskapsarkitektur der det spiller en stadig mer avgjørende rolle i samtidens offentlige rom. Ved å inkludere kunstnerens kropp i prosessen med å skape verket, er det knyttet til lignende koder i begynnelsen av forestillingen.
Portrett av Valentine de Saint-Point i skaperrommet hans
Intervenert cover av den russiske futuristen Olga Rozanova (1912)
Portrett av Willem de Kooning , maler av actionmaling i studioet hans
Installasjon av Gutai-gruppen, på Veneziabiennalen 2009
Installasjon av Dennis Oppenheim i Hessen , Tyskland
Land art verk av Robert Smithson
Portrett av Pierre Restany ved en av hans innvielser
Utgitt fra 1001 blå ballonger, "skulpturen aérostatique" av Yves Klein .
På sekstitallet, fra ideen om å utvikle den generelle ideen om kunst, med prinsipper som ligner de som har sin opprinnelse i Cabaret Voltaire eller i futurisme , ga en rekke nye verk, konsepter og et økende antall kunstnere opphav til nye typer av kunst. ytelse . Klart differensierte bevegelser dukket opp som wiener-aksjonisme , avantgarde- forestilling i New York , prosedyrekunst , utviklingen av Living Theatre eller happeningene , men fremfor alt konsolideringen av egennavnene som var forløpere for performance . [ 46 ]
wiensk aksjonismeBegrepet wieneraksjonisme ( Wiener Aktionismus ) omfatter en kontroversiell og kortvarig kunstbevegelse fra det 20. århundre husket for sine voldelige, groteske og visuelle verk. [ 47 ] Det er en del av den østerrikske avantgarden på 1960-tallet, for å bringe kunst til performancefeltet , og er relatert til Fluxus og Body Art . Blant dets ledende representanter er Günter Brus , Otto Muehl og Hermann Nitsch , som utførte de fleste av sine aksjonæraktiviteter mellom 1960 og 1971. I 1962 presenterte Hermann Nitsch sitt Theatre of Orgies and Mysteries (Orgien und Mysterien Theatre), en forløper for kunst performance , nær scenekunsten. [ 48 ] [ 49 ] [ 50 ]
New York og avantgarde-forestillingPå begynnelsen av 1960-tallet var New York City vertskap for mange bevegelser, begivenheter og interesse rundt performancekunst . Blant andre begynte Andy Warhol å lage filmer og videoer, [ 51 ] og på midten av 1960-tallet sponset han The Velvet Underground og arrangerte arrangementer og forestillinger i New York , som Exploding Plastic Inevitable (1966), som inneholdt live rockemusikk. , eksploderende lys og filmer. [ 52 ] [ 53 ] [ 54 ] [ 55 ]
The Living TheatreIndirekte innflytelsesrike for performancekunstens rike , spesielt i USA, var de nye teaterformene, legemliggjort av San Francisco Mime Troupe og The Living Theatre og vist på Off-Off Broadway-teatre i SoHO og på La MaMa i byen fra New York. The Living Theatre er et amerikansk teaterselskap , opprettet i 1947 i New York . Det er den eldste eksperimentelle teatergruppen i USA. [ 56 ] Gjennom historien ble den ledet av grunnleggerne, skuespillerinnen Judith Malina , som hadde studert teater med Erwin Piscator , som hun lærte teoriene til Brecht og Meyerhold , og maleren og poeten Julian Beck ; etter Becks død i 1985 ble selskapets medlem Hanon Reznikov meddirektør sammen med Malina. Som en av de eldste tilfeldige teater- eller levende teatergruppene i dag, fungerer den som en modell for resten. De unnfanget teatret nesten som en livsstil, og skuespillerne levde i fellesskap under libertære prinsipper . Det var et teaterkompani dedikert til transformasjonen av maktorganisasjonen i et autoritært og hierarkisk samfunn mot et samarbeidende uttrykksfellesskap. The Living Theatre turnerte hovedsakelig i Europa mellom 1963 og 1968, og i USA i 1968. Et skuespill fra denne epoken, Paradise Now , var preget av publikumsdeltakelse og en scene der skuespillerne resiterte en liste over sosiale tabuer, som inkluderte nakenhet , mens de kledde av seg. [ 57 ]
FluxFluxus, latinske ord som betyr flyt , er en kunstnerisk bevegelse innen visuell kunst, spesielt knyttet til musikk, litteratur og dans. Den hadde sitt mest aktive øyeblikk mellom 60- og 70-tallet av det 20. århundre . Den erklærte seg mot den tradisjonelle kunstgjenstanden som en vare og utropte seg selv til en sosiologisk kunstbevegelse. Fluxus ble uformelt organisert i 1962 av George Maciunas (1931-1978). Denne kunstneriske bevegelsen hadde uttrykk i USA , Europa og Japan . [ 58 ] Fluxus-bevegelsen, mer utviklet i Nord-Amerika og Europa under oppmuntring av John Cage , ser ikke på ideen om avantgarde som en språklig fornyelse, men har snarere til hensikt å gjøre en annen bruk av det offisielle. kunstkanaler som skiller seg fra et bestemt språk; det vil si at den søker tverrfaglighet og bruk av midler og materialer fra forskjellige felt. Språk er ikke målet, men midlet for en fornyet kunstforestilling, forstått som «total kunst». [ 59 ] I likhet med Dada slipper Fluxus unna ethvert forsøk på definisjon eller kategorisering. I følge Robert Filliou er det "fremfor alt en tilstand av ånden, en livsstil gjennomsyret av en suveren frihet til å tenke, uttrykke og velge. På en viss måte har Fluxus aldri eksistert, vi vet ikke når den ble født, derfor er det ingen grunn til at jeg ble ferdig». På samme måte motsetter Filliou Fluxus konseptuell kunst på grunn av dens direkte, umiddelbare og presserende referanse til hverdagens virkelighet, og snur forslaget til Duchamp , som startet med Ready-made , introduserte hverdagen i kunsten. Fluxus løser opp kunst i hverdagen, ofte med små handlinger eller forestillinger. [ 60 ]
John Cage var en amerikansk poet , kunstner og musiker . En pioner innen aleatorisk musikk , elektronisk musikk og ikke-standard bruk av musikkinstrumenter , Cage var en av ledende skikkelser i etterkrigstidens avantgarde . Kritikere har applaudert ham som en av de mest innflytelsesrike amerikanske komponistene og artistene i det 20. århundre. [ 61 ] [ 62 ] Han var medvirkende til utviklingen av ytelse innenfor fluxus -bevegelsen og moderne dans , hovedsakelig gjennom sin tilknytning til koreografen Merce Cunningham , som var hans romantiske partner i det meste av livet. [ 63 ]
ProsesskunstPå midten av 1960-tallet vokste det frem en kunstnerisk bevegelse som kalles process art (på engelsk, Process art ) , innenfor studiefeltet performance , hvor kunstobjektet ikke er hovedsenteret for oppmerksomhet. "Prosessen" i prosesskunst refererer til prosessen med kunstdannelse: søking, klassifisering, kompilering, assosiasjon og skapelse, så vel som andre konsepter knyttet til verket, slik som selve stykkets flyktighet, kritikken eller kontroversene til verket. det samme, forstått som en del av selve skapelsen. Prosesskunst er opptatt av selve «å gjøre»; kunst som performance. Prosesskunst har ofte en iboende, rasjonell og intensjonell motivasjon . Derfor blir kunst sett på som en kreativ reise eller prosess, snarere enn det ferdige produktet. [ 64 ] [ 65 ] [ 66 ]
SkjerEn happening lar artisten eksperimentere med kroppsbevegelser, innspilte lyder, skrevne og talte tekster, og til og med lukter. Allan Kaprow [ 67 ] hadde laget begrepet happening for å beskrive en ny form for kunst, på begynnelsen av 1960-tallet.Et av Kaprows tidligste verk var Happenings in the New York Scene , skrevet i 1961. [ 68 ] Spesielt i Allan Kaprows happenings publikum blir utøveren. Selv om tilhengende publikum har blitt ønsket velkommen som utøvere, blir de bare noen ganger og ofte utilsiktet en aktiv del av en forestilling. Andre artister som skapte happenings inkluderer Jim Dine , Claes Oldenburg , Robert Whitman og Wolf Vostell : Theatre is in the Street (Paris i 1958). [ 69 ] [ 70 ]
EgennavnVerkene til performancekunstnere etter 1968 ble ofte påvirket av den kulturelle og politiske situasjonen det året. Barbara T. Smith med Ritual Meal (1969) var i spissen for feministiske prestasjoner og kroppskunst på 1970-tallet, inkludert, men ikke begrenset til, Carolee Schneemann og Joan Jonas . Disse, sammen med Yoko Ono , Joseph Beuys , Nam June Paik , Wolf Vostell , Allan Kaprow , Vito Acconci , Chris Burden og Dennis Oppenheim var pionerene i forholdet mellom kroppskunst og performance , det samme var Zaj -kollektivet i Spania med Esther Ferrer eller Juan Hidalgo .
Barbara Smith er en amerikansk kunstner og aktivist . Hun er en av de største afroamerikanske eksponentene for feminisme og LHBT- aktivisme i USA . På begynnelsen av 1970-tallet var hun lærer, forfatter og talsmann for vanlig svart feminisme . [ 71 ] Han har undervist ved en rekke høyskoler og universiteter de siste fem årene. Smiths essays og artikler har dukket opp i en rekke prestisjetunge publikasjoner, inkludert The New York Times , The Guardian , The Village Voice og The Nation . [ 72 ] [ 73 ] [ 74 ]
Carolee Schneemann [ 75 ] var en amerikansk billedkunstner . Schneemanns verk er kjent for sine diskurser om kropp, seksualitet og kjønn. Med stykker som Meat Joy (1964) og Interior Scroll (1975).
[ 76 ] Schneemann betraktet kroppen hans som en av arbeidsflatene. [ 77 ] Hun beskrev seg selv som "en maler som har forlatt lerretet for å aktivere ekte rom og levd tid". [ 78 ]
Joan Jonas [ 79 ] er en amerikansk billedkunstner og en pioner innen video- og performancekunst . Det dukket opp på slutten av 1960-tallet og begynnelsen av 1970-tallet. [ 80 ] Jonas sine prosjekter og eksperimenter ga grunnlaget som mye av videoperformancekunsten ville være basert på. Han påvirket konseptuell kunst , teater , performancekunst og andre visuelle medier. Han bor og jobber i New York og Nova Scotia , Canada . [ 81 ] [ 82 ] Nedsenket i kunstscenen i New York på 1960-tallet, studerte Jonas med koreografen Trisha Brown i to år. [ 83 ] [ 84 ]
Yoko Ono var en del av avantgardebevegelsen på 1960 -tallet . Han var medlem av Fluxus -bevegelsen . [ 85 ] Hun er kjent for sine forestillinger på slutten av 1960 -tallet , verk som Cut Piece hvor publikum direkte kunne gripe inn i kroppen hennes til hun ble etterlatt naken. [ 86 ] Et annet av hans mest kjente stykker er hans Wall piece for orchestra (1962). [ 87 ] [ 88 ]
Joseph Beuys var en tysk kunstner som jobbet med ulike medier og teknikker som skulptur, performance, happening , video og installasjon og tilhørte fluxus -gruppen . I 1962 begynte han sine aktiviteter med Fluxus Neo -Dada-bevegelsen , hvorav han ble det mest betydningsfulle medlemmet. Hans største prestasjon var sosialiseringen han klarte å gjøre av kunst, og brakte den nærmere alle typer publikum. [ 89 ] I How to explain paintings to a dead hare 1965 satte han honning og bladgull på hodet og snakket om arbeidet sitt til en død hare i armene. I dette verket knytter han romlige og skulpturelle, språklige og lydmessige faktorer til kunstnerens skikkelse, til hans kroppsbevegelser, til hans bevissthet som en formidler som hadde et dyr som mottaker. [ 90 ] Beuys påtok seg rollen som sjaman med helbredende og frelsende kraft i samfunnet som han anså som dødt. [ 91 ] I 1974 utførte han handlingen I like America and America likes me der Beuys, en coyote og materialer som papir, filt og strå, utgjorde kjøretøyet for hans skapelse. Han bodde med coyoten i tre dager . Han stablet amerikanske aviser, et symbol på amerikansk kapitalisme. [ 92 ] Litt etter litt blir coyoten og Beuys vant til hverandre og til slutt klemmer Beuys coyoten. Beuys gjentar mange gjenstander brukt i andre verk. [ 93 ] Gjenstander som skiller seg fra Marcel Duchamps ready -mades , ikke på grunn av deres dårlige og flyktige natur, men fordi de er en del av livet til Beuys selv som "satte dem der" etter å ha bodd hos dem og forlatt sin merke på dem. Mange har et selvbiografisk forhold, som honningen eller fettet som ble brukt av tartarene som reddet ham under andre verdenskrig. I 1970 laget han også sin filtdrakt . I 1970 var Joseph Beuys professor i skulptur ved Kunstakademie Düsseldorf. [ 94 ] I 1979 stilte Guggenheim-museet i New York ut et retrospektiv av arbeidet hans fra 1940- til 1970-tallet .[ 95 ] [ 96 ] [ 97 ]
Portrett av Barbara Smith
Foredrag av Yoko Ono på Wienbiennalen, 2012
Portrett av Yoko Ono
Videostykke fra Brooklyn Museum med et intervju med Carolee Schneemann
Joan Jonas under en video dokumentert og installert ytelse, 1972
Portrett av kunstneren Joan Jonas
Portrett av Joseph Beuys på en konferanseforestilling, 1978
Joseph Beuys i et stykke videokunst
Nam June Paik var en sørkoreansk performancekunstner, komponist og videokunstner fra 1900-tallet . Han studerte musikk og kunsthistorie ved University of Tokyo . Senere, i 1956 , reiste han til Tyskland , hvor han studerte musikkteori i München , fortsatte i Köln og ved Freiburg-konservatoriet. Han møtte John Cage på et seminar på Darmstaat New Music Summer Courses , som påvirket arbeidet hans dypt. [ 98 ] Han deltok i en rekke Happening- og Fluxus- grupper . Han var klassekamerater med Yōko Ono , et medlem av Fluxus -bevegelsen . [ 99 ]
Wolf Vostell var en av de mest representative tyske kunstnerne fra andre halvdel av 1900-tallet, som arbeidet med ulike medier og teknikker som maleri , skulptur , installasjon , decollage , videokunst , happening og fluxus . [ 100 ]
Vito Acconci [ 101 ] [ 102 ] var en innflytelsesrik performance- , video- og installasjonskunstner, hvis hybridpraksis til slutt inkluderte skulptur, arkitektonisk design og landskapsmaling. Hans grunnleggende opptreden innen videokunst [ 103 ] var preget av dens "eksistensielle rastløshet", ekshibisjonisme, ubehag, overtredelse og provokasjon, [ 102 ] involverte ofte kryssing av grenser som den offentlig-private verden, den konsensuelle-ikke-konsensuelle og den virkelige kunstneriske verden. [ 104 ] [ 105 ] Hans arbeid anses å ha påvirket artister som Laurie Anderson , Bruce Nauman og Tracey Emin , blant andre. [ 104 ] Acconci var opprinnelig interessert i radikal poesi, men på slutten av 1960-tallet begynte han å lage innflytelsesrike situasjonistiske forestillinger på gaten eller for et lite publikum som utforsket kroppen og det offentlige rom. To av hans mest kjente stykker var "The Next Piece" (1969), der han valgte tilfeldige forbipasserende på gatene i New York City og fulgte dem så lenge han kunne, og "The Seedbed" (1972). som han onanerte mens besøkende, i en tilstøtende etasje i Sonnabend Gallery , nærmet seg og lyttet til lydene som ble sendt ut. [ 106 ]
Chris Burden var en amerikansk kunstner som jobbet med performance, skulptur og installasjon . Burden ble kjent på 1970-tallet for sin performancekunst, inkludert "Shoot" (1971), hvor han skapte et stykke der han ble skutt i armen av en frivillig med en liten kaliber rifle. Burden var en produktiv kunstner og skapte mange kjente installasjoner, offentlige kunstverk og skulpturer før hans død i 2015. [ 107 ] [ 108 ] [ 109 ] Burden begynte å jobbe med performancekunst på begynnelsen av 1970-tallet. kontroversielle verk der ideen om personlig fare som et kunstnerisk uttrykk sto sentralt. Hans første betydningsfulle verk, «Five Day Locker Piece» (1971), ble laget for masteroppgaven hans ved University of California, [ 107 ] og innebar å bli låst inne i et skap i fem dager. [ 110 ]
Dennis Oppenheim var en amerikansk kunstner som spesialiserte seg i performancekunst , landkunst , skulptur og fotografi . Dennis Oppenheims tidlige kunstpraksis er et epistemologisk spørsmål om kunstens natur, kunstens skapelse og definisjonen av kunst: en metakunst som dukket opp etter hvert som minimalistenes strategier utvidet til å fokusere på rom og kontekst. I tillegg til en estetisk agenda, har arbeidet hans utviklet seg fra oppfatninger av de fysiske egenskapene til gallerirommet til sosial og politisk kontekst, mye av det i form av permanent offentlig skulptur de siste to tiårene innenfor en svært produktiv karriere hvis mangfold irriterte kritikerne hans. . [ 112 ]
Yayoi Kusama er en japansk artist . Gjennom sin karriere har hun jobbet med et bredt spekter av medier, inkludert: maleri, collage, skulptur, performancekunst og installasjoner; de fleste viser hans tematiske interesse for psykedelia , repetisjon og mønstre. Kusama er en forløper for kunstbevegelsene Pop Art , Minimalism og Feminist og påvirket hennes samtidige, Andy Warhol og Claes Oldenburg . [ 113 ] Kusama er for tiden anerkjent som en av de viktigste kunstnerne som har kommet ut av Japan og en viktig stemme innen avantgardekunst. [ 114 ]
Zaj var et spansk avantgarde-forestillingskollektiv, opprettet i 1964 av Juan Hidalgo og Ramón Barce , og av italieneren Walter Marchetti . Dens svangerskap, i Milano, mellom 1959 og 1963, hadde en viktig innflytelse fra nydadaismen og zen, samt tanken på den amerikanske komponisten John Cage , som Juan Hidalgo og Walter Marchetti møtte i Darmstadt i 1958. Aktiviteten har også vært knyttet fra zaj til den internasjonale Fluxus -gruppen , med åpenbare paralleller og likheter. I 1967 ble artisten Esther Ferrer med i gruppen . Mellom 1967 og 1972 ble gruppen redusert; i fjor deltok han i Pamplona Encounters, hvoretter de bestemte seg for å utføre sine aktiviteter utenfor Spania, på grunn av presset og ulempene fra Franco-regimet. Siden det året var zaj igjen en gruppe begrenset til tre personer: Juan Hidalgo, Walter Marchetti og Esther Ferrer. Gruppen fortsatte sin eksistens og virksomhet til 1996, året da Reina Sofia-museet holdt en retrospektiv utstilling av produksjonen. [ 115 ]
Esther Ferrer er en spansk tverrfaglig kunstner med fokus på performance og regnes som en av de beste spanske artistene i sin generasjon. [ 116 ] I 2008 mottok han den nasjonale prisen for plastisk kunst fra Spania og i 2014 Velázquez-prisen for plastisk kunst tildelt av kulturdepartementet . [ 117 ]
Videoinstallasjonsforestilling av Nam June Paik i 2008
Video-installasjon-forestilling av Nam June Paik i Düsseldorf
Portrett av Wolf Vostell laget under en forestilling i Cáceres, 1980
Portrett av Allan Kaprow i 1973
Vito Acconci under en videoforestilling i 1973
Installasjon av Vito Acconci ved Luigi Pecci Contemporary Art Center
Installasjon av Dennis Oppenheim på Vancouver Sculpture Biennale
Den baskiske kunstneren Esther Ferrer under en forestilling i San Sebastián
På syttitallet utvikler kunstnerne som hadde drevet mot verk relatert til performance seg og kunstnere med performance som hoveddisiplin utvikles og konsolideres. Utledet mot installasjoner skapt gjennom performance, video-performance eller kollektive handlinger eller innenfor en sosio, historisk og politisk kontekst.
VideoytelsePå begynnelsen av syttitallet ble bruken av videoformatet konsolidert blant performancekunstnere. Så du kan finne utstillinger av Joan Jonas eller Vito Acconci bygget utelukkende fra video, utløst av tidligere performative prosesser. Flere bøker ble utgitt i dette tiåret, Expanded Cinema , av Gene Youngblood blant dem, om bruk av media og video og film, nærmere bestemt av performancekunstnere . En av hovedartistene innen bruk av video og performance, med sine velkjente audiovisuelle installasjoner, er den sørkoreanske kunstneren Nam June Paik , som på begynnelsen av sekstitallet allerede hadde vært en fluxus-spiller frem til han ble mediekunstner og utviklet seg til de store installasjonene sammensatt av audiovisuelle som det er anerkjent for. Arbeidet til Carolee Schneemann og Robert Whitman fra sekstitallet bør også tas i betraktning, når det gjelder deres forhold til video-performance. Begge var banebrytende for performancekunst , og ble en uavhengig kunstform på begynnelsen av 1970-tallet. [ 118 ]
Det britiske ekteparet Gilbert og George hadde allerede i 1970 dokumentert handlingene sine på video, og laget sin levende skulpturforestilling, malt i gull og syngende Underneath The Arches i lange perioder. Joan Jonas begynte å inkludere video i sine eksperimentelle forestillinger i 1972, mens Bruce Nauman iscenesatte forestillingene sine direkte for videoopptak. [ 119 ]
Bruce Nauman er en amerikansk multimediekunstner hvis skulpturer, videoer, grafikk og forestillinger har bidratt til å diversifisere og utvide kulturen siden 1960-tallet. Hans hjemsøkende kunstverk understreker kunstens konseptuelle natur og skapelsesprosessen. . [ 120 ] Hans prioritet er ideen og den kreative prosessen fremfor det endelige resultatet, kunsten hans tyr til bruken av en utrolig variasjon av materialer, og spesielt hans egen kropp. En av de mest innovative og provoserende amerikanske samtidskunstnerne . [ 121 ] [ 122 ]
Gilbert og George (eller Gilbert & George) er et par britiske kunstnere som består av den italienske kunstneren Gilbert Proesch og den engelske kunstneren George Passmore , som har utviklet sitt arbeid innen konseptuell kunst , performance og kroppskunst , hovedsakelig kjent for å fungere som «levende skulpturer». [ 123 ] [ 124 ] En av hans første produksjoner var The Singing Sculpture ( 1969 ), der artistparet danset og sang Underneath the Arches , en musikalsk suksess på 1930 -tallet . Siden den gang har de bygget opp et solid rykte som levende skulpturer, og har gjort seg til kunstverk som vises i ulik tid for offentlig visning. De fremstår vanligvis upåklagelig kledd i dress og slips, og inntar ulike stillinger der de forblir ubevegelige, selv om de noen ganger også beveger seg eller leser tekst, og noen ganger vises de i montasjer eller installasjoner av ulike slag. [ 125 ] I tillegg til deres "skulpturelle" fasett, lager Gilbert og George også billedverk, collager og fotomontasjer , hvor de ofte representerer seg selv, sammen med ulike elementer av deres nærmiljø, med referanser til urban kultur og en sterk protestkomponent, hvor de tar opp spørsmål som sex, rase, død og AIDS , religion eller politikk, [ 126 ] og kritiserer ofte den britiske regjeringen og den etablerte makten. Sånn sett har hans mest produktive og ambisiøse serie vært Jack Freak Pictures , hvor de røde, hvite og blå fargene til det britiske flagget har en konstant tilstedeværelse. Gilbert og George har stilt ut i noen av de beste museene og galleriene i verden, som Stedelijk van Abbemuseum i Eindhoven (1980), Hayward Gallery i London (1987), Tate Modern (2007), etc. De har deltatt ved flere anledninger i Kassel Documenta ( nr . 5 , 6 og 7), og i 2005 representerte de landet sitt på Venezia-biennalen . i 1986 var de vinnere av Turnerprisen . [ 127 ]
Ytelse fra politisk kontekstPå midten av 1970-tallet, bak jernteppet, i østeuropeiske hovedsteder som Budapest , Kraków , Beograd , Zagreb , Novi Sad og andre byer, blomstret scenekunst med et mer eksperimentelt innhold. Mot politisk og sosial kontroll dukket det opp ulike artister som fremførte forestillinger med kritisk innhold. For å fremheve serien med forestillinger av Orshi Drozdik , med tittelen Individual Mythology 1975/77 and the NudeModel 1976/77. Alle handlingene hans var kritiske til den patriarkalske kunstens diskurs og til frigjøringsprogrammet tvunget og konstruert av den like patriarkalske staten. [ 128 ] Drozdik viste et banebrytende og feministisk synspunkt på begge, og var en av forløperne til denne typen kritisk feministisk kunst i Øst-Europa. [ 129 ] På 1970-tallet hadde performancekunst , på grunn av sin relative flyktighet, en ganske sterk tilstedeværelse i avantgardene i østblokklandene , spesielt Polen og Jugoslavia , hvor dusinvis av kunstnere dukket opp og utforsket kroppen, alltid kritisk og konseptuelt.
UtholdenhetsprestasjonUtførelsen av motstand går inn i transe, smerte, ensomhet, frihetsberøvelse, isolasjon eller utmattelse. [ 130 ] Noen av verkene er basert på lang tid, også kjent som langtidsforestillinger. [ 131 ] En av forløperartistene er Chris Burden i California siden 1970. [ 132 ] I et av de mest kjente verkene Five Days in a Locker (1971) forble han innelåst i fem dager i et skoleskap, i Outbreak ( 1971) ble skutt med skytevåpen, og bodde i tjueto dager i en seng inne i et kunstgalleri i Piece of Bed (1972). [ 133 ] Et annet eksempel på en motstandskunstner er Tehching Hsieh. Under en forestilling laget i 1980–1981 ( The Clock Piece of Time ), hvor han brukte et helt år på å gjenta den samme handlingen rundt en metaforisk klokke, er Hsieh også kjent for sine forestillinger rundt frihetsberøvelsen, og holdt seg inne i mer enn et år . [ 134 ] I The House with the Ocean View (2003) levde Marina Abramović stille i tolv dager uten mat. [ 135 ] The Nine Confinements or The Deprivation of Liberty er et konseptuelt, motstands- og performativt verk med kritisk og biografisk innhold laget av kunstneren Abel Azcona . Sekvens av forestillinger gjort mellom 2013 og 2016 . Alle av dem med den felles koblingen frihetsberøvelse . I 2013 gjennomførte Azcona de første forestillingene under navnet Encierro en Busca de la Identidad . I den første innesperringen måtte kunstneren oppholde seg seksti dager, [ 136 ] i et rom bygget inne i et kunstgalleri i Madrid , med knappe matressurser og i totalt mørke. Innestengelsen ble avbrutt etter førtito dager [ 137 ] av helsemessige årsaker. [ 138 ] [ 139 ] Kunstneren skaper disse verkene som en refleksjon og diskursiv avbrytelse av sin egen psykiske lidelse, og er et av de tilbakevendende temaene i Azconas verk. [ 140 ]
Den andreI midten av 1976 grunnla Ulay og Marina Abramović kollektivet The Other i byen Amsterdam . Da Abramović og Ulay [ 141 ] begynte sitt samarbeid, var hovedkonseptene de utforsket ego og kunstnerisk identitet. Dette var begynnelsen på et tiår med samarbeid. [ 142 ] [ 143 ] Begge kunstnerne var interessert i tradisjonene i deres kulturelle arv og individets ønske om ritualer. [ 144 ] Følgelig bestemte de seg for å danne et kollektiv kalt The Other . De kledde seg og oppførte seg som én, og skapte et forhold med fullstendig tillit. De utviklet en serie verk der kroppene deres skapte flere rom for interaksjon med publikum. I Relation in Space løp de rundt i rommet, to kropper som to planeter, og blandet mannlige og kvinnelige energier til en tredje komponent de kalte " det selvet " . [ 145 ] Relationship in Movement ( 1976 ) fikk paret til å kjøre bilen sin inne i et museum i 365 runder, en svart væske som kom ut av bilen og dannet en slags skulptur, hvor hver runde representerte et år. [ 146 ] Etter dette utviklet de Death self , der begge slo sammen leppene og inhalerte luften som ble drevet ut av den andre til alt tilgjengelig oksygen var oppbrukt . Nøyaktig 17 minutter etter starten av forestillingen falt begge bevisstløse på gulvet, da lungene deres fylte seg med karbondioksid . Dette stykket utforsket ideen om individets evne til å absorbere livet til en annen person, endre og ødelegge det. I 1988 , etter flere år med anspent forhold, bestemte Abramović og Ulay seg for å dra på en åndelig reise som ville avslutte kollektivet. Begge skulle gå på den kinesiske mur , [ 147 ] som hver startet i hver sin ende og møtes i midten. Abramović unnfanget denne vandringen i en drøm, og den ga det som for henne var en passende og romantisk slutt på et forhold fylt med mystikk , energi og tiltrekning. [ 148 ] De gikk hver langs den ene enden av den kinesiske mur og møttes på midten. Ulay la ut fra Gobi-ørkenen og Abramovic fra Gulehavet . Hver av dem gikk 2500 kilometer, møttes i sentrum og tok farvel. [ 147 ]
EgennavnI 1973 fremførte Laurie Anderson Duets on Ice på gatene i New York. Marina Abramović , i forestillingen Rhythm 10 , inkluderte konseptuelt voldtekten av kroppen hennes. [ 149 ] Tretti år senere ville temaet voldtekt, skam og seksuell utnyttelse bli gjenskapt i samtidsverkene til kunstnere som Clifford Owens , [ 150 ] Gillian Walsh , Pat Oleszko og Rebecca Patek, blant andre. [ 151 ] Nye artister med radikale opptredener etablerer seg som hovedforløpere for performance, som Chris Burden , med verket Shoot fra 1971 , der en assistent skjøt ham i venstre arm fra en avstand på omtrent fem meter, og Vito Acconci i samme år med Seedbed . Carolee Schneemans verk fra 1963, Eye Body , hadde allerede blitt betraktet som en prototype av performancekunst . I 1975 vendte Schneemann seg til banebrytende soloforestillinger, som Interior Scroll , som viste frem kvinnekroppen som et kunstnerisk medium.
Et av hovednavnene var Gina Pane , [ 152 ] en fransk kunstner av italiensk opprinnelse. Han studerte ved École des Beaux-Arts i Paris fra 1960 til 1965 [ 153 ] og var medlem av performancebevegelsen på 1970-tallet i Frankrike, kalt «Art Corporel». [ 154 ] Parallelt med kunsten hans underviste Pane ved Ecole des Beaux-Arts i Mans fra 1975 til 1990 og ledet et performanceatelier ved Centre Pompidou fra 1978 til 1979. [ 154 ] En av hans mest anerkjente er The Conditioning (1973) ), der hun legges på en sengeramme av metall over et område med tente stearinlys. The Conditioning ble gjenskapt som en hyllest av Marina Abramović , en del av hennes Seven Easy Pieces (2005) på Solomon R. Guggenheim Museum i New York i 2005. Mye av arbeidet hennes har selvpåført smerte, noe som skiller henne fra de fleste verk. kvinnelige kroppskunstnere på 1970-tallet. Gjennom volden ved å kutte huden hennes med kniver eller slukke branner med bare hender og føtter, hadde Pane til hensikt å oppfordre til en "ekte opplevelse" hos betrakteren, som ville føle seg sjokkert over hans ubehag. [ 152 ] Den sjokkerende naturen til disse tidlige forestillingene, eller handlingene, som hun foretrakk å kalle dem, overskygget ofte hennes produktive fotografiske og skulpturelle praksis. Imidlertid var kroppen den sentrale bekymringen i alt Panes arbeid, enten det er bokstavelig eller konseptuelt.
Portrett av Ulay i 1972
Utstilling av tidlige verk av Marina Abramović i Stockholm
Installasjon av Bruce Nauman i Tyskland
Videoinstallasjon av Nam June Paik
Videoinstallasjon av Nam June Paik
Gilbert og George på en presentasjon
Orshi Drozdik i en av utstillingene hans
Fram til 1980-tallet hadde performancekunst avmystifisert virtuositet, som en av nøklene. Fra åttitallet begynte han imidlertid å ta i bruk en klar teknisk briljans. [ 155 ] Med henvisning til Philip Auslanders Presence and Resistance [ 156 ] skriver dansekritiker Sally Banes : "...på slutten av 1980-tallet hadde performancekunst blitt så kjent at den ikke trengte å bli definert; massekultur, spesielt fjernsyn, hadde kommet for å gi både strukturen og emnet for mye av performancekunsten; og en rekke performanceartister, inkludert Laurie Anderson , Spalding Gray, Eric Bogosian , Willem Dafoe og Ann Magnuson, hadde blitt mangefasetterte artister i underholdningsverdenen." [ 157 ] Det er i dette tiåret at noen parametere og teknikaliteter bygget for å foredle og perfeksjonere ytelsen er definert.
Prestasjonskritikk og forskningTil tross for at mange forestillinger finner sted innenfor kretsen til en liten gruppe eller lukket kollektiv i kunstverdenen, påpeker RoseLee Goldberg i Performance Art: From Futurism to the Present at «performance har vært en måte å direkte tiltrekke seg et allmennmenneske. , samt sjokkere publikum til å revurdere sine egne forestillinger om kunst og dens forhold til kultur. Tvert imot, offentlig interesse for mediet, spesielt på 1980-tallet, stammer fra et tilsynelatende ønske fra denne offentligheten om å få tilgang til kunstverdenen, å være en tilskuer av dets rituelle og distinkte fellesskap, og å bli overrasket over det uventede. presentasjoner, alltid uortodokse, som kunstnere lager». Det er i dette tiåret at publikasjoner og samlinger om performancekunst og dens mest anerkjente kunstnere dukker opp.
Ytelse fra politisk kontekstIgjen på åttitallet spiller den politiske konteksten en nøkkelrolle i kunstnerisk utvikling og mer spesifikt i performance, da nesten alle er verk som har vokst frem fra kritisk og politisk diskurs. Fram til nedgangen for den østeuropeiske blokken på slutten av 1980-tallet, hadde performancekunst blitt aktivt avvist av de fleste regjeringer. Med unntak av Polen og Jugoslavia , i andre østeuropeiske land, var det mer eller mindre forbudt eller svært kontrollert å være land hvor man fryktet enhver uavhengig offentlig begivenhet. I Den tyske demokratiske republikken , Tsjekkoslovakia , Ungarn og Latvia ble forestillinger holdt privat i leiligheter, ved tilsynelatende spontane sammenkomster, i kunstnerstudioer, på steder kontrollert av kirken, eller dekket som en annen aktivitet, for eksempel en fotoseanse. Isolert fra den vestlige konseptuelle konteksten ble det i forskjellige scenarier betraktet som en leken protest, ved å bruke kroppslige undergravende metaforer eller gjennom ord for å uttrykke uenighet med den politiske situasjonen. [ 158 ] Blant de mest bemerkelsesverdige politiske forestillingene i kunstverdenen i dette tiåret er Tehching Hsiehs verk mellom juli 1983 og juli 1984, Art/Life: One Year Performance (Rope Piece).
Poetisk forestillingI 1982 begynte begreper som poesi og performance å bli brukt sammen . Performance-poesi oppstår for å skille ordbaserte vokalprestasjoner fra kunstneriske forestillinger, spesielt fra verkene til utøvende eller musikalske utøvende artister, som Laurie Anderson . Performancepoeter stolte mer på det retoriske og filosofiske uttrykket for poetikken deres enn performancekunstnere , som dukket opp fra billedkunstgenrene maleri og skulptur. Mange artister fra John Cage til Esther Ferrer i Spania kombinerer ytelse med en poetisk base.
Feministisk ytelseFra 1973 hadde Feminist Studio Workshop i Woman's Building i Los Angeles innvirkning på bølgen av forestillinger med feministisk bakgrunn, men det var først på 1980-tallet at sammenslåingen var fullført. Sammenhengen mellom feminisme og prestasjoner , i det siste tiåret av det 20. århundre , har vært omfattende. I de to første tiårene av performanceutvikling ble det skapt verk som i nåværende lesninger og kritikere har blitt forstått som feministiske. Men fram til 1980 definerte kunstnerne seg selv på denne måten. Det ble dannet grupper av kunstnere der kvinner påvirket av både studentbevegelsen fra 1968 og feministbevegelsen skilte seg ut. [ 159 ] Denne sammenhengen har blitt behandlet i samtidskunsthistorisk forskning. Noen av kvinnene som bidro mest på en innovativ måte i forestillinger eller show var Pina Bausch , i 1985 dukket Guerrilla Girls opp i New York . [ 160 ] Anonymt kunstnerisk kollektiv av feministiske og antirasistiske kunstnere. [ 161 ] [ 162 ] [ 163 ] [ 164 ] Den ble så navngitt for å bruke geriljataktikk i sin aktivisme forstått som geriljakommunikasjon [ 161 ] for å fordømme diskriminering av kvinner i kunst gjennom verkspolitikk og fremføring . [ 165 ] [ 166 ] [ 167 ] [ 168 ] Hans første forestilling var å sette opp plakater og gjøre offentlige opptredener i museer og gallerier i New York, for å fordømme at noen grupper av mennesker ble diskriminert hovedsakelig på grunn av kjønn og rase.. [ 169 ] Alt dette gjorde de anonymt, faktisk i hver og en av disse opptredenene, de dekket ansiktene sine med gorillamasker (dette var fordi den engelske uttalen av gorilla er veldig lik gerilja) og i tillegg til det, de brukte navnet på kvinnelige kunstnere som allerede hadde dødd som et kallenavn. [ 170 ]
Fra 1970- til 1980-tallet, blant alternativene som utfordrer systemet og dets vanlige representasjonsstrategier, er de som viser kvinners kropper. Handlingene i byen New York av Ana Mendieta hvor kroppen krenkes og mishandles eller de kunstneriske representasjonene fra en mer minimalistisk diskurs som oppstår fra slutten av syttitallet og åttitallet til Louise Bourgeois . Spesiell omtale verk laget av den feminine og feministiske kroppsligheten til artister som Lynda Benglis og hennes falliske performative handlinger. Å rekonstruere det feminine bildet for ikke å være bare fragmentarisk eller fetisjistisk. Dermed blir kroppen gjennom feministiske forestillinger et rom for å forme alle disse nye diskursene og betydningene der kvinner når de mest ekstreme konsekvensene, som kunstneren Eleanor Antin, en skaper som på 70- og 80-tallet arbeidet i retning av gjennomgang av kjønn, rase og klasse. Cindy Sherman , i sine første verk på 70-tallet og allerede i sin kunstneriske modenhet på 80-tallet, fortsetter den kritiske linjen med å forstyrre det påtvungne selvet og den vanlige historien og gjøre det fra kroppen som et privilegiumobjekt.
Cindy Sherman er en amerikansk fotograf og kunstner. En av de største representantene for etterkrigsfotografi, hun stilte ut mer enn tre tiår av arbeidet sitt på MoMA i New York . Til tross for at hun selv dukker opp i de fleste av hennes performative fotografier, anser hun dem ikke for å være selvportretter. Sherman bruker seg selv som et redskap for å representere et bredt spekter av temaer fra samtiden, for eksempel rollen som kvinner eller rollen til kunstneren. Gjennom en rekke forskjellige verk har Sherman reist vanskelige og viktige spørsmål om kvinnens rolle og representasjon i samfunnet, media og kunstskapingens natur. I 2020 ble hun tildelt Wolf Foundation Prize for the Arts . [ 171 ]
Judy Chicago er en amerikansk feminist og pioner og kunstner i performancekunst . Chicago er kjent for sine store samarbeidende kunstinstallasjoner om bilder av fødsel og skapelse, som undersøker kvinners rolle i historie og kultur. På 1970-tallet hadde Chicago grunnlagt det første feministiske kunstprogrammet i USA. Chicagos arbeid inkorporerer en rekke kunstneriske ferdigheter, som å sy, motvekt med arbeidskrevende ferdigheter som sveising og pyroteknikk. Chicagos mest kjente verk er The Dinner Party , som er permanent installert ved Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art ved Brooklyn Museum . Middagsfesten feirer kvinners prestasjoner gjennom historien og er allment ansett som det første episke feministiske kunstverket. Andre bemerkelsesverdige kunstprosjekter i Chicago inkluderer International Honor Quilt , The Birth Project, [ 172 ] Powerplay , [ 173 ] og The Holocaust Project. [ 174 ]
Studenter ved Martha Rosler- utstillingen
The Guerrilla Girls på en åpning i London
Verk av 'Guerrilla Girls'-gruppen utstilt på Museum of Modern Art (MoMA) , Manhattan , New York
Geriljajenteutstilling _
Louise Bourgeois- installasjon i et brasiliansk museum
Skulptur av Louise Bourgeois i Reina Sofia-museet
Portrett av Judy Chicago
I dette tiåret spredte performancekunst seg til Latin-Amerika gjennom workshops som tilbys av universiteter eller programmer utviklet av akademiske institusjoner. Den ble hovedsakelig utviklet i Mexico, i Colombia — med artister som María Teresa Hincapié —, i Brasil og i Argentina. [ 175 ]
Ana Mendieta var en cubansk - født , amerikansk oppvokst konsept- og performancekunstner . Hun er spesielt anerkjent for sine kunstverk og performance innenfor rammen av land art . Mendietas arbeid var kjent fremfor alt innen feministisk kunstkritikk. År etter hennes død, spesielt siden et retrospektiv på Whitney Museum of American Art i 2004 [ 176 ] og retrospektivet på Haywart Gallery i London i 2013 [ 177 ] , regnes hun som en pioner innen ytelse og andre assosierte praksiser. kunst , land art , skulptur og fotografi. [ 161 ] Hun beskrev selv arbeidet sitt som jord-kroppskunst . [ 178 ] [ 179 ]
Tania Bruguera er en cubansk kunstner spesialisert i performance og politisk kunst. Hans arbeid fokuserer på hans tolkning av politiske og sosiale spørsmål. [ 180 ] For å definere sin kunstneriske praksis har han utviklet konsepter som «conduct art» med fokus på språkets grenser og kroppen konfrontert med reaksjonen og oppførselen til tilskuerne, han foreslår også en «nyttig kunst» som gjør en transformasjon som er reell for visse politiske og juridiske aspekter av samfunnet. Brugueras arbeid dreier seg om temaer som makt og kontroll, og mye av arbeidet hennes avhører den nåværende konteksten i hennes hjemland Cuba. I 2002 opprettet han Art of Conduct-stolen i Havana. [ 181 ] [ 182 ] [ 183 ]
Regina José Galindo er en guatemalansk artist spesialisert på performance . Hans arbeid er preget av dets eksplisitte politiske og kritiske innhold, ved å bruke sin egen kropp som et verktøy for konfrontasjon og sosial transformasjon. [ 184 ] Hennes kunstneriske karriere er preget av den væpnede konflikten i Guatemala som fant sted mellom 1960 og 1996 og som forårsaket et folkemord med mer enn 200 tusen ofre, mange av dem urfolk, bønder og kvinner og jenter. [ 175 ] Med sitt arbeid fordømmer Galindo vold, machismo (ett av hovedtemaene hennes er kvinnemord ), den vestlige skjønnhetskanonen , undertrykkelsen av stater og maktmisbruk, spesielt i konteksten av landet hennes, selv om språket krysser grenser. . Fra første øyeblikk brukte han bare kroppen sin, noe som noen ganger fører til ekstreme situasjoner (som i tilfellet "Hymenoplasty" (2004) hvor han gjennomgår en rekonstruksjon av jomfruhinnen , et stykke som vant Gullløven på Venezia-biennalen . , å senere ha frivillige eller innleide personer som samhandler med henne, som hun mister kontrollen over handlingen med. [ 185 ]
Teresa Margolles er en konseptuell artist spesialisert i performance. Hans kunstneriske arbeid fokuserer på å utforske de sosiale årsakene og konsekvensene av døden, og fordømmer volden som plager Mexico med sikte på å plassere voldssituasjonen i offentlig debatt. Fra 1990 til 2007 jobber han i likhusene. Fra og med økningen i drap i 2006, begynte han å jobbe i gatene for å samle inn materialene han jobbet med fra likene som ble funnet i offentlige rom. På den tiden utgjør døden en del av folks daglige liv og har direkte konsekvenser for familier, samfunnet og livet i byene. [ 186 ] [ 187 ] [ 188 ] [ 189 ]
Marta Minujín er en argentinsk plastisk kunstner , kjent for sine avantgardeverk produsert hovedsakelig på 1960- , 1970- og 1980 -tallet . Hans arbeid, av konseptuell , pop- , psykedelisk og action- karakter , faller innenfor babyboomer-generasjonen som på 1960-tallet revolusjonerte forhåndsetablerte sosiale normer og etablerte en motkultur . [ 190 ] [ 191 ]
Mónica Mayer er en meksikansk feministisk kunstner som jobber innen performance , digital grafikk , tegning , fotografi og kunstteori . [ 192 ] Som konseptuell kunstner , kurator , kritiker og kunstteoretiker deltar hun i ulike fora og grupper, og organiserer workshops og kollektive handlinger. [ 193 ] [ 194 ] [ 195 ] Mayer bruker hyppig performance som en kunstnerisk iscenesettelse, og av deltakende arbeid som en estetisk og politisk strategi. Han har også en bred todimensjonal produksjon gjennom hele karrieren som favoriserer tegne- og collageteknikker . [ 196 ] Ideen om å synliggjøre problemene som genereres i kvinners daglige liv har stor innvirkning på Mónicas arbeid, som ikke bare er en forløper for feministisk kunst i Mexico, men også i Latin-Amerika. [ 197 ]
Anna Maria Maiolino er en brasiliansk artist spesialisert i performance. [ 198 ] Maiolino ble født i Scalea , i Calabria i Sør - Italia , av en italiensk far og en ecuadoriansk mor. I 1954 emigrerte han med familien til Venezuela . [ 199 ] [ 200 ] I 1960 flyttet Ella og familien hennes til Rio de Janeiro , Brasil. Der fikk hun spesialisert opplæring ved National School of Fine Arts [ 175 ] siden den gang er hun en av de mest anerkjente performancekunstnerne i Brasil.
Lygia Clark var en brasiliansk kunstner , medgründer av Neoconcrete Movement, forpliktet til å redefinere forholdet mellom kunst og mennesker på et konseptuelt og sensorisk nivå. Han laget malerier , skulpturer og sansehandlinger knyttet til kunst og psykoterapi . Nært knyttet til performancekunst. [ 201 ] [ 202 ] [ 203 ]
Lorena Wolffer er en meksikansk kunstner og kulturaktivist . [ 204 ] [ 205 ] Gjennom hele karrieren har hun implementert og utviklet kjønnsspørsmål, spesielt kvinners rettigheter og stemme i kunsten. Arbeidet hennes er generelt en fordømmelse og en utstilling for å øke bevisstheten om den virkelige situasjonen, og det er derfor hun tar opp kjønnsvold, kvinnelige stereotyper og sosiale fordommer. [ 206 ] [ 207 ]
Portrett av den cubanske kunstneren Ana Mendieta
Utstilling av den cubanske kunstneren Ana Mendieta på Museu Coleção Berardo
Portrett av den cubanske kunstneren Tania Bruguera
Portrett av den guatemalanske kunstneren Regina José Galindo
Portrett av den argentinske kunstneren Marta Minujín
Den argentinske artisten Marta Minujín under en forestilling
Installasjon av Marta Minujín
Portrett av den meksikanske kunstneren Mónica Mayer
Reaktivering av arbeidet til Mónica Mayer ved University Museum of Mexico City
Portrett av den brasilianske kunstneren Lygia Clark
Portrett av den meksikanske kunstneren Lorena Wolffer
Nittitallet er en fraværstid i klassisk europeisk performance, så mange kunstnere som spesialiserer seg på denne kunsten forblir i en lav profil, selv om den blomstrer i Øst-Europa. På den annen side fortsetter latinamerikanske prestasjoner å være på vei oppover, samt prestasjoner med et feministisk innhold. For å ta hensyn til disiplinens store storhetstid i asiatiske land, allerede motivert fra Butō- dansens opprinnelse på femtitallet, men i dette tiåret profesjonaliseres og dukker nye kinesiske artister opp med stor anerkjennelse. Profesjonalisering observeres også med en stor økning i utstillinger dedikert til performance og åpningen av Venezias kunstbiennale for performance, hvor siden den gang flere kunstnere i denne disiplinen har vunnet Den gyldne løve, som Anne Imhof, Regina José Galindo eller Santiago Sierra .
Ytelse fra politisk kontekstEtter hvert som den sovjetiske blokken ble oppløst, begynte noen forbudte forestillinger å spre seg. Unge kunstnere fra hele den tidligere østblokken, inkludert Russland, vendte seg til performancekunst . Scenekunsten dukket opp mer eller mindre samtidig og ble styrket i Cuba , Karibia og Kina. «I disse sammenhengene ble performancekunst en ny kritisk stemme med en sosial kraft som ligner på Vest-Europa , USA og Sør-Amerika på 1960- og begynnelsen av 1970-tallet. Det må understrekes at utbruddet av performancekunst på 1990-tallet i Øst-Europa, Kina, Sør-Afrika, Cuba og andre steder aldri bør betraktes som sekundært eller imiterende av Vesten. [ 208 ]
Profesjonalisering av ytelseI den vestlige verden, på 1990-tallet, ble performancekunst en del av mainstream-kulturen. Dermed begynner ulike performanceverk, live, i fotografi eller gjennom dokumentasjon, å bli en del av gallerier og museer, forstå performance som en kunstnerisk form, bli tatt opp på kunstmuseer og bli et museumstema. [ 209 ] Det var imidlertid ikke før det påfølgende tiåret at større institusjonalisering fant sted, innlemmet performative stykker i alle museumssamlinger og til og med dedikert store utstillinger og retrospektiver i de viktigste museene som Tate Modern i London , MoMA i New York . eller Pompidou-senteret i Paris . Fra 1990 var det en markant økning i antall prestasjonsrelaterte kunstnere invitert til viktige kunstbiennaler, som Venezia-biennalen , Sao Paulo -biennalen og Lyon-biennalen .
Ytelse i KinaPå slutten av 1990-tallet ble viktigheten av kinesisk samtids- og performancekunst anerkjent internasjonalt, med 19 kinesiske kunstnere som ble inkludert i Venezia-biennalen . [ 210 ] [ 211 ] Performancekunst i Kina og dets historie har vokst siden 1970 på grunn av interessen mellom kunst, prosess og tradisjon i kinesisk kultur, men den har vært kjent og blomstret siden 90-tallet . [ 212 ] [ 213 ] I Kina er det en del av kunstutdanning og blir mer og mer populært. [ 212 ] [ 214 ] På begynnelsen av 1990-tallet var kinesisk performancekunst allerede hyllet på den internasjonale kunstscenen. [ 215 ] [ 212 ] [ 216 ]
Opptreden på Lyon Biennalen
Opptreden på Lyon Biennalen
Opptreden ved inngangen til den rumenske paviljongen på Veneziabiennalen
Performativ installasjon av Joseph Beuys ved Tate Modern i London
Videoinstallasjon med den kinesiske kunstneren Ai Weiwei
Tehching Hsieh-utstilling i sentrum av New York
Kina-paviljongen på Venezia-biennalen
Portrett av Wang Xiao-shuai
Liu Xiaodong under en forestilling
På slutten av 1990-tallet og inn på 2000-tallet inkorporerte forskjellige kunstnere teknologier som digital video, nett , webkameraer , sosiale medier og andre digitale overføringsmedier i sine performancekunstverk . [ 217 ] Artister som Coco Fusco , Shu Lea Cheang og Prema Murthy , produserte forestillinger som trakk oppmerksomheten til rollen som kjønn, rase, kolonialisme og kroppen i forhold til internett. [ 218 ] Andre kunstnere, som Critical Art Ensemble , Electronic Disturbance Theatre og Yes Men , brukte digitale teknologier assosiert med hacktivisme og intervensjonisme for å reise politiske spørsmål angående nye former for kapitalisme og forbrukerisme. [ 219 ]
I andre halvdel av tiåret begynte datamaskinassisterte ytelsesverk å utvikle seg. [ 220 ] Mange av disse verkene førte til utviklingen av algoritmisk kunst , generativ kunst og robotkunst, der selve datamaskinen, eller en datastyrt robot, blir utøveren. [ 221 ]
Coco Fusco er en cubansk-amerikansk tverrfaglig kunstner, forfatter og kurator som bor og arbeider i USA. Hun begynte sin kunstneriske karriere i 1988. Innenfor sitt arbeid utforsker hun problemstillinger knyttet til identitet, rase, kjønn og makt gjennom performance. Han lager også videoer, interaktive installasjoner og kritisk skriving. [ 222 ] [ 223 ]
Radikal ytelseI løpet av det første og andre tiåret av 2000-tallet ble flere kunstnere forfulgt, tiltalt, arrestert eller fengslet for sine verk med politisk innhold. Artister som Pussy Riot , Tania Bruguera , Piotr Pavlenski eller Abel Azcona blir dømt for ulike kunstneriske handlinger skapt ut fra intensjonen om å fordømme og synliggjøre. [ 224 ]
Den 21. februar 2012, som en del av deres protest mot gjenvalget av Vladimir Putin , gikk flere kvinner fra kunstkollektivet Pussy Riot inn i den russisk-ortodokse kirkes Moskva-katedralen Kristus Frelseren . De laget korsets tegn, bøyde seg for alteret og begynte å fremføre en forestilling bestående av en sang og en dans under mottoet Guds mor, Ut med Putin! . 3. mars samme år ble de arrestert. [ 225 ] Den 3. mars 2012 ble Maria Alyokhina og Nadezhda Tolokonnikova , to medlemmer av Pussy Riot, arrestert av russiske myndigheter og siktet for hooliganisme . Til å begynne med nektet begge å være medlemmer av gruppen og begynte en sultestreik i protest mot å bli fengslet og separert fra barna frem til rettssaken startet i april. [ 226 ] Den 16. mars ble en annen kvinne, Yekaterina Samutsévitch, som tidligere hadde blitt avhørt som vitne i saken, også arrestert og siktet. [ 227 ] Den 4. juli ble det reist formelle siktelser og en 2800-siders tiltale mot gruppen. [ 228 ] Samme dag fikk de beskjed om at de hadde frist til 9. juli på seg til å forberede sitt forsvar. Som svar kunngjorde de en sultestreik, og hevdet at to virkedager var en upassende periode for å forberede forsvaret. [ 229 ] Den 21. juli forlenget retten hans forebyggende forvaring med ytterligere seks måneder. [ 230 ] De tre arresterte medlemmene av Pussy Riot er anerkjent som politiske fanger av Union of Solidarity with Political Prisoners. [ 231 ] Amnesty International anser dem som samvittighetsfanger for «alvorligheten i reaksjonen fra russiske myndigheter». [ 232 ]
Siden 2012 har kunstneren Abel Azcona vært forfulgt for flere av verkene sine. Kravet og arrestasjonen av kunstneren med den største ettervirkningen ble utført av erkebispedømmet Pamplona og Tudela , [ 233 ] på vegne av den katolske kirke . [ 234 ] Den katolske kirke saksøkte Azcona for domstolen for vanhelligelse og blasfemi, forbrytelsen av hat og angrep mot frihet og religiøse følelser for verket Amen eller La Pederastia [ 235 ] [ 234 ] [ 236 ] De tre første søksmålene ble vunnet av Azcona, med søksmålene anlagt, [ 237 ] [ 238 ] men han ble saksøkt og tiltalt ved en rekke andre anledninger i ti år. I de siste rettssakene til den katolske kirken bestemte Azcona seg for å erklære seg i ulydighet, [ 239 ] og klagerne inkluderte forbrytelsen å hindre rettferdighet i sine klager. [ 240 ] [ 241 ] [ 242 ] [ 243 ] [ 244 ] I 2016 ble Azcona fordømt for å glorifisere terrorisme [ 245 ] [ 246 ] innenfor rammen av hans Still Life 7-utstilling ] der [ 24 ] kunstneren gjenskapt i form av skulpturer , performance og hyperrealistiske installasjoner virkelige og historiske voldssituasjoner om ulike temaer, historisk minne , terrorisme eller krigskonflikter . [ 248 ] To år senere, i 2018, ble han fordømt av Francisco Franco Foundation for å ha stilt ut en installasjon bestående av tolv dokumenter som dannet en detonasjonsrapport , signert av en arkitekt , av Valle de los Caídos- monumentet . Han blir også kritisert av staten Israel for verket La Shame , der kunstneren installerte fragmenter av Berlinmuren langs Vestbreddsmuren , i en kritisk performativ installasjon. Samme år representerte han Spania på den asiatiske kunstbiennalen i Dhaka , hovedstaden i Bangladesh . Azcona installerte trestoler i paviljongen med hjemløse barn fra gatene i Dhaka . Opptredenen hans ble avbrutt og kansellert på forhånd på grunn av protester fra organisasjonen og deltakerne, i motsetning til bildet som Azcona- paviljongen projiserte på biennalen og landet .
I desember 2014 ble Tania Bruguera arrestert i Havanna for å hindre henne i å utføre nye protestarbeider. Opptredenene hennes har gitt henne hard kritikk, hun har til og med blitt anklaget for å fremme motstand og offentlig uorden. [ 249 ] [ 250 ] I desember 2015 og januar 2016 ble Bruguera arrestert for å ha organisert en offentlig forestilling på Plaza de la Revolución i Havana. Hun ble arrestert sammen med andre cubanske kunstnere, aktivister og journalister som deltok i I Also Demand -kampanjen , som ble opprettet etter erklæringene fra Raúl Castro og Barack Obama til fordel for å gjenopprette diplomatiske forbindelser. Under forestillingen El Susurro de Tatlin #6 plasserte han en mikrofon og høyttalere på Plaza de la Revolución slik at cubanerne kunne uttrykke sine følelser angående dette nye politiske klimaet. Arrangementet fikk store ringvirkninger i internasjonale medier, inkludert en presentasjon av Tatlins Whisper #6 på Times Square , og en aksjon der flere artister og intellektuelle uttrykte seg for Brugueras løslatelse ved å sende et åpent brev til Raúl Castro signert av tusenvis av mennesker rundt om i verden ber om å få passet hennes tilbake og hevdet kriminell urettferdighet, siden hun rett og slett ga folk en mikrofon for å si sin mening. [ 251 ] [ 252 ] [ 253 ] [ 183 ] [ 254 ]
I november 2015 og oktober 2017 ble Piotr Pavlenski arrestert for å ha utført en radikal forestilling som besto av å sette fyr på, for det første, inngangen til Lubyanka -bygningen , hovedkvarteret til den russiske føderale sikkerhetstjenesten , og for det andre en filial av Frankrikes nasjonalbank. ... [ 255 ] Ved begge anledninger overfylte han ytterdøren med bensin, i den andre forestillingen også interiøret, og satte fyr på den med en lighter. Dørene til bygningen ble delvis brent. I begge aksjonene ble Pavlenski senere arrestert uten motstand, og siktet for utskeielser. Noen timer etter aksjonene dukket det opp videoer på internett med en kunstnerisk og politisk påstand. [ 256 ]
Institusjonalisering av performancekunstSiden 2000-tallet har store museer, institusjoner og samlinger vært engasjert i performancekunst . Siden januar 2003 har Londons Tate Modern hatt et kunst- og performanceprogram . [ 257 ] Med utstillinger av kunstnere som Tania Bruguera eller Anne Imhof. [ 258 ] I 2012 åpnet The Tanks at Tate Modern: de første rommene dedikert til performance , film og installasjon i et stort museum for moderne og samtidskunst.
Museum of Modern Art i New York holdt et stort retrospektiv av arbeidet til den serbiske kunstneren Marina Abramović , den største performancekunstutstillingen i MoMAs historie, fra 14. mars til 31. mai 2010. [ 259 ] [ 260 ] Utstillingen besto av flere enn tjue stykker av kunstneren, utviklet for det meste mellom 1960 og 1980. Mange av verkene ble reaktivert av andre unge kunstnere av flere nasjonaliteter valgt ut til showet. [ 261 ] Parallelt med utstillingen fremførte Abramović verket The Artist is Present på engelsk , et statisk og stille stykke på 736 timer og 30 minutter, der kroppen hans ble sittende og ubevegelig i museets atrium, og inviterte seerne til å sitte i foran henne. [ 262 ] Verket er en oppdatert reproduksjon av et av stykkene fra 1970, vist i utstillingen, der Abramović satt i hele dager ved siden av den som på det tidspunktet var hennes sentimentale partner, Ulay . Forestillingen tiltrakk seg kjente fjes som Björk , Orlando Bloom og James Franco [ 263 ] som deltok i den og fikk stor mediedekning. [ 264 ]
I 2014 dedikerte Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá en av de største retrospektive utstillingene dedikert til performancekunst i Latin-Amerika til kunstneren Abel Azcona . [ 265 ] [ 266 ] Museet for moderne kunst i Bogotá dedikerte også utstillinger basert på ytelse til Azcona selv, til den colombianske kunstneren María José Arjona, eller til den meksikanske kunstneren Teresa Margolles . [ 267 ] [ 268 ]
Verk av Doris Salcedo ved Tate Modern i London
Marina Abramović under sin syv forestilling i Seven Easy Pieces (2005), på Solomon R. Guggenheim-museet
Luftfoto av forestillingen Kunstneren er til stede på Museum of Modern Art i New York
Arbeid Foreldrene i den retrospektive utstillingen dedikert til kunstneren ved Museum of Contemporary Art i Bogotá
Marina Abramovićs arbeid gjengitt for retrospektiv i Bologna , Italia
Hermann Nitsch opptrer i sitt homonyme museum (2009)
Opptreden av Bryan Zanisnik, kalt When I Was a Child I Caught a Fleeting Glimpse , 2009
Utstilling dedikert til Yoko Ono på Quito Metropolitan Cultural Center (2018)
I 2014 ble Carry That Weight -forestillingen født , også kjent som "madrassytelsen". Det er et verk skapt av kunstneren Emma Sulkowicz under sin avsluttende avhandling for sin visuelle kunstgrad ved Columbia University i New York City . I september 2014 begynte stykket med at Sulkowicz bar sin egen madrass rundt på Columbia University -campus . [ 269 ] Verket er skapt av kunstneren for å fordømme sin egen voldtekt på den samme madrassen år før, på hennes eget soverom. Situasjon som ble fordømt, men som ikke ble hørt av rettssystemet eller av universitetet. [ 270 ] Så Sulkowicz bar madrassen med seg gjennom semesteret, uten noen gang å skille seg, frem til eksamensseremonien i mai 2015. Arbeidet skapte stor kontrovers, men ble støttet av mange jevnaldrende og aktivister som de fulgte Sulkowicz som bar madrassen ved mange anledninger , gjør verket til et internasjonalt krav. Kunstkritiker Jerry Saltz betraktet verket som et av de viktigste i 2014.
I november 2018 , gjennom en konferanse og en liveopptreden av kunstneren Abel Azcona ved Museum of Contemporary Art i Bogotá , startet verket Spania ber deg om tilgivelse med kritisk og antikolonialt innhold . [ 271 ] [ 272 ] I den første handlingen leste Azcona en tekst på nittito sider i mer enn fire timer, i lesingen ble sitatet Spania ber deg om tilgivelse gjentatt kontinuerlig. To måneder senere ble Azcona invitert til å presentere sitt arbeid i Mexico City på Mexico City Museum hvor et lerret med samme bønn ble installert. [ 273 ] [ 274 ] [ 275 ] Bare noen dager senere holdt Mexicos president Andrés Manuel López Obrador en pressekonferanse hvor han offentlig krevde en benådning fra Spania. [ 276 ] [ 277 ] [ 278 ] Fra da og frem til midten av 2020 har verket blitt stilt ut i ulike former og har rukket å bli en kollektiv bevegelse. [ 279 ] I mai 2020 malte Bogotá Museum of Contemporary Art fasaden med installasjonen av det samme mottoet Spania ber deg om tilgivelse i to måneder i sentrum av byen Bogotá . [ 280 ] Andre byer som Havana , Cuba ; [ 281 ] Lima , Peru ; Caracas , Venezuela ; Panama City , Panama ; Tegucigalpa , Honduras eller Quito , Ecuador har vært hovedpersonene i verket, gjennom maleriinstallasjoner, lerreter, plakater eller demonstrasjoner og kollektive handlinger som fortsetter arbeidet som en kollektiv protest. [ 282 ]
I 2019 ble Un violador en tu camino født , en kollektiv protestforestilling skapt av et feministisk kollektiv fra Valparaíso ( Chile ), kalt Lastesis, med sikte på å demonstrere mot brudd på kvinners rettigheter i sammenheng med protestene som utførte i den land i løpet av 2019. [ 283 ] [ 284 ] [ 285 ] Den ble fremført for første gang foran den andre politistasjonen i Carabineros de Chile i Valparaíso 18. november 2019. [ 286 ] En andre forestilling var utført av 2000 chilenske kvinner 25. november 2019 som en del av den internasjonale dagen for avskaffelse av vold mot kvinner ble tatt opp på video og viralisert på sosiale nettverk. [ 287 ] Dens rekkevidde ble verdensomspennende [ 288 ] [ 289 ] etter at feministiske bevegelser i dusinvis av land tok i bruk og oversatte forestillingen for å følge deres protester og rettferdiggjøre lokale krav om opphør og straff for blant annet kvinnemord og seksuell vold . [ 290 ]
Ledsagere av Sulkowicz og kunstneren selv som bærer madrassen frem til eksamen som en form for klage
Emma Sulkowicz med sine ytelsesinstruksjoner ved Columbia University
En del av Sulkowiczs opptreden, en av handlingene kalt "La oss bære vekten sammen"
Portrett av Sulkowicz i en av forestillingene til verket
Meksikansk tolkning av "A rapist in your path" i Oaxaca 27. november 2019
Peruansk tolkning av Un violador en tu camino i Lima 2. desember 2019
"En voldtektsmann på din vei" ble presentert i sammenheng med 2019-protestene i Chile
En jente griper inn under forestillingen En voldtektsmann på din vei
CRUZ SANCHEZ, Pedro ALberto (2021). Kunst og performance. En historie fra avantgarden til i dag . Madrid: Akal.