En tegneserie eller tegneserie [ 1 ] er en rekke tegninger som utgjør en historie , med eller uten tekst, [ 2 ] [ 3 ] så vel som serien av dem som omhandler den samme historien eller det samme konseptet, og også de tilsvarende kommunikasjonsmidlene som helhet. [ 4 ]
Ved å bygge på Will Eisners oppfatning av denne grafiske fortellingen som sekvensiell kunst , kommer Scott McCloud frem til følgende definisjon: "Sammensatte illustrasjoner og andre bilder i bevisst sekvens med det formål å formidle informasjon eller fremkalle en estetisk respons fra leseren." [ 5 ] Imidlertid er ikke alle teoretikere enige i denne definisjonen, den mest populære i dag, siden den tillater inkludering av fotonovela [ 6 ] og i stedet ignorerer den såkalte grafiske humoren . [ 7 ]
Interessen for tegneserier «kan ha svært varierte motivasjoner, fra estetisk til sosiologisk interesse, fra nostalgi til opportunisme». [ 8 ] I en god del av historien ble den til og med betraktet som et kulturelt biprodukt, [ 9 ] neppe verdig noen annen analyse enn den sosiologiske, før på 1960-tallet ble dens kunstneriske rettferdiggjørelse bevitnet, på en slik måte at Morris [ 10 ] og senere Francis Lacassin [ 11 ] har foreslått å betrakte den som den niende kunsten , selv om den i virkeligheten er forut for de disiplinene som de åttende ( fotografi , fra 1825) og syvende ( kino ) forhold vanligvis tilskrives . fra 1886). Sikkert, dette siste mediet og litteraturen er de som har påvirket henne mest, men vi må heller ikke glemme at "hennes spesielle estetikk har kommet ut av tegneserier for å nå reklame , design , mote og, la oss ikke si, kino." . [ 12 ]
Tegneserier er vanligvis laget på papir eller i digital form ( e-tegneserier , nettserier og lignende), og kan utgjøre en enkel stripe i pressen , en helside, et magasin eller en bok ( album , grafisk roman eller tankōbon ). De har blitt dyrket i nesten alle land og dekker en rekke sjangre . Den profesjonelle eller amatøren som skriver manus, tegner, merker eller farger dem, er kjent som en tegneserieskaper . [ 13 ]
I spansktalende land brukes forskjellige autoktone termer, for eksempel aper [ 14 ] [ 15 ] og dens variant av små aper (tidligere mye brukt i Mexico ), og fremfor alt tegneserier , som kommer fra Latin-Amerika [ 16 ] og er de mer utvidede. [ 17 ] Noen spansktalende land opprettholder også sine egne lokale kirkesamfunn: små dukker på Cuba, [ 18 ] og tegneserier i Spania. I Venezuela kalles de også comiquitas i forlengelsen. I Peru kalles det en spøk . Rundt 1970-tallet begynte begrepet med angelsaksisk opprinnelse tegneserie [ 19 ] å råde i den spansktalende verden (skrevet i dag på spansk under formen "comic" [ 20 ] men kommer, gjennom engelsk, fra det greske Κωμικός, kōmikos , 'av eller knyttet til komedie ' [ 21 ] ) som skyldes den antatte komikken til de tidlige tegneseriene. [ 22 ] På engelsk ble også begrepene funnies (det vil si funny) [ 23 ] og tegneserie (på grunn av typen grovt papir eller papp der de ble laget) brukt, men over tid hadde «animerte tegneserier» eller tegneserier en tendens . å reservere ordet " tegneserie ". Senere, fra den motkulturelle bevegelsen, dukker begrepet comix opp , først på engelsk og deretter på andre språk, som vanligvis er forbeholdt publikasjoner av denne stilen.
Tegneserier eller grafiske tegneserier kan kalles fortellinger som forteller forskjellige historier gjennom en rekke bilder eller illustrasjoner, som er perfekt supplert med skrevne tekster, selv om det også finnes stille striper, det vil si de uten tekst. [ 24 ]
Tydeligvis trenger ikke tegneserier å være tegneserier, og det er derfor franskmennene siden 1960-tallet har brukt begrepet bande dessinée ('tegnede striper'), forkortet BD, som egentlig er en tilpasning av tegneserie . Portugiserne oversatte fra fransk for å lage banda desenhada , mens det i Brasil kalles história em quadrinhos (historie i ruter ), og refererer dermed til den syntaktiske prosedyren til tegneserien, slik det også skjer med det kinesiske uttrykket liánhuánhuà ('kjedede bilder' ).
I forhold til asiatiske navn, har begrepet manga (漫画, 'uformell tegning') blitt pålagt på japansk siden Osamu Tezuka som igjen tok det fra Hokusai , mens begrepet komikkusu (コミックス) er forbeholdt amerikanske tegneserier [ henvisning nødvendig ] . Filippinere bruker lignende komiker , men bruker det generelt, mens Korea og Kina bruker termer avledet fra manga, som henholdsvis manhwa og manhua .
Til slutt, i Italia ble tegneserien kalt fumetti ( små skyer , på spansk) med henvisning til taleballongen . [ 25 ]
Ulike manifestasjoner av antikken og middelalderen kan passe til definisjonen av tegneserier gitt ovenfor: egyptiske eller greske veggmalerier, romerske relieffer, kirkeglassvinduer , opplyste manuskripter med firkantede vignetter som inneholder tegninger i narrativ sekvens, for eksempel Cantigas de Santa María de Alfonso X el Sabio , pre-columbianske kodekser , Biblia pauperum , etc. Med oppfinnelsen av trykkpressen (1446) ble hallelujaer allerede produsert , og med litografien (1789) begynte den massive reproduksjonen av tegninger ( bildene av Épinal , blant dem).
I første halvdel av 1800 -tallet skiller pionerer som Rodolphe Töpffer seg ut , men det vil være i pressen som det første massekommunikasjonsmediet, der tegneserien vil utvikle seg mest, først i Europa og deretter i USA. Det er i dette landet hvor taleballongen definitivt blir implantert , takket være for det meste tegneserier og tegneserieaktig grafikk som The Katzenjammer Kids (1897), Krazy Kat (1911) eller Bringing up father (1913). Fra 1929 begynte eventyrstrimler med realistisk grafikk å triumfere, som Flash Gordon (1934) eller Prince Valiant (1937). Disse vil invadere Europa fra 1934 med Le Journal de Mickey , dog med motstand som Tintin (1929) og Le Journal de Spirou (1938), og originale bevegelser som romanen i bilder . Fra og med i år begynte imidlertid de amerikanske avisstripene å anklage konkurransen om tegneserier med superhelter i hovedrollen .
I etterkrigstiden fikk den argentinske , fransk-belgiske og japanske skolen stor utvikling, takket være figurer som henholdsvis Oesterheld , Franquin og Tezuka . Generelt kan det sies at "hoveddelen av den nordamerikanske produksjonen, for andre halvdel av 1960-tallet, har falt i nivå og er under fransk eller italiensk produksjon" . [ 26 ] Det vil være i begge land hvor en ny bevissthet om mediet tar tak, og orienterer de nye forfatterne ( Crepax , Moebius , etc.) mot et publikum som er mindre og mindre ungt. Med dette, og med konkurransen fra nye underholdningsmedier som TV , slutter tegneserien å være et massemedium, bortsett fra i Japan. Nettopp tegneserien hans vil erobre resten av verden fra 1988, takket være suksessen til tegneserieversjonene hans . På samme måte utkrystalliserte erfaringene fra 1960-tallets undergrunnstegneserier seg til en sterk alternativ bevegelse , allerede på 1980-tallet, som igjen ga opphav til den grafiske romanbevegelsen . Internett er også en ny faktor å ta hensyn til.
Tegneserier kan være en god pedagogisk ressurs, gitt den dynamiske karakteren de innebærer. Det å kunne reprodusere historier og skape dem gir motivasjon til undervisnings-læringsprosessen. Det er mange språklige trekk som kan arbeides med; fra dialoger, monologer, mer dagligdagse uttrykk, blant annet. Det forutsetter en blanding av visuelt og ikonisk språk som rekonfigurerer vår kommunikative kapasitet, men for å tjene som en ekte pedagogisk ressurs, må den oppfylle følgende mål (Guzmán López, 2011): [ 27 ]
Fra historien som er beskrevet ovenfor, kan eksistensen av 3 store tegneserietradisjoner på globalt nivå utledes, alle med egne produksjons- og distribusjonssystemer:
Av mindre global betydning kan vi nevne andre skoler, for eksempel:
Bortsett fra den argentinske og spanske produksjonen, kan den fra andre latinamerikanske land fremheves, som Chile , Cuba eller Mexico og, i mindre grad, Colombia eller Peru . Allerede på slutten av 1960-tallet bekreftet Oscar Masotta at gjennom tegneserier fant det sted en ekte utveksling av kulturer eller kulturell universalisering, på en slik måte at «italienere og tyskere leste tegneserier produsert i Frankrike og omvendt, de talende folkene la spansktalende striper produsert i angelsaksiske land, i USA for det meste, osv.», og dermed bidratt til å viske ut nasjonale særtrekk. Denne teoretikeren unnlot imidlertid ikke å nevne, som en negativ verdi, at:
... denne universaliseringen kan brukes — og det er den utvilsomt — som et påvirkningsmiddel av land som på grunn av sin økonomiske struktur er plassert i en sentral posisjon. [ 31 ]I samme forstand utvider boken To read Donald Duck (1972) av Ariel Dorfman og Armand Mattelart .
Se også: Kategori: Tegneserier etter landTradisjonelt har tegneserieindustrien krevd kollektivt arbeid, der i tillegg til tegneserieskaperne selv , redaktører, fargeleggere, gravører, trykkere, transportører og selgere har deltatt. Det har alltid vært selvpublisering, for eksempel underjordiske tegneserier , men i det siste har de økt på grunn av krisen i visse markeder og fasilitetene som er oppnådd med fremveksten av datamaskiner og Internett. Følgende publikasjonsformater kan skilles fra :
Den vanligste markedsføringskanalen for de fleste av disse tegneseriene har vært aviskiosken inntil, med utviklingen av direktesalgsmarkedet på begynnelsen av 1970-tallet, begynte den spesialiserte bokhandelen å påtvinge seg selv . Både tegneseriene i seg selv og originalene er gjenstand for aktiv innsamling .
Med et kommersielt mål, men også lekende og lærerikt, er det mange komiske arrangementer (stevner, festivaler, konferanser, etc.) som et møtepunkt mellom profesjonelle og amatører. De viktigste festivalene er Barcelona International Comic Fair (Spania, 1981), Tokyo Comiket ( Japan, 1975), San Diego International Comics Convention (USA, 1970), Angoulême International Cartoon Festival (Frankrike, 1974) og Comics & Spill i Lucca (Italia, 1966).
En narrativ sjanger er en modell eller tradisjon for formell og tematisk strukturering som tilbys forfatteren som et opplegg før opprettelsen av tegneserier, i tillegg til å tjene til klassifisering, distribusjon og salg. Hver sjanger er klassifisert i henhold til de vanlige elementene i tegneseriene den dekker, opprinnelig i henhold til dens formelle aspekter (grafikk, stil eller tone og fremfor alt følelsen de prøver å provosere hos leseren), og tematiske (setting, situasjoner, karakteristiske karakterer osv.), på en slik måte at «karakteristikkene ved manus, planlegging, lyssetting og behandling» [ 33 ] til en tegneserie vil variere etter sjangeren den tilhører. Alternativt er tegneseriesjangre definert etter publiseringsformat. Som Daniele Barbieri forklarer , "inndelingen etter sjangere er forskjellig fra og uavhengig av inndelingen etter språk", på en slik måte at
...uavhengig av språket de blir fortalt på (det være seg litteratur, film, teater, tegneserier eller andre omgivelser), har de fleste politihistorier, for eksempel, flere kjennetegn til felles med hverandre enn, la oss si, med dyrefabler; og sistnevnte har på sin side mange flere kjennetegn til felles med hverandre. [ 34 ]Foreløpig er det ingen konsensus om antallet, siden de ulike klassifiseringene ikke stammer så mye fra klassisk retorikk , med dens inndeling i lyrisk , episk og dramatisk , som fra den populære romanen og kinoen , som er preget av den lave kompleksiteten til deres innhold, dens regulering. Det er ikke uvanlig å finne for eksempel referanser til makrosjangre som eventyrtegneserier [ 35 ] eller action . [ 36 ] For å komplisere saken ytterligere, kan sjangere også kombineres for å danne hybridsjangre. Det er imidlertid noen ganske definerte og med en lang tradisjon, [ 33 ] som de som er utmerkede i Gente del-tegneserien og Mangavisión- monografiene :
Inntil den nylige utviklingen av det datagenererte bildet , kan det sies at spredningen av visse sjangere, for eksempel science fiction eller fantasy, skyldtes " lettheten og økonomien med midler som en god tegneserieskaper kan introdusere leserne sine for mest fantastiske miljøer" . [ 37 ]
Se også: Kategori:Komiske sjangereEn barnetegneserie , rettet mot barn, skilles også, selv om den ligger utenfor enhver sjangerklassifisering, fra en annen tegneserie for voksne, mens begrepet familietegneserie knapt har noen prestisje, som har tilsvarende på kino, for å referere til verk som appellerer til lesere i alle aldre. [ 38 ] Tegneserier for barn har utgjort størstedelen av det klassiske materialet "fra alle land (inkludert USA)", [ 39 ] mens tegneserier for voksne begynte sin storhetstid på 1960-tallet og presenterte historier som kunne være så umulige og barnlige som de forrige, men det inkluderte høyere doser vold, urovekkende temaer, banning og fremfor alt eksplisitt sex.
Tidligere var det spesifikt feminine reduber i Vesten , enten det var i form av barneblader for jenter eller romantiske melodramaer . [ 40 ]
I Japan, hvor det er spesifikke tegneserier for alle typer publikum, [ 38 ] kjennetegnes de også av aldersgruppen og kjønnet de er rettet mot: kodomo (gutt), shōjo (jente), shōnen (gutt), josei (kvinne ). ). ) og seinen (mann).
På den annen side bør det bemerkes at tegneserien ofte har blitt foraktet av kulturelle eliter og politiske representanter. Dette forklares med den "gamle fordommen som identifiserer det skrevne ord med kultur og bildet som forklarer det - eller, som i dette tilfellet, beriker og transformerer det - med analfabeter". [ 41 ] Mauro Entrialgo er av den oppfatning at:
Det er et medium som krever mindre forberedelse og konsentrasjon for å nyte det enn for eksempel litteratur, men mer enn for eksempel fjernsyn. Så det får verken prestisje av førstnevnte eller populær spredning av sistnevnte. [ 42 ]Professor Juan Antonio Ramírez mener at denne anerkjennelsen innen høykultur har blitt umuliggjort, paradoksalt nok, "ved konsolideringen og utvidelsen av kunstsystemet" og at enkelte litteraturavdelinger er adskilt av språklige felt. [ 43 ]
Det bør også bemerkes at mange klassiske tegneserier "bare tilbyr ett av ansiktene til karakterene deres og skjuler alle de andre", og forblir dermed en ren anekdote . [ 44 ] Mediet som helhet har hatt en tendens til å "oversette en tradisjonell, konservativ og immobil ideologi i mange år", [ 45 ] enten på grunn av forfatternes overbevisning eller for ikke å mishage gruppen av lesere og risikere å tape dem eller til og med lider under effektene av sensur, som skjedde i regimer som Mussolini eller Franco , og med hensyn til skrekk- og krimtegneserier i USA og Storbritannia på 1950-tallet. Dette forklarer at tegneserier som ikke fulgte rådende sosiale verdier ble manifestert gjennom undergrunnspublikasjoner og at spørsmål som homoseksualitet ikke dukket opp før på 1980-tallet, slik det ble akseptert i offisiell kultur, og heller ikke deres første forfattere, anerkjent av kritikere og kritikere, produserte før da. offentlig, som Ralf König eller Nazario .
På samme måte, "bare de siste tiårene har det begynt å produseres gode tegneserier med kvinner i hovedrollen", enten i rollen som den tradisjonelle helten eller viser sin egen psykologi. [ 46 ] Det er verdt å merke seg, i denne forbindelse, overfloden de siste årene av memoarer laget av kvinner, som Zeina Abirached eller Marjane Satrapi . [ 47 ]
For tiden leses tegneserier for det meste av ungdom og unge voksne, så det blir stadig mer "mer kompliserte, mer åpne, mer følsomme og mer frigjorte", det vil si mer voksne. [ 48 ]
For Oscar Masotta er det som avgjør verdien av en tegneserie i utgangspunktet i hvilken grad den lar egenskapene og egenskapene til tegneseriens språk manifesteres og undersøkes, og avslører tegneserien som språk. [ 49 ] Jean Giraud sier det
Hjernen må tenke og trenger skriftspråk , mens tegning har et underjordisk språk som kommer gjennom øynene. Meldingen som tegneserieskaperen sender er en hemmelig melding, i kryptert kode, som går fra tegneren til kroppen, til sensasjoner. Men samvittigheten, grunnen må være utdannet for å kunne tyde den i henhold til en logikk som går utover den ubevisste følelsen. [ 50 ]Historisk sett har typekarakterer vært veldig viktige for mediet, siden leseren " ønsker, ønsker og forventer at den "gode fyren" har et godt ansikt, og den "slemme fyren" har et dårlig ansikt ". [ 51 ]
I tegneserien er den virkelige bevegelsen representert, med statiske medier , ved bruk av teknikker som allerede er praktisert av futuristene . [ 52 ]
Tekst er ikke nødvendig, men er vanligvis til stede, enten i form av ballonger eller snakkebobler, kartusjer , enkelttekst og onomatopoeia . Ordene som karakterene sier, samles vanligvis i ballongene, med mindre de presenteres utenfor for å indikere at de har hevet tonen i stemmen.
Alle tekstene er vanligvis skrevet med store bokstaver, og de typografiske forskjellene, størrelsen og tykkelsen tjener til å fremheve et ord eller en frase, og maritzas stemmeintensitet. Masotta etablerer i denne forbindelse en ordning med 7 motstander:
Hver tegneserie er en grafisk fortelling, det vil si utviklet gjennom en sekvens av tegninger, og ikke en serie med illustrasjoner hvis fortjeneste ligger i seg selv, på en slik måte at "hver ramme eller vignett på en eller annen måte må være relatert til den neste og til den forrige". [ 54 ] I det treffende uttrykket til Román Gubern er « vignetten den grafiske representasjonen av minste betydningsfulle rom og/eller tid. Plassen som skiller vignettene er kjent som gaten » [ 55 ] og prosessen der leseren fyller ut det gapet kalles closure . McCloud skiller 5 typer overganger mellom vignetter: [ 56 ]
Jo større format og antall ikoniske og verbale tegn, jo mer tid og oppmerksomhet bør vi betale for en viss vignett. Tegneserien bruker variasjoner av den visuelle vinklingen , innrammingen og planene , begreper som den har hentet fra kinoen , for å gjøre fortellingen mer dynamisk.
På grunn av sin tilstand som et interstitielt medium siden opprinnelsen, [ 43 ] er tegneserien i utgangspunktet relatert til plastisk kunst.
Se også: Roy Lichtenstein og Lyonel Feininger .Gitt litteraturens antikke og prestisje, "ethvert nært forhold mellom en og øynene, fordi, det antas, gir jenta 'kategori'." [ 57 ] I tegneserier lever imidlertid «tekstene ikke et eget liv på innsiden» slik det gjør i litteraturen. [ 58 ]
For det andre, dets forhold til:
Film og tegneserier deler en lang historie med gjensidig påvirkning. I denne forstand uttalte Federico Fellini at "tegneseriene som er laget for nær den kinematografiske teknikken er for meg de minst vakre, de minst vellykkede" på en slik måte at de "som fortjener vurdering er de som har inspirert kinoen og ikke motsatt". På denne måten siterte han klassikere fra amerikanske tegneserier, som Katzenjamer Kids og Bringing up father , som han anser som den utvilsomme inspirasjonen til visse scenarier og karakterer fra Chaplin . [ 59 ]
Når det gjelder andre mer moderne disipliner, var Ana Merino av den oppfatning at:
... tapet av publikum har betydd for tegneserien tapet av dens borgerlig-populære kapasitet. Nå må tegneserien, som allerede påpekt, konkurrere med TV, videospill eller Internett. Men det er sant at mye av estetikken som brukes av nye teknologier er et produkt som har blitt grafisk inspirert av klassiske, undergrunns- eller superhelttegneserier. [ 60 ]I en tidligere del av historiedelen har vi allerede nevnt revolusjonen som på 1930-tallet førte til innføringen av en ny type realistisk grafikk for "seriøse" tegneserier til skade for den forvrengte og karikerte grafikken som hadde rådet frem til da . . På sin side, siden midten av 1960-tallet, har mange forfattere hatt en tendens til "ødeleggelsen av naturalistisk realisme for å finne nye veier: fantastisk realisme, deformasjon og vinkling, montasje av større uttrykksevne", etc. [ 61 ]
I virkeligheten er de grafiske stilene som brukes av tegneserieskapere like varierte som forfatterens intensjon og evne, disse er fordelt innenfor en trekant dannet av tre hjørner ( abstraksjon , virkelighet og språk) [ 62 ] som spenner fra fotografisk tilknytningsrealisme ( Luis García ). , Alex Ross , etc), til karikaturen.
Flere stiler kan også kombineres i samme vignett . McCloud kaller maskeeffekten kombinasjonen av tegneseriefigurer med et realistisk miljø som vi kan se i lyslinjen eller den klassiske mangaen av Osamu Tezuka . [ 63 ]
Til tross for slike store muligheter, prøvde klassiske tegnere alltid å opprettholde den samme stilen gjennom hele karrieren, kanskje på grunn av pålegg fra syndikatene deres. En mer moderne forfatter, som spansken Josep María Beá , til tross for at han høyt respekterte de som gikk foran ham, anser at "stil, når den foreviges på ubestemt tid og ikke utvikler seg, er et tegn på fossilisering , på manerisme". [ 64 ]
andre tegneserier