Historien om den kunstneriske naken

Den historiske utviklingen av den kunstneriske nakenen går parallelt med kunsthistorien generelt, bortsett fra små særegenheter som stammer fra den forskjellige aksepten av nakenhet av de forskjellige samfunnene og kulturene som har forekommet i verden over tid. Naken er en kunstnerisk sjanger som består av representasjonen i ulike kunstneriske medier ( maleri , skulptur eller, i nyere tid, film og fotografi ) av den nakne menneskekroppen . Det regnes som en av klassifiseringeneakademiske kunstverk . _ Nakenhet i kunst har generelt reflektert de sosiale standardene for estetikk og moral på den tiden verket ble laget. Mange kulturer tolererer nakenhet i kunst i større grad enn nakenhet i det virkelige liv, med ulike parametere for hva som er akseptabelt: For eksempel, selv i et museum hvor nakenverk vises, aksepteres nakenhet generelt ikke av den besøkende. Som sjanger er naken et komplekst emne å nærme seg på grunn av dets mange varianter, både formelle og estetiske og ikonografiske , og det er kunsthistorikere som anser det som det viktigste emnet i vestlig kunsthistorie . [ note 1 ]

Selv om det vanligvis forbindes med erotikk , kan naken ha forskjellige tolkninger og betydninger, fra mytologi til religion , gjennom anatomiske studier , eller som en representasjon av skjønnhet og estetisk perfektionsideal, som i antikkens Hellas . Dens representasjon har variert i henhold til de sosiale og kulturelle verdiene til hver epoke og hvert folk, og akkurat som for grekerne var kroppen en kilde til stolthet, for jødene – og derfor for kristendommen – var den en kilde til skam, det var tilstanden til slaver og de elendige. [ 1 ]

Studiet og den kunstneriske representasjonen av menneskekroppen har vært en konstant gjennom kunsthistorien, fra forhistorien ( Venus av Willendorf ) til i dag. En av kulturene der den kunstneriske representasjonen av nakenen spredte seg mest var antikkens Hellas, hvor det ble tenkt som et ideal for perfeksjon og absolutt skjønnhet, et konsept som har bestått i klassisistisk kunst til i dag, og i stor grad betinget oppfatningen av vestlig samfunnet mot naken og kunst generelt. I middelalderen var representasjonen begrenset til religiøse temaer, alltid basert på bibelske passasjer som rettferdiggjorde det. I renessansen førte den nye humanistiske kulturen , med et mer antroposentrisk tegn , til at nakenen kom tilbake til kunsten, vanligvis basert på mytologiske eller historiske temaer, med religiøse temaer som også varte. Det var på 1800-tallet , spesielt med impresjonismen , da naken begynte å miste sin ikonografiske karakter og å bli representert bare for sine estetiske kvaliteter, naken som et sensuelt og fullt selvrefererende bilde. I nyere tid har studier rundt naken som kunstnerisk sjanger fokusert på semiotiske analyser , spesielt på forholdet mellom verket og betrakteren, samt på studiet av kjønnsrelasjoner. Feminismen har kritisert naken som en objektiv bruk av kvinnekroppen og et tegn på det vestlige samfunnets patriarkalske dominans. Artister som Lucian Freud og Jenny Saville har skapt en ikke-idealisert type naken for å eliminere det tradisjonelle konseptet naken og søke etter dets essens utover begrepene skjønnhet og kjønn. [ 2 ]

Forhistorie

Forhistorisk kunst er den som utviklet seg fra steinalderen ( øvre paleolitikum , mesolitikum og neolitikum ) til metallalderen , perioder hvor de første manifestasjonene som kan betraktes som kunstneriske av mennesker oppsto. I paleolitikum (25 000 f.Kr.–8.000 f.Kr.) var mennesket dedikert til jakt og bodde i huler , og laget det som er kjent som hulemaleri . Etter en overgangsperiode (mesolitikum, 8000 f.Kr. - 6.000 f.Kr. ), i yngre steinalder ( 6000 f.Kr. - 3000 f.Kr. ) ble det stillesittende og dedikerte seg til jordbruk , med samfunn som hver for seg blir stadig mer komplekse der religion får betydning , og produksjonen av håndverk begynner . Til slutt, i den såkalte tidsalderen for metaller ( 3000 f.Kr. - 1000 f.Kr. ), oppsto de første protohistoriske sivilisasjonene . [ 3 ]

I paleolittisk kunst var nakenen sterkt knyttet til dyrkingen av fruktbarhet , som kan sees i representasjonen av den kvinnelige menneskekroppen — den såkalte «venus» —, vanligvis noe overvektig, med sjenerøse bryster og svulmende hofter. De fleste kommer fra Aurignacian -perioden , og er vanligvis skåret ut av kalkstein , elfenben eller kleberstein . Venusene i Willendorf , Lespugue , Menton , Laussel , etc. skiller seg ut. På det maskuline nivået var representasjonen av fallosen — vanligvis oppreist —, isolert eller i sin helhet, også et tegn på fruktbarhet, som i den såkalte Cerne Abbas Giant ( Dorset , England ). [ 4 ]​ I hulemaleri – spesielt det som er utviklet i de fransk-kantabriske og levantinske områdene – er jaktscener, eller ritualer og danser, hvor den menneskelige figuren, redusert til skjematiske linjer, noen ganger representert, vanlig. Fremhever kjønnsorganene – bryster hos kvinner og fallus hos menn—, sikkert assosiert med parringsriter. Noen eksempler finnes i hulene El Cogul , Valltorta og Alpera . [ 5 ]

Gammel kunst

Dette kan kalles de kunstneriske kreasjonene fra den første fasen av historien , og fremhever de store sivilisasjonene i det nære østen : Egypt og Mesopotamia . Det vil også inkludere de første kunstneriske manifestasjonene av flertallet av folk og sivilisasjoner på alle kontinenter . En av de store fremskritt på denne tiden var oppfinnelsen av skrift , generert i første omgang av behovet for å føre opptegnelser av økonomisk og kommersiell karakter . [ 6 ]

I de første religionene, fra den sumeriske til den egyptiske , var den eldgamle kulten av Moder Jord relatert til de nye gudene av den antropomorfe typen , og koblet den feminine formen med naturen, siden begge er livsgeneratorer. Dermed representerte de egyptiske tvillinggudene Geb og Nut jorden og himmelen, fra hvis forening alle elementene ble født. I andre tilfeller er gudene relatert til kosmologiske elementer , som gudinnen Ishtar med planeten Venus , vanligvis avbildet naken og bevinget, med en halvmåne på hodet. Andre representasjoner av Modergudinnen er vanligvis mer eller mindre kledde, men barbrystede figurer, som den berømte slangegudinnen ( Iraklion Archaeological Museum ), en minoisk statuett fra rundt 1550 f.Kr. C. Disse representasjonene var utgangspunktet for ikonografien til greske og romerske gudinner som Artemis , Diana , Demeter og Ceres . [ 7 ]

I Egypt ble nakenhet sett naturlig, og florerer av representasjoner av rettsscener, spesielt i danser og scener med fester og feiringer. Men den er også til stede i religiøse temaer, og mange av dens antropomorfisk representerte guder vises nakne eller halvnakne i statuer og veggmalerier. Det vises også i representasjonen av mennesket selv, enten farao eller slave, soldat eller tjenestemann, for eksempel den berømte sittende skribenten i Louvre . Utvilsomt på grunn av klimaet pleide egypterne å bruke lite klær, lendeklede og skjørt for menn, gjennomsiktige linkjoler for kvinner. Dette gjenspeiles i kunsten, fra scenene som viser festivalene og rettsseremoniene til de mest populære scenene, som viser det daglige arbeidet til bønder, håndverkere, gjetere, fiskere og andre yrkesfag. På samme måte dukker de ynkelige nakne kroppene til slavene og fangene opp i krigsscenene, behandlet med samme hieratiske stil og mangler dynamikk som er typisk for egyptisk kunst, hvor frontalitetsloven råder, av kroppen som er begrenset til stive statiske stillinger og feil. av realisme Maleriet er hovedsakelig preget av å presentere sidestilte figurer i overliggende plan, med et hierarkisk kriterium . Profilkanonen rådde , som besto av å representere hodet og lemmene i profil, men skuldrene og øynene forfra. Blant verkene som har kommet ned til oss fra det gamle Egypt, er naken, delvis eller fullstendig, merkbar både i maleri og i skulptur, enten det er monumental eller i små statuetter, som Offeror i Louvre eller Piken som spiller på harpen i British Museum ; vi har statuer som de av Rahotep og Nefrit , den av Menkaure med sin kone eller Lady Tui i Louvre som, selv om den er kledd i lin, viser gjennomsiktigheten av tøyet oss hennes nakenhet; i maleri, veggmaleriene i graven til Nath, revisor for Tuthmosis IV , eller Legenes grav i Saqqarah . I graven til Tutankhamun ble det funnet en statue av den nakne farao, som representerer Ihy, sønn av gudinnen Hathor . [ 8 ]

På den annen side, i Mesopotamia, geografisk og kronologisk nær det gamle Egypt, er naken praktisk talt ukjent, bortsett fra noen assyriske relieffer som Assurbanípal som jakter løver (British Museum), hvor kongen fremstår med bar overkropp, eller noen scener med tortur. av fanger, mens i det kvinnelige aspektet finner vi bare de nakne brystene av en kaldeisk bronse som representerer en ung canéphora, tilstede i Louvre. Vi finner heller ikke nakenhet i fønikisk eller jødisk kunst , der mosaisk lov forbød menneskelig representasjon. [ 9 ]

Klassisk kunst

Klassisk kunst kalles [ note 2 ]​ for kunst utviklet i antikkens Hellas og Roma , hvis vitenskapelige, materielle og estetiske fremskritt bidro til kunsthistorien en stil basert på naturen og mennesket , hvor harmonien hersket. og balansen, rasjonaliteten av former og volumer, og en følelse av imitasjon (" mimesis ") av naturen som la grunnlaget for vestlig kunst , på en slik måte at gjentakelsen av klassiske former har vært konstant gjennom historien i den vestlige sivilisasjonen. [ 10 ]

Hellas

I Hellas ble de viktigste kunstneriske manifestasjonene som har preget utviklingen av vestlig kunst utviklet. Etter noen begynnelser der de minoiske og mykenske kulturene skilte seg ut , utviklet gresk kunst seg i tre perioder: arkaisk, klassisk og hellenistisk . Preget av naturalisme og bruk av fornuft i mål og proporsjoner, og med en estetisk sans inspirert av naturen, var gresk kunst utgangspunktet for kunst utviklet på det europeiske kontinentet. [ 11 ] Høydepunktet for gresk kunst skjedde i den såkalte Perikles-æraen , hvor kunsten nøt stor prakt, og genererte en stil for å tolke virkeligheten: kunstnere baserte seg på naturen i henhold til proporsjoner og regler (κανών, kanon) som tillot fange denne virkeligheten av betrakteren, om nødvendig ty til forkorting . Et skjønnhetsbegrep basert på etterligning av naturen ble forfulgt, men idealisert med inkorporering av en subjektiv visjon som reflekterte harmonien mellom kropp og sjel, og likestilte skjønnhet med godhet (καλοκαγαθία, kalokagathía ). [ 12 ]

Hellas var det første stedet hvor menneskekroppen ble representert på en naturalistisk måte, langt fra tidligere kulturers hieratiske og skjematiske. Gresk kultur var humanistisk , mennesket var hovedobjektet for studiet av dens filosofi og kunst, siden religionen var mer mytologisk enn et objekt for tilbedelse. For grekerne var skjønnhetsidealet den nakne mannskroppen, som symboliserte ungdom og virilitet, som idrettsutøverne i de olympiske leker , som konkurrerte nakne. Den greske naken var både naturalistisk og idealisert: naturalistisk når det gjelder den trofaste representasjonen av kroppsdeler, men idealisert når det gjelder søken etter harmoniske og balanserte proporsjoner, og avviste en mer ekte type representasjon som viste kroppens ufullkommenhet. aldersrynker. Fra en mer skjematisk komposisjon i den arkaiske epoken, utviklet studiet av kroppen seg mot en mer detaljert beskrivelse av skjelettet og musklene, samt bevegelsen og de forskjellige posisjonene og vendingene som menneskekroppen kan utføre. Beskrivelsen av ansiktet og representasjonen av stemninger ble også perfeksjonert. [ 13 ]

Grekerne la stor vekt på den nakne kroppen, som de var stolte av, siden den ikke bare var en refleksjon av god fysisk helse, men den var mottakeren av dyd og ærlighet, samt ga den en del av sosial fremgang, i kontrast til hemningene til andre mindre siviliserte folk. For grekerne var naken et uttrykk for integritet, ingenting relatert til mennesket som helhet kunne unngås eller isoleres. De forbandt kropp og ånd, som for dem var uløselig knyttet sammen, på en slik måte at selv deres religiøsitet materialiserte seg i antropomorfe guder. De relaterte tilsynelatende antagonistiske elementer, og akkurat som noe så abstrakt som matematikk kunne gi dem sanselig nytelse, kunne noe materiell som kroppen bli et symbol på noe eterisk og udødelig. Dermed hadde naken en moralsk komponent som unngikk enkel sensualitet, så det var ikke uanstendig eller dekadent, slik det virket for romerne. Dette innbyrdes forhold mellom kropp og ånd er iboende i gresk kunst, og når kunstnere fra senere tid imiterte den greske naken – som i tilfellet med nyklassisisme og akademiisme – , fratatt denne komponenten, laget de livløse verk, fokusert på fysisk perfeksjon, men uten moralsk dyd. [ 14 ]

I den mannlige greske naken, er fangst av energi, av vital kraft, avgjørende, som de transkriberte gjennom to typologier av viril naken: idrettsutøveren og helten. Ved de olympiske leker var det vanlig å presentere vinneren med et keramisk fartøy — de såkalte "Panathenaic amphorae" — med representasjoner av den atletiske disiplinen utøvet av vinneren, et utmerket eksempel på representasjoner av nakenbilder i bevegelse, i svært dynamisk handling scener. [ 15 ]

Den første eksponenten for den mannlige naken består av en type figurer som representerer idrettsutøvere, guder eller mytologiske helter, kalt kouros ( kouroi i flertall), som tilhører den arkaiske perioden ( 7. århundre f.Kr. - 5. århundre f.Kr. ) - dens feminine variant er koréen ( korai i flertall), som imidlertid tidligere ble representert kledd— . Selv om disse figurene opprinnelig angir en viss egyptisk innflytelse, fulgte greske skulptører snart sin egen vei, og søkte den beste måten å representere menneskekroppen på for å avsløre deres skjønnhetsideal. Kouros er preget av den hieratiske holdningen, der frontalitet dominerer, med føttene på bakken og venstre ben fremover, armene tett inntil kroppen og hendene lukket, og hodet i kubisk form , med langt hår og ansiktstrekk. grunnleggende, fremhever hans karakteristiske smil, kalt «arkaisk smil». De tidligste eksemplene stammer fra det 7. århundre f.Kr. C. , som kommer fra steder som Delos , Naxos og Samos , vanligvis vises i graver og steder for tilbedelse. Senere spredte de seg til Attika og Peloponnes , hvor de øker i naturalisme, med beskrivende trekk og større interesse for modellering. Noen verk som har overlevd til i dag er: Kouros de Sounion ( 600 f.Kr. ), Cleobis og Biton- tvillingene ( 600 f.Kr. - 590 f.Kr. ), Moscóforo ( 570 f.Kr. ), Rampin-rytteren ( 550 f.Kr. ), Kouros av Tenea ( 550 f.Kr. ), Kouros av Anafi ( 530 f.Kr. ), Kouros av Aristodikos ( 500 f.Kr. ), etc. [ 16 ]

Deretter hadde nakenen en langsom, men jevn utvikling fra de stive, geometriske formene til kouroi til de myke, naturalistiske linjene i den klassiske perioden (den såkalte alvorlige stilen , utviklet mellom 490 f.Kr. og 450 f.Kr. ). Hovedfaktoren i denne innovasjonen var et nytt konsept når det kom til å unnfange skulptur, som gikk fra idealisering til imitasjon. Denne endringen begynte å bli lagt merke til i de første tiårene av det 5. århundre f.Kr. C. , med verk som Apollo av Piombino ( ca. 490 f.Kr. ), Ephebo of Kritios ( ca. 480 f.Kr. ) eller den såkalte gruppen av tyrannicider , som representerer Aristogiton og Harmodius , arbeidet til Kritios og Nesiotes ( ca. 477 f.Kr. ). I disse verkene er kulten av fysisk perfeksjon betegnet, som hovedsakelig kom til uttrykk i friidrett, som kombinerte fysisk kraft med moralsk dyd og religiøsitet. Den nye klassiske stilen brakte større naturlighet, ikke bare formell, men også viktig, ved å gi bevegelse til den menneskelige figuren, spesielt med introduksjonen av contrapposto - vanligvis tilskrevet Kritios - der de forskjellige delene av kroppen er harmonisk motsetninger, og som gir rytme og balanse til figuren. Med disse lokalene oppsto hovedfigurene i den klassiske greske skulpturen : Myron , Phidias , Polykleitos , Praxiteles , Scopas , Lysippos , etc. [ 17 ]

Myron laget et prakteksempel på en figur i bevegelse med sin Discobolus ( 450 f.Kr. ), og oppnådde for første gang en koordinert dynamisk effekt for hele figuren, siden frem til da ble figurene i bevegelse laget i deler, uten en global visjon som ville gi sammenheng til den dynamiske handlingen - som i tilfellet med Poseidon of Cape Artemision , en bronsefigur av attisk opprinnelse fra rundt 470 f.Kr. C. , hvor torsoen er statisk, følger ikke bevegelsen til armene—. [ 18 ]

Phidias viet seg spesielt til skulpturer av guder - han ble kalt "gudenes skaper" -, spesielt Apollo , som han behandlet med en blanding av naturalisme og visse rester av arkaisk hieratisk frontalitet, som ga figurene hans en aura av majestet, med en balansert harmoni mellom styrke og ynde, form og det ideelle, som i den såkalte Apollo av Kassel ( ca. 450 f.Kr. ). Imidlertid laget han også verk av vanlige karakterer, med en mer human, mindre idealisert behandling, for eksempel hans figur av Anacreon ( ca. 450 f.Kr. ). [ 19 ]

Arbeidet til Polykleitos hadde en spesiell relevans i standardiseringen av en kanon av geometriske proporsjoner som figurene hans var basert på, sammen med søket etter balanse i bevegelsen, som kan sees i hans to hovedverk, Doryphorus ( 440 a. C. ) og Diadumeno ( 430 f.Kr. ) - dessverre er det bare romerske kopier av verkene hans som har kommet ned til oss -. Et annet viktig bidrag fra Polykleitos var den anatomiske studien ( diartrose eller artikulasjon av de forskjellige delene av kroppen), spesielt av muskulasjon: perfeksjonen av overkroppen deres har ført til at de har fått kallenavnet i fransk cuirasse esthétique ("estetisk rustning"), og de har lenge vært brukt til rustningsdesign . [ 20 ]

Praxiteles designet flere menneskelige figurer ( Apollo Sauróctono , 360 f.Kr. ; Satyro pourer , 365 f.Kr. ; Hermes og Dionysos som barn , 340 f.Kr. ), med grasiøse bevegelser, med en latent sensualitet, som kombinerer fysisk kraft med en viss luft av nåde, nesten søthet , med en flytende og delikat design. [ 21 ]

Senere mistet den greske skulpturen på en viss måte den foreningen mellom det fysiske og det ideelle, og beveget seg mot mer slanke og muskuløse figurer, hvor handling seiret over moralsk uttrykk. Slik oppfattes det i verk som Ephebe fra Antikythera ( 340 f.Kr. ), Atleten med Strígil fra Efesos og Efebe fra Marathon . Blant kunstnerne som skilte seg ut på denne tiden, skiller Escopas seg ut , forfatter av frisen til Halikarnassos mausoleum , full av figurer i bevegelse, som hans grekere og amasoner ( ca. 350 f.Kr. ), hvor bruken av klær er karakteristisk - spesielt kappene til grekerne, som ellers bærer resten av kroppen naken - for å gi en følelse av bevegelse. Han arbeidet også på Leócares- mausoleet , forfatter av den berømte Apollo of Belvedere ( cirka 330 f.Kr. - 300 f.Kr. ), ansett som den beste antikke skulpturen av nyklassisistene , som inspirerte en rekke moderne kunstnere, som Dürers Adam (1504), Bernini Apollo og Daphne (1622-1625), Canovas Perseus ( 1801 ) og Thomas Crawfords Orpheus ( 1838). Den såkalte "heroiske diagonalen" ble introdusert i mausoleet, en holdning der handlingen går gjennom hele kroppen fra føttene til hendene etter en uttalt diagonal , og som ofte vil bli gjengitt i fremtiden - som i Agasio ' s Borghese Gladiator av Efesos ( 3. århundre f.Kr. ) eller Dioscuri av Quirinal , når Hercules og Theseus av Canova—. [ 22 ]

Lysippos , kanskje det siste store navnet i gresk skulptur, introduserte en ny kanon av proporsjoner, med et mindre hode, en slankere kropp og lange ben, som i hans hovedverk, Apoxyomeno ( 325 f.Kr. ), eller i Agias ( 337 f.Kr. ) ), i Eros strenger buen ( 335 f.Kr. ), og Herakles i ro ( 320 f.Kr. ). Han introduserte også en ny oppfatning av den menneskelige figuren, mindre idealistisk, mer fokusert på det hverdagslige og anekdotiske, for eksempel hans figur av en idrettsutøver som klør seg, den hvilende Hermes ( 330 f.Kr. - 320 f.Kr. ) fra Napoli , eller den unge mannen orant. av Berlin . Lysippus var portrettmaleren av Alexander den store , som han laget forskjellige statuer av, flere av dem nakne, som i Alexander med spydet i Louvre ( 330 f.Kr. ). [ 23 ]

Den kvinnelige naken var sjeldnere, spesielt i den arkaiske epoken, der de kledde figurene til koraiene stod i kontrast til nakenheten til kouroiene . Akkurat som vestlig kunst har betraktet – fortrinnsvis siden renessansen – kvinnelig nakenhet som et mer normalt og behagelig tema enn det mannlige, i Hellas forbød visse religiøse og moralske aspekter kvinnelig nakenhet – som man kan se i den berømte Phryné- rettsaken , Praxiteles-modellen . Sosialt sett, i Hellas, ble kvinner henvist til sine huslige oppgaver, og sammenlignet med nakenheten til mannlig friidrett, måtte kvinner være kledd fra topp til tå. Bare i Sparta deltok kvinner i noen atletisk konkurranse, da iført en kort tunika som viste lårene, et faktum som var skandaløst i resten av Hellas. De første sporene etter den kvinnelige naken er funnet på 600-tallet f.Kr. C. , i daglige scener malt på keramiske kar. I det femte århundre f.Kr. C. de første skulpturelle restene dukket opp, som Esquiline Venus , som sannsynligvis representerte en prestinne av Isis . Den presenterer en grov og uferdig anatomi, robust og kort, men den inneholder allerede noen matematiske proporsjoner, basert på den syvhodede staturkanonen. [ 24 ]

Den påfølgende utviklingen av den kvinnelige naken var sporadisk, med knapt noen figurer av fullstendig naken, men delvis eller med teknikken til draperie mouillée ("våte kluter"), lette kjoler og festet til kroppen, for eksempel Afrodite fra Ludovisi-tronen , Nike of Paionios ( 425 f.Kr. ), eller Venus Genetrix i National Museum of the Baths of Roma . Rundt år 400 e.Kr. C. en bronsefigur av en jente ble skulpturert (Museum of Munich), av en anonym forfatter, som presenterer den klassiske contrapposto , som gir kvinnefiguren en sinusitet — spesielt i hoftebuen, som på fransk kalles déhanchement ( « balansering»)- som forsterket hennes figur mer og som ville forbli som en nesten arketypisk modell for representasjon av kvinnefiguren. [ 25 ]

Den viktigste klassiske billedhuggeren som tok for seg den kvinnelige naken var Praxiteles , forfatter av den berømte Afrodite av Cnidus ( ca. 350 f.Kr. ), representert i øyeblikket da han gikk inn i badet, med kjolen fortsatt i den ene hånden. Det er et bilde som kombinerer sensualitet med mystikk, fysisk nytelse med åndelig evokasjon, og som var en materiell realisering av idealet om gresk feminin skjønnhet. Han var også forfatteren av et annet kjent bilde, det av gudinnen Afrodite med bena pakket inn i klær og brystene bare, som har kommet ned til oss i forskjellige kopier, det mest komplette er kalt Venus av Arles i Louvre, men som er mer kjent for kopien av en anonym kunstner fra rundt 100 f.Kr. C. , Venus de Milo . Den påfølgende utviklingen av den kvinnelige naken førte til typologier som " Pudica Venus ", som dekker hennes nakenhet med armene, som kan sees i Capitoline Venus - noen ganger tilskrevet Praxiteles selv - eller Calipygian Venus ("med vakker rumpa" ), som løfter peplosene sine for å avsløre hoftene og baken hennes, hvorav en romersk kopi av en hellenistisk original har kommet ned til oss, for tiden i det nasjonale arkeologiske museet i Napoli . [ 26 ]

En sjanger hvor den kvinnelige nakenen florerte litt mer var i representasjonen av bacchanals og dionysiske ritualer , der sammen med satyrene og silenus dukket opp et helt kor av maenader og nereider i sensuelle og uhemmet stillinger, hvis scener var bredt representert i begravelsessarkofager , og det var et hyppig tema i skulpturverkstedet til Scopas, forfatter av forskjellige figurer relatert til Dionysos-kulten, som Maenad av Dresden . Spesielt Nereide-figurer fikk stor popularitet og påvirket senere kunst i hele Middelhavet . Som et symbol på den frigjorte sjelen ble dens representasjon et hyppig dekorativt motiv i forskjellige kunstneriske teknikker, fra maleri og skulptur til smykker , cameos , keramiske glass og kopper, kister, sarkofager, etc. I det sene Romerriket var det vidt distribuert, og ble funnet fra Irland til Arabia , og nådde India , hvor vi ser dets former i skikkelsene til flygende Gandharvas . Selv i middelalderen ble dens typologi identifisert med karakteren til Eva . [ 27 ]

Poseidon of Cape Artemision (470 f.Kr.), National Archaeological Museum of Athens .   Myrons diskoskaster ( 455 f.Kr.), British Museum , London .   Apollo Saurochthonus (360 f.Kr.), av Praxiteles , Louvre-museet , Paris .   Apollo av Belvedere ( ca. 350-325 f.Kr.), av Leocares , Museo Pio-Clementino , Vatikanet .   Apoxyomenos ( ca. 340-330 f.Kr.), av Lysippus , Pius-Clementine-museet , Vatikanet .

I løpet av den hellenistiske perioden – som begynte med Alexander den stores død , der den greske kulturen spredte seg over hele det østlige Middelhavet – fikk figurene en større dynamikk og bevegelsesvridning, noe som betegnet forverrede følelser og tragiske uttrykk, og brøt den rolige balansen fra klassisk epoke. Stilt overfor den vitale og triumferende energien til helter og idrettsutøvere, dukket det opp patos , uttrykk for nederlag, drama, lidelse, mishandlede og deformerte, syke eller lemlestede kropper. Hvis heltene og idrettsutøverne vant, nå er mennesket underlagt skjebnen, det lider av gudenes vrede, det guddommelige seier over det materielle, ånden over kroppen. Dette sees i myter som slaktingen av barna til Niobe , smerten til Marsyas , heltens død (som Hector eller Meleager ) eller skjebnen til Laocoön , hyppige temaer i tidens kunst. [ 28 ]

Et av de første produserende sentrene for hellenistisk skulptur var Pergamon , hvis verksted med skulptører fra hele Hellas etablerte en stil som, basert på en tydelig lysipisk innflytelse, preget figurene en dramatisk kvalitet som, først og fremst gjennom kroppens torsjon, uttrykte smerten til karakterene på en dramatisk måte, som kan sees i den døende galleren i Capitoline-museet ( 230 f.Kr. ), den galliske Ludovisi i bademuseet ( 230 f.Kr. ), Menelaos og liket av Patroklos i Loggia dei Lanzi ( 230 f.Kr. - 200 f.Kr. , også kalt Pasquino-gruppen ) eller i Marsyas i Roma-konservatoriet ( 230 f.Kr. - 200). Hans mesterverk er Laocoön og hans sønner , av Agesander , Athenodorus og Polydorus av Rhodos ( 2. århundre f.Kr. ), kanskje det beste uttrykket for patos i hele historien, der den brokete bevegelsen, vridningen av de sammenvevde figurene (far, barn og slanger) ), de økte følelsene, de markerte musklene i overkroppen og lårene til den sentrale figuren, det dramatiske uttrykket i ansiktene, gir en generell følelse av latent tragedie, som utvilsomt fremkaller en følelse av redsel hos betrakteren, og fortvilelse, av barmhjertighet. for de skikkelsene som lider. I følge Plinius er Laocoön "det beste av alle verk av både maleri og skulptur." [ 29 ]

Farnese-oksen , av Apollonius og Tauriscus av Tralles , er også fra den hellenistiske perioden , en kopi av et tidligere verk med tittelen El suplicio de Dirce ( 130 f.Kr. ). Det er en dynamisk gruppe, med stor ekspressiv effekt, hvor dyrene fremstår på landskapsbasis, med stor realisme, ungdommene, i en noe rigid holdning, og Dirce -figuren , med en kompleks spiralvridning med stor dramatisk effekt. [ 30 ] Et annet kjent verk fra tiden er Crouching Venus of Doidalsas of Bithynia ( 3. århundre f.Kr. ), høyt verdsatt i antikken og som det ble laget mange kopier av for å dekorere palasser, hager og offentlige bygninger. Flere kopier finnes for tiden på museer rundt om i verden, og forskjellige kopier eller versjoner har blitt laget i moderne kunst — hovedsakelig renessansen —, slik som de av Giambologna , Antoine Coysevox og Jean-Baptiste Carpeaux , eller til og med i tegning eller gravering , som f.eks. de til Marcantonio Raimondi og Martin Heemskerck . Rubens ble også inspirert av denne figuren for flere av verkene hans. [ 31 ] Like viktig var den sovende Hermafroditten av Polikles ( 2. århundre f.Kr. ), hvis bronseoriginal gikk tapt, med flere kopier laget i romertiden, hvorav en av de mest kjente er Borghese Hermafroditten , funnet i Diokletians bad i tidlig på 1600-tallet og restaurert av Bernini . Det finnes flere kopier, noen laget i moderne tid, for eksempel den som ble bestilt av Filip IV av Spania , for tiden i Prado , som sikkert påvirket Velázquezs Venus i speilet . [ 32 ]

Crouching Venus (3. århundre f.Kr.), fra Doidalsas of Bithynia , Museo Nazionale Romano di Palazzo Altemps .   Sovende Satyr eller Barberini Faun (200 f.Kr.), Glyptothek i München .   Hermafroditt Borghese (2. århundre f.Kr.), av Policles , Louvre-museet , Paris .   Farnese Bull (130 f.Kr.), av Apollonius og Tauriscus av Tralles , Napoli nasjonale arkeologiske museum .   Venus de Milo (130-100 f.Kr.), Louvre-museet , Paris .

Roma

Med en klar presedens i etruskisk kunst , ble romersk kunst sterkt påvirket av gresk kunst. Takket være utvidelsen av Romerriket nådde klassisk gresk-romersk kunst nesten hvert hjørne av Europa , Nord- Afrika og det nære østen , og la det evolusjonære grunnlaget for fremtidig kunst utviklet i disse områdene. Selv om romerne var veldig avanserte innen arkitektur og ingeniørkunst , var de ikke særlig innovative innen plastisk kunst . De fleste romerske statuer er kopier av greske verk, eller er inspirert av dem. Mange av kunstnerne i den hellenistiske verden flyttet for å jobbe i Roma , og holdt ånden til gresk kunst i live. Romerske historikere foraktet kunstverk produsert etter den klassiske greske perioden, og hevdet til og med at etter denne greske gullalderen "stoppet kunsten." [ 33 ]

De første produksjonene innen skulptur var verk av greske kunstnere installert i Roma, inkludert: Apollonius av Athen , forfatter av Belvedere Torso ( 50 f.Kr. ); Cleomenes , forfatter av Medici Venus ( 1. århundre f.Kr. ); og Pasíteles , forfatter av El niño de la espina . [ 34 ] Stephanos , en disippel av Pasíteles, var forfatteren av Villa Albani Athlete ( 50 f.Kr. ), en figur som hadde enorm suksess, et faktum bekreftet av det faktum at 18 eksemplarer har kommet ned til oss, og som oppsto en variant med en annen figur, og skaper en gruppe noen ganger identifisert med Mercury og Vulcan , og andre med Orestes og Pílades , hvorav en kopi, kalt San Ildefonso Group ( 10 f.Kr. ), er bevart i Prado , hvor de to figurene minner en om Doryphorus av Polykleitos og en annen til Apollo Sauróctono av Praxiteles. [ 35 ] Andre anonyme verk som har et stilistisk forhold til hellenistisk gresk kunst er Boxer at Rest in the Rome Baths Museum ( 100 BC - 50 BC ) og den hellenistiske prinsen i samme museum ( 100 BC - 50 BC )

Når det gjelder den faktiske romerske produksjonen, mens de opprettholder den greske innflytelsen, er statuene av guddommeliggjorte romerske keisere karakteristiske, nakne som de greske gudene, som, selv om de opprettholder en viss idealisme, viser et større studium av det naturlige når det gjelder trekk ved portrettene deres.. [ 36 ] I få verk er det noe stilistisk stempel som er differensiert fra de greske, slik som Venus av Kyrene (Thermae Museum, Roma), som viser større anatomisk naturalisme enn de greske figurene, samtidig som de opprettholder eleganse og sensualitet til de greske. naken kvinne. En original tematisk nyvinning var den til The Three Graces , som det finnes forskjellige kopier av (Siena, Louvre), som nesten alle kan dateres til det  1. århundre . Det er et ikonografisk tema fra gruppen av cárites (skjønnhetsguddommer) som fulgte Afrodite , vanligvis representert med tre søstre ( Eufrósine , Talía og Áglae ), holdt av armene og arrangerte to av dem foran og midten bak bakover. Dette temaet var svært vellykket i renessansen og barokken. [ 37 ]

I keisertiden avtok interessen for naken, parallelt med at det idealiserende konseptet skulptur, realisme og den detaljerte beskrivelsen av detaljer, selv de styggeste og mest ubehagelige, ble mer relevant, en stil som hadde sin største krystallisering i portrettet . Likevel ble det produsert praktfulle stykker, for eksempel statuene av Mars og Merkur som dekorerer Villa Adriana (125), eller apoteosen til Antoninus og Faustina som vises på bunnen av Antoninus-søylen — for tiden i Vatikanmuseet — ( 161), eller til og med Dioscuri av Montecavallo , fra Konstantins bad , på Quirinalplassen i Roma (330). [ 38 ]

Når det gjelder maleri , som mange eksempler har kommet til oss takket være utgravninger i Pompeii og Herculaneum , til tross for deres utmerkede dekorative natur, tilbyr de stor stilistisk variasjon og rike temaer, med en ikonografi som spenner fra mytologi til scener som er mer hverdagslige, går gjennom fester, danser og sirkusshow . Det florerer av nakenhet i disse scenene, med en tydelig tendens til erotikk, som vises åpenlyst, som enda en faset av livet. Blant de mange scenene som dekorerer veggene i Pompeii og hvor naken er til stede, er det verdt å huske: The Three Graces , Venus Anadyomene , Invocation of Priapus , Cassandra kidnapped by Ajax , The Kiss of the Faun , Bacchante overrasket av en satyr , Voldtekten av nymfen Iltima , Hercules som gjenkjenner Telephus i Arcadia , Kentauren Chiron som instruerer den unge Akilles , Perseus som frigjør Andromeda , Aldobrand-bryllupene , etc. [ 39 ]

Afrodite av Menophantus (1. århundre f.Kr.), Nasjonalt romersk museum .   Torso fra Belvedere (1. århundre f.Kr.), av Apollonius av Athen , Museo Pio-Clementino , Vatikanet .   Pompeii veggmaleri (Venus hus), av Venus Anadyomene (1. århundre). Kopi av en gresk original, antatt å være et portrett av Kampaspe , Alexander den stores konkubine .   Hermes Ludovisi (1. århundre), kopi av en original fra det 5. århundre f.Kr. C. tilskrevet Phidias , National Roman Museum .   Capitoline Antinous (2. århundre), Gladiator's Room of the Capitoline Museums .

Middelalderkunst

Det vestromerske imperiets fall markerte begynnelsen av middelalderen i Europa , et stadium med viss politisk og sosial tilbakegang, siden fragmenteringen av imperiet i små stater og den sosiale dominansen til det nye militæraristokratiet førte til føydalisering av alle den tidligere administrert av det keiserlige byråkratiet . Klassisk kunst ble omtolket av de nye dominerende kulturene, av germansk opprinnelse , mens den nye religionen, kristendommen , gjennomsyret det meste av middelalderens kunstneriske produksjon. Ulike faser fulgte hverandre i middelalderkunsten, fra paleo - kristen kunst , gjennom pre - romansk , til romansk og gotisk , inkludert den bysantinske og den til de germanske folkene. [ 40 ]

I middelalderen skilte moralteologien fire typer nakenhet: nuditas naturalis , menneskets naturlige tilstand; nuditas temporalis , en kunstig tilstand påtvunget av forgjengelighet, vanligvis knyttet til fattigdom; nuditas virtualis , som et symbol på dyd og uskyld; og nuditas criminalis , den som er knyttet til begjær og forfengelighet . Et annet hyppig element av naken i middelalderkunsten — spesielt i Apocalypses of the Blessed — var representasjonen av de døde, som et symbol på å fjerne alt jordisk. [ 41 ]

Kristen teologi delte mennesket inn i en forgjengelig kropp og en udødelig sjel, sistnevnte var den eneste som ble ansett som noe dyrebart som måtte bevares. Da de hedenske religionene forsvant, gikk det meste av det ikonografiske innholdet knyttet til naken tapt, noe som var begrenset til de få delene av Den hellige skrift som rettferdiggjorde det. I de få tilfellene med representasjon av naken, er de kantete og deformerte figurer, langt fra den harmoniske balansen til den klassiske naken, når de ikke er bevisst stygge og mishandlede former, som et tegn på forakten som ble følt for kroppen, som ble ansett som et enkelt vedheng til sjelen. . I de få representasjonene av den kvinnelige naken - vanligvis figurer av Eva - er de figurer med en hoven mage, smale skuldre og rette ben, selv om ansiktet i stedet vanligvis er bearbeidet på en personlig måte, noe som ikke skjedde i gamle tider. [ 42 ]

Menneskefiguren ble utsatt for en stiliseringsprosess, der den naturalistiske beskrivelsen går tapt for å understreke den kristne religionens transcendente karakter og symbolspråk, parallelt med tap av perspektiv og geometrisering av rommet, noe som resulterer i en type representasjon. der det symbolske innholdet betyr mer, budskapet som ligger i bildet, enn beskrivelsen av virkeligheten. Den kristne religionen, påvirket av den platoniske ideen om kroppen som et fengsel for sjelen, mistet interessen for studiet av naturalistiske anatomiske former, og fokuserte representasjonen av mennesket på uttrykksevne. [ 43 ]

Selv om studiet av proporsjoner i menneskekroppen i middelalderen gikk tapt, var det gjenstand for en kosmogonisk symbolologi med matematiske og estetiske anvendelser: homo quadratus . Med utgangspunkt i det platoniske korpus betraktet middelalderkulturen verden som et stort dyr – og derfor som et menneske – mens mennesket ble unnfanget som en verden, et mikrokosmos i skapelsens store kosmos. Denne teorien knyttet symbologien til tallet fire til naturen, som igjen ble brukt på kunst: det er fire kardinalpunkter , fire årstider , fire månefaser , fire hovedvinder ; og fire er tallet på mennesket, en teori som går tilbake til Vitruvius og hans oppfatning av mennesket som et ideelt kvadrat , bredden på hans utstrakte armer tilsvarer hans høyde. [ 44 ]

I sin begynnelse hadde kristendommen – fortsatt under sterk jødisk innflytelse – forbudt ikke bare naken, men nesten ethvert bilde av den menneskelige figuren, siden det var en overtredelse av det andre budet, og fordømte hedenske avguder som bolig for demoner. Det faktum at mange hedenske guder var representert i maleri og skulptur i menneskelig form, og ved mange anledninger naken, gjorde at de tidlige kristne identifiserte nakenen med hedensk avgudsdyrkelse , hvis de ikke direkte så en diabolisk kobling. Imidlertid førte slutten på hedenskapen og assimileringen av nyplatonisk filosofi med kristen moral til aksept av kroppen som en beholder for ånden, og nakenhet som en forringet tilstand av mennesket, men naturlig og akseptabel. Likevel mistet middelalderkunsten fullstendig konseptet om kroppslig skjønnhet som er iboende i klassisk kunst, og når det ble representert – i de bibelske passasjene som krevde det, som for eksempel Adam og Eva – var de deformerte kropper, redusert til grunnleggende linjer, med minimaliserte seksuelle egenskaper, lite attraktive kropper, mangel på estetiske kvaliteter. Den gotiske perioden var et sjenert forsøk på å gjenskape menneskefiguren, mer forseggjort og basert på mer naturalistiske premisser, men under en viss konvensjonalisme som utsatte former for en stivhet og en geometriserende struktur som underordnet kroppen til det symbolske aspektet av bildet, alltid under premisser av kristen ikonografi. [ 45 ]

De få representasjonene av naken i middelalderkunsten var begrenset til bibelske passasjer som rettferdiggjorde det, for eksempel Adam og Eva i paradiset eller martyrdøden og korsfestelsen av Jesus Kristus . Bildet av Jesus på korset hadde to hovedikonografiske transkripsjoner: det av Kristus avkledd, kalt "av Antiokia", og det av Forløseren i en tunika, kalt "av Jerusalem". Til tross for dens puritanske natur og i motsetning til den tidlige kristendommens nakenhet, var det imidlertid nakenversjonen som triumferte og ble akseptert som den kanoniske versjonen av temaet, spesielt siden den karolingiske epoken . Kristi lidelse på korset har alltid vært gjenstand for stor dramatikk, og det er grunnen til at den på en viss måte ble knyttet til den hellenistiske patosen , med bilder der naken er bærer av et intenst uttrykk for lidelse, som anatomien for. er vist deformert, ustrukturert, utsatt for følelsesmessige uttrykk for smerte. En typisk holdning er den til Jesus med hodet senket til den ene siden og kroppen på skrå for å kompensere for kroppens stilling, merkbar for første gang i bønneboken til Karl den Skallede og i Gero-korset i Kölnerdomen ( 1000-tallet), og som senere skulle inkludere en liten modifikasjon, med kroppen mer buet og knærne bøyd, som i de malte korsene til Cimabue . I Nord-Europa rådde imidlertid et enda mer dramatisk bilde av korsfestelsen, der angsten når veritable paroksysmenivåer, som i Isenheim-altertavlen av Matthias Grünewald . [ 46 ]

Tidlig kristen kunst forvandlet en rekke klassiske motiver til kristne scener: dermed ble den gamle Hermes Moscóforo bildet av Jesus som den gode hyrden, og Orfeus ble Kristus velgjøreren. Fra det bibelske repertoaret, bortsett fra Adam og Eva, ble profeten Daniel ofte avbildet naken blant løvene, et bilde bevart i et veggmaleri på Giordano-kirkegården i Roma (4. århundre), og i en sarkofag i Johanneskirken. av Lateran . [ 47 ]

I romansk kunst var de få representasjonene av naken - vanligvis begrenset til passasjene i 1. Mosebok om Adam og Eva - av grunnleggende linjer, der kvinnens figur knapt ble skilt fra mannens figur ved brystene, redusert til to formløse. fremspring . De var grove og skjematiske figurer, som helst viste en skamholdning, og dekket sine private deler med pynt. Dette vises i eksempler som relieffene av skapelsen , fallet og utvisningen av bronsedørene til katedralen i Hildesheim ( cirka 1010), i Adam og Eva på fasaden til katedralen i Modena , arbeidet til Wiligelmus ( cirka 1105), eller i skapelsen av Adam og Adam og Eva i Mesteren av Maderuelos paradis ( Prado - museet ) . [ 48 ] ​​I andre tilfeller oppfattes total eller delvis nakenhet i scener av helgeners martyrdød, slik som Saint Gabino og Saint Cyprian i Saint-Savin-sur-Gartempe ( Poitou ). De samme ikonografiske temaene, behandlet kanskje mer fritt, kan sees i illustrerte miniatyrer , som Adam og Eva fra Virgilian Codex ( El Escorial Monastery ), eller The Baptism of Christ from the Vyšehrad-evangelium (1085, Universitetet i Praha ). [ 49 ]

I gotisk kunst begynte naken å bli smidd hovedsakelig i det germanske miljøet, på begynnelsen av 1200-tallet . De første uavhengige og naturlige figurene som representerer en naken er Adam og Eva i Bamberg-katedralen ( ca. 1235), som fortsatt ser ut som to søyler med stive og hieratiske former, men behandlet med en viss adel. [ 50 ] På dette tidspunktet ble det ikonografiske repertoaret utvidet noe, spesielt med innlemmelsen av den siste dommen , fra kapittel 24 og 25 i Saint Matteus – inntil da endte de fleste scener av den bibelske historien representert i katedralrelieffene med Apokalypsen . Scenen for kjødets oppstandelse tenkte på at kroppene var nakne, mens de var gjenfødte sjeler, måtte de representeres i henhold til parametere for perfekt skjønnhet, som kunstnerne så igjen på verkene til klassisk gresk-romersk kunst, som dukket opp behandlet som Speculum of Vincent de Beauvais , som inneholdt instruksjoner for kunstnere basert på gamle klassiske avhandlinger. Naturstudier begynte igjen, med data som indikerte at noen kunstnere dro til offentlige bad for å studere kroppen mer detaljert, som man kan se i den siste dommen i Bourges-katedralen , med mer naturalistiske former, som minner om figurer fra antikkens sarkofager. I dette verket har kvinnen i sentrum mer feminine former, og holdningen hennes i contrapposto har en viss polykletisk luft, selv om formene hennes er stiliserte og lite sensuelle, med små og adskilte bryster, flat mage og reduserte hofter. [ 51 ]

Litt etter litt fikk den gotiske nakenen mer naturlighet og anatomisk presisjon, mens det tematiske repertoaret ble utvidet og bruken av nakenfiguren ble utvidet på alle kunstens områder, ikke bare i skulptur og miniatyr, men også i altertavler . , beiset . glass , korboder, gullsmed m.m. Noen av de nye temaene som ble representert var den hellige Hieronymus og andre asketer, fratatt alt materiell i kraft av deres avståelse fra jordiske goder, eller kvinnelige skikkelser som Maria Magdalena og Maria av Egypt . Noen ganger er slangen som fristet Eva i paradiset eller dragen beseiret av Saint George også representert i naken menneskelig form . [ 52 ] Større sensualitet ble gitt til visse gammeltestamentlige kvinneskikkelser, som Batseba , Susanna , Judith , Delila og Salome . Jomfru Maria fikk til og med noen ganger lov til å vise et bryst i kraft av å amme spedbarnet Jesus, som i The Virgin and Child (1450, også kalt Madonna of the Red Angels ) av Jean Fouquet . [ 53 ]

På begynnelsen av 1300-tallet ble fasaden til Orvieto-katedralen laget , et verk av Lorenzo Maitani , hvor han viste en stor serie nakenbilder som ser ut til å vise kunstnerens personlige interesse for emnet, siden han valgte alle fagene som rettferdiggjør det: skapelsen , menneskets fall , den siste dommen . Hans Eva som stiger opp fra Adams side er utvilsomt inspirert av de gamle Nereide-sarkofagene, og viser for første gang en viss idealisme, en oppfatning av kroppen som en beholder for sjelen og som sådan verdig å ta hensyn til. The Last Judgment , derimot, fremstår nordisk-inspirert, i en broket scene som minner om kampsarkofager eller eldgamle scener av døende gallere. [ 54 ]

På 1400-tallet hadde nakenen en større spredning, innrammet i den fasjonable trenden på den tiden, den såkalte " internasjonale gotikken ", som dukket opp mellom Frankrike , Burgund og Nederland rundt år 1400 . En av dens første eksponenter var The Very Rich Hours of the Duke of Berry av Limbourg-brødrene (1416), der en scene fra Sin and the Expulsion from Paradise viser Evas utvikling fra livets naturlighet i Eden til skam. og utvisning fra Paradise, hvor hun tar form av en Pudic Venus som dekker seg med et fikenblad . Hennes langstrakte, svulmende form, med små bryster og en svulmende mage, ble prototypen på den gotiske kvinnelige naken, som skulle vare i to hundre år. Dette kan sees i figurer som Eve of the Ghent Polyptych av Jan van Eyck , i Adam and Eva av Hugo van der Goes og i Rogier van der Weyden , eller i andre kvinnelige skikkelser som Vanity av Hans Memling eller Judith av Conrad Meit , der den beskjedne middelalderholdningen som beskrev naken som noe skammelig, gradvis viker for mer sensuelle, mer provoserende, mer kjødelig menneskelige skikkelser. [ 55 ] I Spania var det noen sjenerte forsøk på nakenhet fjernt fra enhver sensualitet, alvorlig, behersket, slik som Kristi nedstigning i Limbo av Bartolomé Bermejo , Martyrdommen til Santa Catalina av Fernando Gallego - sirkelen , figuren til julenissen. Tecla i høyaltertavlen i Tarragona-katedralen , av Pere Johan (1429), eller Halshuggingen av den hellige Cucufate (1504-1507), av Aine Bru . [ 56 ]

Den mer eller mindre naturalistiske naken begynte å dukke opp i pre-renessansen Italia , vanligvis i form av allegorier , som bildet av Fortitudo i dåpskapellet i Pisa , verket til Nicola Pisano , som litt fremkaller en polykletisk idrettsutøver; eller figuren av Temperance i en prekestol i katedralen i Pisa (1300-1310), av Giovanni Pisano , i form av en beskjeden Venus som dekker hennes intime deler med armene. [ 57 ] Det er også merkbart i arbeidet til Giotto , spesielt i hans siste dom i Scrovegni - kapellet i Padua . [ 58 ]

Adam and Eva and the Tree of Good and Evil , miniatyr fra Codex Aemilianensis (994), Royal Library of San Lorenzo de El Escorial .   The Creation with the Universe and Cosmic Man , miniatyr fra Liber Divinorum Operum (1230), av Hildegard av Bingen , Statsbiblioteket, Lucca .   Martyrdom of Saint Catherine (andre halvdel av 1400-tallet), sirkel av Fernando Gallego , Prado-museet , Madrid .   Nedstigning fra korset (1436), av Rogier van der Weyden , Museo del Prado , Madrid .   Vanity (1485), av Hans Memling , Strasbourg Museum of Fine Arts .

Tidlig moderne kunst

Tidlig moderne kunst – ikke å forveksle med moderne kunst , som ofte brukes som et synonym for samtidskunst – [ note 3 ] utviklet seg mellom 1400- og 1700-tallet . Den moderne tidsalder førte til radikale endringer på det politiske, økonomiske, sosiale og kulturelle nivået: konsolideringen av sentraliserte stater førte til etableringen av absolutisme ; de nye geografiske oppdagelsene – spesielt det amerikanske kontinentet – åpnet en æra med territoriell og kommersiell ekspansjon, som førte til begynnelsen av kolonialismen ; oppfinnelsen av trykkpressen førte til en større spredning av kultur , som ble åpnet for alle typer publikum; religion mistet overvekten den hadde i middelalderen, noe som ble hjulpet av fremveksten av protestantismen ; Samtidig dukket humanismen opp som en ny kulturell trend, og ga plass til en mer vitenskapelig oppfatning av mennesket og universet. [ 59 ]

Renessanse

Dukket opp i Italia på det femtende århundre ( Quattrocento ), og spredte seg over resten av Europa fra slutten av det århundret og begynnelsen av det XVI . Kunstnerne var inspirert av klassisk gresk-romersk kunst , og derfor ble det snakket om en kunstnerisk "renessanse" etter middelalderens obskurantisme. Stil inspirert av naturen dukket opp nye representasjonsmodeller, for eksempel bruk av perspektiv . Uten å gi avkall på det religiøse temaet, ble representasjonen av mennesket og dets miljø mer relevant, og dukket opp nye temaer som mytologiske eller historiske , eller nye sjangre som landskap eller stilleben , som påvirket revitaliseringen av naken. Skjønnhet sluttet å være symbolsk, som i middelalderen, for å ha en mer rasjonell og målt komponent, basert på harmoni og proporsjoner . [ 61 ]

Renessansekunst, parallelt med den humanistiske filosofiens antroposentrisme , som gjorde mennesket til sentrum for det nye verdensbildet i den nylig innviede moderne tidsalder, var basert på studiet av anatomi for å bedre artikulere representasjonen av menneskekroppen. I 1543 ble De humani corporis fabrica av Andrés Vesalio publisert , en anatomisk studie av kroppen basert på disseksjoner, der, sammen med teksten, skilte seg ut flere illustrative plater av menneskekroppen, tilskrevet Jan van Calcar , som fungerte som en grunnlag for andre kunstnere for sine bilder, i økende grad basert på objektiv realisme. Det skal bemerkes at bokens tallerkener ble unnfanget med kunstneriske kriterier, som viser skjeletter og flådde figurer i kunstneriske positurer eller i gestikulerende, nærmest teatralske holdninger. [ 62 ]

Nakenen fra renessansen var inspirert av klassiske gresk-romerske modeller, men med en annen funksjon enn den den hadde i antikken: hvis den mannlige nakenen i Hellas eksemplifiserte heltefiguren, har nakenen i renessansens Italia en mer estetisk karakter, mer knyttet til en ny måte å forstå verden på vekk fra religiøse forskrifter, mennesket igjen som universets sentrum. På den tiden skilte den kvinnelige nakenen seg hovedsakelig ut på grunn av patronage av adelsmenn og rike kjøpmenn som dermed demonstrerte sin privilegerte posisjon i samfunnet. Dermed ble sekulariseringen av naken forfalsket, og beveget seg fra middelalderske til profane religiøse temaer, noen ganger med noe tvungne forsøk på å rettferdiggjøre denne typen representasjon utenfor den religiøse sfæren: hovedverkene til Botticelli , Spring og The Birth of Venus , representerer det neoplatoniske konsept som Marsilio Ficino ekstrapolerte fra myten om Venus som idealet om den dydige kvinnen, der til tross for hennes nakenhet etter fødselen i voksen alder, hennes første reaksjon er å dekke seg til, etter det eldgamle konseptet om « Pudic Venus ». [ 64 ]

Renessansekunsten gjenopprettet den klassiske naken som et eksempel på ideell skjønnhet, både fysisk og moralsk. Naken var det perfekte påskuddet for enhver komposisjon, fra den mest naturalistiske til den mest symbolske, sistnevnte uttrykt gjennom flere allegorier og personifikasjoner. Til tider var renessansens representasjon av menneskekroppen den av naken for naken skyld, en slags kunst for kunstens skyld som ofte forvrengte selve motivet i maleriet, enten det er religiøst eller mytologisk. [ 65 ] I renessansen sluttet nakenen å være en kilde til skam og fikk i motsetning en ny heroisk eller til og med hellig karakter ( sacra nuditas ). [ 66 ] I følge Louis Réau ( Iconography of Christian Art , 1955), "betraktet renessansekunstnere representasjonen av menneskekroppen i dens triumferende nakenhet som det primære objektet for plastisk kunst." [ 66 ]

På samme måte var nakenen til stede både i de store kunstene og i endeløse mindre kunst og gjenstander, fra lysestaker til kniver og dørhåndtak. En slik overflod av nakenrepresentasjoner ble unnskyldt av Benvenuto Cellini med den begrunnelse at "menneskekroppen er den mest perfekte av former", så det er ikke overraskende at det ofte er representert. [ 67 ] På den annen side, på et ikonografisk nivå, selv om et økende antall mytologiske verk begynte å bli utført, fortsatte det meste av den kunstneriske produksjonen å være religiøs, noe som ga en merkelig symbiose mellom de mytiske figurene til den klassiske naken og den mest rettferdiggjort kristne karakterer til å virke naken; dermed ser vi hvordan Isak-figuren fra Isaac - offeret av Ghiberti presenterer den klassiske typologien til The Children of Niobe , hvordan Kristus-figuren som ligger i Donatellos begravelse minner om den klassiske Meleager , eller holdningen til Eva fra The Expulsion. av paradisMasaccios er Venus Pudica. [ 68 ]

I løpet av 1400-tallet overlevde visse former arvet fra gotisk kunst fortsatt i Italia, selv om de litt etter litt vant i naturalisme og sannhet. Slik oppfattes det i arbeidet til kunstnere som: Masaccio ( The Punishment of Adam and Eva , 1425-1428); Masolino da Panicale ( Adams og Evas fristelse, 1426-1427); Antonello da Messina ( Saint Sebastian , 1476; Død Kristus støttet av en engel , 1476-1479); og Andrea Mantegna ( Calvary , 1458; Bacchanal with Cask , 1470; Lamentation over the Dead Christ , ca. 1475-1490; Parnassus , 1497; Venus, Mars og Diana , udatert; Saint Sebastian , tre versjoner i 14859, og 1 1490) osv. Det samme skjedde på skulpturfeltet med Lorenzo Ghiberti , forfatter av Paradisporten i dåpskapellet i Firenze (1425-1452), med sine scener av Skapelsen av Adam og Eva , Originalsynden og Utdrivelsen fra paradiset . [ 69 ]

Et av de første verkene som brøt med fortiden og representerte en retur til klassiske kanoner var Donatellos David ( ca. 1440), et verk med stor originalitet som var forut for sin tid, siden det i de neste femti årene ikke fantes verk med som kan sammenlignes. Donatellos modell var imidlertid ikke så atletisk som de greske verkene, og presenterte de grasiøse og slanke formene til en gutt i full ungdomstid . På samme måte, i stedet for stillheten til apollonsk skjønnhet, oppfattes sensualiteten til dionysisk skjønnhet, og Goliats hode ved føttene til den jødiske kongen minner om det til en satyr som pleide å pryde bunnen av statuer av vinguden. . Donatello avvek også fra de klassiske proporsjonene, spesielt i overkroppen, hvor det i motsetning til polycletiana cuirasse esthétique er midjen som utgjør ryggraden i kroppen. [ 70 ]

Etter Donatello ble naken mer dynamisk, spesielt i Firenze med arbeidet til Antonio Pollaiuolo og Botticelli , og i Umbria med Luca Signorelli , opptatt av representasjon av bevegelse, energi, ekstatisk følelse. I sine malerier av The Labours of Hercules in the Medici Palace (1460) gjenvunnet Pollaiuolo den "heroiske diagonalen" til gresk skulptur, og viste stor virtuositet i representasjonen av naken i aksjon - ifølge Vasari er hans behandling av naken "er mer moderne enn noen av mesterne som har gått foran ham. Pollaiuolo gjorde dyptgående studier av anatomi, Vasari tilsto at han dissekerte lik, spesielt studerte muskler. På denne måten beveget han seg bort fra den gresk-romerske klassisismen, som selv om de var basert på formenes naturalisme, ble idealisert, langt fra den anatomiske realismen introdusert av Pollaiuolo, som vist i hans Hercules and Antaeus (1470), hvis spenning ved knusing helten kroppen til giganten betegner detaljene i den anatomiske studien utført av forfatteren. Sammen med sin bror Piero laget han The Martyrdom of Saint Sebastian (1475), som igjen viser hans anatomistudier, spesielt i bueskytteren med et rødt ansikt fra strevet med å tegne buen. [ 71 ]

Luca Signorelli var en annen eksponent for den dynamiske, anatomiske nakenen, spesielt for hans kantete, brede og faste skuldre, som betyr inneholdt energi, samt forenklingen av visse deler av kroppen med motsatte volumer - skuldre og rumpe, bryst og mage - , som gir figurene hans en tett plastisitet, en viss taktil kvalitet. I sine fresker i Orvieto-katedralen (1499-1505) presenterte han muskuløse figurer, med markerte konturer, med en latent dynamisk spenning, som i figurene hans i The Blessed and The Damned . De spente og dynamiske nakenbildene til Pollaiuolo og Signorelli initierte en mote for "kamper med nakne menn" som skulle vare fra 1480 til 1505, uten spesiell ikonografisk begrunnelse, ganske enkelt på grunn av deres estetikk - det de i Firenze kalte bel corpo ignudo - , og som er betegnet i slike verk som slaget ved Bertoldo di Giovanni (1480), Rafaels kampmenn eller slaget ved kentaurene (1492), og Michelangelos slaget ved Cascina (1504) . [ 72 ]

Botticelli laget svært intellektualiserte nakenbilder, med en sterk symbolsk ladning, relatert til den nyplatoniske skolen i Firenze, som var hovedansvarlig for gjenopprettingen av den kvinnelige nakenen etter middelalderens moralistiske periode. Marsilio Ficino , en av skolens hovedteoretikere, gjenfunnet Venus -skikkelsen som en modell av dyder og mystisk opphøyelse, og motarbeidet to skikkelser fra Platons bankett , den himmelske Venus ( Venus Coelestis ) og den verdslige ( Venus Naturalis ). som symboliserer det som er guddommelig og jordisk hos kvinner. Denne symbolikken ble utmerket behandlet av Botticelli i hans to hovedverk: Våren (1481-1482) og Venus' fødsel (1484). For å gjøre dette ble han inspirert av de få restene av klassiske verk som han hadde innen rekkevidde, noen sarkofager, juveler, relieffer, keramikk og tegninger, og han skapte en arketype av skjønnhet som ville bli identifisert som det klassiske skjønnhetsidealet siden renessansen. På våren gjenvunnet han sjangeren mouillée draperi , med fine halvtransparente stoffer som avslører omrisset av kroppen, med en følelse av klassisisme fra maleriene til Pompeii og Herculaneum eller stukkaturene til Prima Porta og Hadrians villa. Imidlertid beveget Botticelli seg bort fra den volumetriske karakteren til den klassiske naken, med skjøre og slanke figurer som reagerte mer på det moderne konseptet om menneskekroppen, mens ansiktene deres er mer personlige og humaniserte enn de ideelle klassiske prototypene. I The Birth of Venus , malt etter oppholdet i Roma , hvor han malte sine fresker til Det sixtinske kapell , viste han en renere klassisisme, takket være sin kontakt med de romerske antikviteter som er tilstede i pavenes by. Dermed er hans Venus allerede fratatt alle klær og enhver form for moralistisk hindring, og forlater definitivt middelalderkunsten for å gå helt inn i moderniteten. Det ikonografiske temaet ble hentet fra noen vers av Giostra av Angelo Poliziano , [ note 4 ] inspirert av en homerisk passasje som, ifølge Plinius , allerede var malt av Apelles i hans verk Aphrodite Anadyomene . Den vakre aristokraten Simonetta Vespucci fungerte som hans modell , hvis figur, til tross for klassisismen i komposisjonen, reagerer mer på gotiske kriterier, ikke så mye når det gjelder proporsjoner, men når det gjelder rytme og struktur: dens buede form betyr at figuren er ikke jevnt fordelt, men vekten faller mer til høyre, og den bølgende bevegelsen av omrisset og håret gir en følelse av å sveve i luften. Den ikonografiske typen er Venus Pudica, som dekker hennes intime deler med armene, et opplegg som hun delvis gjentok i figuren Sannheten om La Calumny de Apelles , langt fra noen klassisk komponent. Andre verk av Botticelli der de vises nakne er: Saint Sebastian (1474), The Story of Nastagio degli Onesti (1482-1483), Venus and Mars (1483), Pietà med Saint Hieronymus, Saint Paul og Saint Peter (1490-1492) ) og Klage over den døde Kristus (1492-1495). [ 73 ]

Piero di Cosimo , som også portretterte Simonetta Vespucci som Cleopatra (1480), var en original kunstner utstyrt med stor fantasi, med verk inspirert av mytologi, med en noe eksentrisk luft, men utstyrt med stor følelse og ømhet, hvor figurene — sammen med et stort utvalg av dyr – er nedsenket i omfattende landskap: Vulcan og Aeolus som lærere av menneskeheten (1490), Venus, Mars og kjærlighet (1490), The misfortunes of Silenus (1500), The death of Procris (1500), The Discovery av honning (1505-1510), slaget ved Lapitas og kentaurer (1515), Myten om Prometheus (1515), etc. [ 74 ]

En mer rolig klassisisme oppfattes i det sentrale Italia, som i Adams død (1452-1466) av Piero della Francesca , hvis nakne figurer har tyngdekraften til skulpturen til Phidias eller Polykleitos , eller Apollo og Marsyas (1495) av Perugino , av en klar Praxitelian luft. Denne klassisismen kulminerte i Rafaels Parnassus (1511) , utvilsomt inspirert av Belvederes Apollo – som ble oppdaget i 1479 – hvorfra han ikke bare fikk dens slanke anatomi, men også dens rytme, nåde og harmoni, glimtet i helgenen, poeter og filosofer fra Stanze . Imidlertid gjenskapte han ikke bare de klassiske figurene, men tolket dem heller i henhold til sin designsans, en søt og harmonisk oppfatning av kunstnerens estetiske ideal. [ 75 ] På den annen side var Raphael, hvis verk presenterer en synoptisk visjon om ideell skjønnhet, i stand til å trekke ut den mest idealistiske perfeksjon fra den mest sensuelle av sansene. I The Three Graces (1505) utdypet han enkle former, ikke like eteriske som den grasiøse Botticellianske Venus, men av en klassisisme som mer enn kopiert fra antikken virker medfødt for kunstneren, en noe naiv klassisisme, men med frisk vitalitet. I sin Adam og Eva (1508) fra de pavelige rommene, gjenga Raphael den kvinnelige formen til den første kvinnen påvirket av Leonardos Leda , med en noe knotete volumetri. Senere, fra hans arbeid i La Farnesina, Agostino Chigis rekreasjonsvilla , skiller hans Triumph of Galatea (1511) seg ut, inspirert av maleriene i Neros Domus Aurea , og som Raphael anerkjente at han hadde brukt forskjellige deler av forskjellige modeller for, siden ingen virket perfekt nok for ham - som, ifølge legenden, Apelles også gjorde . [ 76 ]

I stedet beveget Leonardo Da Vinci seg bort fra de klassiske kanonene, med naturalistiske figurer designet i henhold til hans omfattende studier av anatomi. Opprinnelig inspirert av de energiske formene til Pollaiuolo, er Slaget ved Anghiari påvirket av Michelangelos Slaget ved Cascina . Deretter ga hans fordypning i anatomi figurene hans med en rungende realisme, der vitenskapelig interesse kan skimtes, men samtidig betegner de en viss heroisk holdning, av moralsk og menneskelig verdighet, som ga dem en rolig vital intensitet. [ 77 ] Men til tross for denne interessen for anatomi som han reflekterte i hundrevis – kanskje tusenvis – av tegninger, som i dag er spredt over flere museer og private samlinger, i maleriene hans laget han knapt noen få representasjoner av naken, [ 78 ] som Bacchus (eller døperen Johannes , 1510-1515), eller hans Leda og svanen , som han laget minst tre versjoner av mellom 1504 og 1506, og som er rettferdiggjørelsen av den nakne kvinnen som et symbol på kreativt liv , og ikke lenger som et uoppnåelig ideal. [ note 5 ] For Leonardo tjente studiet av anatomi ham mer til å kjenne proporsjonene til figuren som skulle representere – selv om den senere ble kledd –, ikke som et mål i seg selv; således er det for eksempel en halvnaken tegning av den berømte Mona Lisa , La Gioconda (1503), for tiden i Musée Condé de Chantilly . [ 79 ]

Kulminasjonen av renessansen naken kom i arbeidet til Michelangelo , for hvem den nakne menneskekroppen hadde en guddommelig karakter som ga den en verdighet uten sidestykke i noen annen moderne naken. På grunn av sin neoplatoniske overbevisning idealiserte han på en ekstrem måte følelsen han følte før mannlig skjønnhet, slik at sensualiteten til hans nakenbilder blir noe transcendentalt, uttrykket for noe overlegent og immateriellt, unnvikende, oppløftet, rent, uendelig. Hans skikkelser er på en gang kommanderende og bevegende, av stor kraft og stor lidenskap, av rungende vitalitet og intens åndelig energi. Selv hans religiøse verk har mistet lidelsens patos som ligger i figuren til den korsfestede Kristus for å vise Frelseren med en åndelig ro som genererer medfølelse mer for hans skjønnhet enn for hans smerte, som i Vatikanet Pietà (1498-1499). [ 80 ] Hans første nakentegninger viser livligheten i hans nervøse artikulasjoner, allerede langt fra de glatte klassiske konturene, med en rik modellering langt fra noen proporsjon eller geometrisk skjema. Anatomien hans er knudrete og stram, dynamisk, hvor tykkelsen på overkroppen skiller seg ut, med markerte muskler og solide konturer, som overdriver effekten av torsjon og forkortede figurer, som i den fulle Bacchus (1496-1497), en av hans første store skulpturer. David (1501-1504) i Firenze bevarer fortsatt den apollonske luften av balansert klassisisme, men tolket på en personlig måte, der overkroppen kan se ut som en gresk statue, men misforholdet mellom hode og lemmer angir spenning og dens trass. uttrykk den beveger seg bort fra den klassiske etosen . Det samme skjer med det dramatiske uttrykket til hans slaver i Louvre ( Slave moribundo og Esclavo heroico , 1513), som minner om de niobide skikkelsene fra hellenistisk kunst , og betegner innflytelsen fra Laocoon (Michelangelo var en av de første som så skulpturen gruppe , avdekket i 1506 nær San Pietro in Vincoli ). På samme måte minner figurene hans for Medici-gravene (1524) om greske verk: de mannlige ( Dagen og Skumringen ) ligner Belvedere Torso , og de kvinnelige ( Daggry og Natten ) ligner Vatikanets Ariadne . [ 81 ]

Deretter ble ideen hans om en rungende og levende anatomi, men ladet med emosjonell intensitet, nedfelt i hans Adam av det sixtinske kapell (1508-1512), som minner om Dionysos av Parthenon- pedimentet , men med en livsviktig ladning langt borte fra den harmoniske fidian- skulpturen . På samme måte har skikkelsene til idrettsutøvere (vanligvis kalt ganske enkelt ignudi , "nakne") på taket av det sixtinske, balansen av atletisk energi sammen med transcendensen av deres hellige oppdrag – de representerer sjelene til bibelske profeter. – og utøver harmonisk formidling av det. rolle mellom den fysiske og åndelige verden, slik at dens fysiske skjønnhet er en refleksjon av guddommelig perfeksjon. I andre scener som Universalflommen (1509) viser han også spreke skikkelser hvis fysiske kraft avslører deres åndelige styrke. The Creation of Eva (1509-1510) presenterer en rund, sprek kvinneskikkelse med svært markerte konturer. På den annen side har Kristus fra den siste dommen (1536-1541) høytideligheten til en Apollo forstått som sol justitiae , men med en rundhet — tydelig i hans nesten firkantede overkropp — som allerede er langt unna de klassiske kanonene. Hans representasjon av Jesus er ikke lenger den typiske skjeggete figuren i den bysantinske tradisjonen , men snarere bildet av en olympisk gud eller en hellenistisk konge, nærmere Alexander den store enn en jødisk snekker, med en mer atletisk bygning enn man kunne forvente av ham Kristen asketisk mystiker. [ 82 ] I sine siste verk, de tre fromhetene (den fra Palestrina , den fra Duomo og Rondanini Pietà ), forlot han fullstendig idealet om fysisk skjønnhet, med figurer som var forvrengt (Palestrina), kantete (Duomo) eller skjematiske. nær det gotiske (Rondanini). [ 83 ]

Den første som fullt ut forstod, siden den store tidsalderen for gresk skulptur, identiteten til naken med stor figurativ kunst, var Michelangelo. Før ham hadde det blitt studert for vitenskapelige formål, som en ressurs for å fange figuren pakket inn i klær. Michelangelo så at det innebar et mål i seg selv og gjorde naken til det øverste målet for kunsten hans. For ham var kunst og naken synonymt. Bernard Berenson , The Italian Painters of the Renaissance (1954). [ 84 ]

The Martyrdom of Saint Sebastian (1475), av Antonio og Piero Pollaiuolo , National Gallery , London .   Portrett av Simonetta Vespucci (1480), av Piero di Cosimo , Condé Museum , Chantilly .   Klagesang over den døde Kristus (1480-1490), av Andrea Mantegna , Pinacoteca di Brera , Milano .   The Resurrection of the Flesh (1499), av Luca Signorelli , kapell i San Brizio, Orvieto-katedralen .   La Fornarina (1518-1519), av Raphael , Nasjonalgalleriet for antikkens kunst , Roma .

På 1500-tallet hadde nakenen en bred spredning takket være de publiserte graveringene på klassiske gresk-romerske verk, spesielt de produsert av Marcantonio Raimondi . Så oppsto den venetianske skolen , som ga viktige bidrag til naken, ikke bare i kontinuiteten til visse klassisistiske tilnærminger, men også i innovasjonen og eksperimenteringen av nye tekniske og stilistiske veier. Venetianerne klarte å harmonisere naken i mer forseggjorte komposisjoner, enten innendørs eller innenfor rammen av et naturlig landskap, mens deres kromatiske og lysinnovasjoner ga større realisme og sensualitet til nakenen, med store og sprudlende figurer som begynner å bevege seg bort fra klassisk kanon. Dette kan sees i Damen ved sminkebordet hennes av Giovanni Bellini (1515), selv om den viktigste initiativtakeren til denne stilen var Giorgione , som var den første som strukturerte den kvinnelige nakenen innenfor et generelt dekorativt opplegg, som i freskene hans i Fondaco dei Tedeschi (1507-1508, nå savnet), i hans Country Concert (1510) eller i hans Sovende Venus (1507-1510), hvis tilbakelente holdning er blitt kopiert til kvalme. Det skal bemerkes at den fysiske typologien til Giorgiones nakenbilder, sjenerøst proporsjonerte og vid midje, ville dominere den venetianske kvinnelige nakenen i lang tid, og at den gikk gjennom Dürer til Tyskland og de lave landene , og varte i barokken i arbeidet til kunstnere som Rubens . [ 85 ]

En tidlig etterligner av Giorgione var Titian , hvis Venus av Urbino (1538) og Venus del Pardo (eller Jupiter og Antiope , 1534-1540) gjengir den samme holdningen som den sovende Venus , men oppnådde større berømmelse. I Amor sacro y amor profane (1514-1515) fanget han myten om Platons bankett om den himmelske og den verdslige Venus gjenvunnet av Ficino og den florentinske nyplatoniske skolen. Den himmelske Venus er den som er naken, etter idealet om den klassiske naken, gitt renheten til hennes moralske dyd, mens det verdslige fremstår kledd på grunn av skammen over hennes umoral. I andre verk fortsatte han med sin prototype av en kvinne med sprudlende og kjøttfulle former, som Bacchus og Ariadne (1520-1523), Penitent Magdalene (1531-1533), Venus gjenskaper seg selv i musikk (1547), Venus med organist, amor og valp (1550), Danae som mottar den gyldne dusjen (1553), Venus prøver å stoppe Adonis (1553), Bortføringen av Europa (1559-1562), Diana og Actaeon (1559), Diana oppdaget svangerskapet til Callisto (1559) , de to Bacchanalene malt for Alfonso I av Este (1518-1526), ​​eller hans Venus Anadiomene (1520) fra Ellesmere-samlingen, hvis uforskammede sensualitet er utgangspunktet for naken som et tema i seg selv, som ville bli gjenvunnet i impresjonismen . [ 87 ]

Titians disipler var Paris Bordone ( Sleeping Venus with Cupid , 1540; Bathsheba's Bath , 1549; Venus, Mars and Cupid , 1560) og Tintoretto , hvis påstand – ikke helt vellykket – var å bringe sammen Michelangelos tegning med fargerike av Titian. Verkene til sistnevnte er store, med en mengde figurer, med blendende lys som reflekterer lyskvaliteten til hans elskede Venezia . I sin utsmykning av det venetianske dogepalasset (1560-1578) utførte han en autentisk apoteose av naken, med flere figurer fra klassisk mytologi ( Mars , Minerva , Mercury , Bacchus , Ariadne , Vulcan , The Three Graces ), i posisjoner der han florerer vanligvis av forkorting i en lang rekke stillinger og perspektiver. Andre nakenverk av ham er: Josef og Potifars kone (1544), Adam og Eva (1550-1552), Venus, Vulkan og Mars (1555), The Liberation of Arsinoe (1555-1556), Susanna og de eldste (1560- 1565), Melkeveiens opprinnelse (1575-1582), Judith og Holofernes (1579), etc. Datteren hans, Marietta Robusti , fulgte i hans fotspor, mens hun tjente som modell for faren ved en rekke anledninger. [ 88 ]

Paolo Veronese mestret også perfekt fargen, klokt kombinert i uendelige nyanser, så vel som komposisjonen, dedikert til å gjenskape overdådige, lekne, dekorative scener, som understreker spektakulæren til Doges Venezia . Selv hans religiøse scener har en festlig, glad, verdslig, noen ganger litt ærbødig karakter. Imidlertid var nakenbildene hans beskjedne, innesluttede, beskjedne, uten å vise noe eksplisitt, bare et bart område mellom tunikaer eller klesfolder, som i La infidelity (1575-1580), Creation of Eva (1575-1580), Mars og Venus ( 1580), Susanna og de eldste (1580) og Venus og Adonis (1580). [ 89 ]

På sin side beveget Correggio seg bort fra all klassisisme for å lage originale komposisjoner som bare var underordnet kunstnerens overfylte fantasi, ikke bare når det gjelder former og figurer, men også i kromatisk lek og lyseffekter, påvirket av Leonardos sfumato I verk som Venus og Amor oppdaget av en Satyr (eller Jupiter og Antiope , 1524-1525), The Education of Cupid (1528), Danae (1530), Leda with the Swan (1531-1532) og Jupiter and Io (1531 ) - 1532), viser figurer i lunefulle, dynamiske posisjoner som skiller seg ut fra resten av maleriet, som er mørkere, og fokuserer dermed hovedinteressen for kunstneren. [ 90 ]

I andre halvdel av 1500-tallet oppsto manerismen , [ note 6 ] som moderne kunst på en viss måte begynner med: ting er ikke representert som de er, men slik kunstneren ser dem. Skjønnhet relativiseres, den går fra renessansens unike skjønnhet, basert på vitenskap, til manerismens mangfoldige skjønnheter, avledet fra naturen. For maneristene er klassisk skjønnhet tom, uten sjel, i motsetning til en åndelig, oneirisk, subjektiv, uregulert skjønnhet - oppsummert i Petrarcas formel non so ché ("jeg vet ikke hva") -. [ 91 ] Den maneristiske naken vil være langstrakt, overdrevet, slank, med en nesten oppriktig eleganse. Del på den ene siden av den formelle forvrengningen til Michelangelo og på den andre siden av elegansen til Parmigianino . Et godt eksempel er Bronzinos Allegory of the Triumph of Venus (eller Allegory of the Passion , 1540-1545) , hvis Venus, så slank og med en nesten ondsinnet holdning, imidlertid fortsetter med sin sikksakk-stilling fra den døde Kristus av Pietà miguelangelesca . Disse slanke figurene med raffinert ynde florerte også av skulptur, fortrinnsvis i bronse, utviklet av kunstnere som Baccio Bandinelli ( Hercules and Cacus , 1534, plassert ved siden av Michelangelos David på Piazza della Signoria i Firenze), Bartolomeo Ammannati ( Leda and the Swan , 1535 ; Venus , 1558; Neptunfontenen , 1563-1565), Benvenuto Cellini ( El Escorial Crucifix , 1539; Francisco I Salt Cellar, 1540-1543; Ganymedes , 1547; Perseus med hodet til Medusa , eller Gi15logna , eller Gi15log54 ) en filister , 1562; Mercury , 1564; Neptune's Fountain , 1565; Florence Victorious at Pisa , 1570; Rape of the Sabine Women , 1582; ​​Hercules and the Centaur Nessus , 1599). [ 92 ] På den annen side ble det tragiske aspektet ved naken – det ved hellenistisk patos – dyrket av Pontormo og Rosso Fiorentino , generelt med religiøse temaer, som bedre kunne uttrykke manieristisk emosjonalitet, som Rossos Moses og døtrene til Jethro (1523), hvis flate og kantede kropper er antitesen til klassisismen. [ 93 ]

• Sovende Venus (1507-1510), av Giorgione , Gemäldegalerie Alte Meister , Dresden .

• Venus Anadyomene (1520), av Titian , National Gallery of Scotland , Edinburgh .

• Venus of Urbino (1538), av Titian , Uffizi Gallery , Firenze .

• Allegory of the Triumph of Venus (1540-1545), av Bronzino , National Gallery , London .

• Perseus med hodet av Medusa (1554), av Benvenuto Cellini , Loggia dei Lanzi, Firenze .

• The Origin of the Milky Way (1575), av Tintoretto , National Gallery , London .

I løpet av 1500-tallet skapte aksepten av naken som et kunstnerisk emne, som spredte seg fra Italia til resten av Europa, en stor etterspørsel etter disse verkene, spesielt i Tyskland og Nederland , av en borgerlig klassepublikum som konsumerte med iver etter denne typen arbeider. Representasjonen av naken nådde en slik grad at den til og med dukket opp på forsiden av Det nye testamentet til Erasmus av Rotterdam . En av de mest populære kunstnerne på dette feltet var Lucas Cranach den eldre , som gjennom arbeidet utviklet en mer personlig versjon av den nordiske nakenen av gotisk opprinnelse som, til tross for at de beholder sine avrundede former, er mer stiliserte og utsatt for klassiske kanoner, med lange og slanke ben, en tynn midje og forsiktig bølgende silhuett, som i Venus og Amor (1509), The Nymph of the Fountain (1518), Lucretia (1525), The Judgment of Paris (1527), Adam and Eva (1528) , Apollo og Diana (1530), The Three Graces (1530), The Golden Age (1530), Venus (1532), Venus and Cupid with the Honeycomb (1534), Allegory of Justice (1537), The Fountain of Youth (1546 ) ), Diana og Actaeon (1550-1553), etc. Figurene hans presenteres med flere rekvisitter (hatter, belter, slør, halskjeder), noe som forsterker erotikken til modellene hans, og etablerer et bildespråk som vil bli gjentatt ofte i fremtiden. [ 94 ]

Albrecht Dürer arvet formene for gotisk kunst så dypt forankret i landet sitt, men den utviklet seg takket være studiet av italiensk renessanseklassisisme. Noen av hans tidlige arbeider viser den gotiske kvinnelige prototypen av langstrakte figurer med små bryster og svulmende mager, som i Hausfrau (1493), Women's Bath (1496) og The Four Witches (1497). Senere viet han seg til studiet av proporsjoner i menneskekroppen, og prøvde å finne nøkkelen til anatomisk perfeksjon, men uten gunstige resultater. Men på denne måten nærmet han seg en viss klassisistisk stil, som angitt i hans Adam og Eva fra 1504, som viser at klassisk harmoni var mer en sinnstilstand enn en kanon av geometriske regler. Likevel var han ikke fornøyd, og i sine siste arbeider vendte han tilbake til de bulbouse formene for gotisk kunst, som i Lucretias død (1518). En utmerket gravør så vel som en maler, noen av hans beste nakenbilder er graveringer, som Berenice , The Thinker's Dream og The Sea Monster , eller allegorier og serien av keiserlige triumfer , eller hans trykk om lidenskapen og døden til Jesus og livet til helgener som Saint Hieronymus, Saint Genevieve og Saint Mary Magdalene. Dürers arbeid påvirket en rekke kunstnere i den germanske verden, i verk der gotiske former er sammenvevd med klassiske idealer, som kan sees i arbeidet til Urs Graf ( The Furious Army , 1520) og Niklaus Manuel Deutsch ( Judgment of Paris , 1516-1528 ). [ 95 ]

Han var også en disippel av Dürer Hans Baldung , forfatter av allegoriske verk med et sterkt moraliserende innhold, generelt med personifikasjoner av døden eller om menneskets tidsalder, og minnet om livets flyktighet: Saint Sebastian Triptych (1507), The Two Lovers and the Døden (1509-1511), De tre aldre av kvinne og død (1510), Eva, slangen og døden (1512), Tre hekser (1514), Døden og en kvinne (1518-1520), forfengelighet (1529), Hercules og Antaeus (1530), Adam og Eva (1535), The Seven Ages of Woman (1544), etc. Hans Holbein den yngre var på sin side fortrinnsvis forfatteren av religiøse malerier og portretter, og omhandlet lite naken, hvorav vi imidlertid må fremheve hans storslåtte Kristi lik i graven (1521). [ 96 ]

I Nederland antok Bosch en viss kontinuitet i de gotiske formene, selv om de ble behandlet med større naturalisme og med en overstrømmende fantasi som ville gjøre arbeidet hans til et under av kreativitet og fantasi. I The Garden of Earthly Delights (1480-1490), The Last Judgment (1482), The Table of Deadly Sins (1485) og The Hay Wain (1500-1502), sprer den nakne, menneskelige eller undermenneskelige formen seg (demoner, satyrer, mytologiske dyr, monstre og fantastiske skapninger), i et paroksysme av begjær som overskrider enhver ikonografisk betydning og kun adlyder kunstnerens febrilske fantasi. Pieter Brueghel den eldre produserte også verk med et bredt panorama og en mengde figurer, med en forkjærlighet for landskapsmaleri og costumbrista-portretter, selv om hans nakenbilder er sjeldne. I stedet er de mer tydelige i arbeidet til hans sønn, Jan Brueghel de Velours , forfatter av landskap der små nakenfigurer sprer seg, i mytologiske eller bibelske scener. I Flandern mottok Jan Gossaert den raphaeleske innflytelsen, og var innlederen i sitt land av den mytologiske fabelen, som i Neptun og Amfitrit (1516), Metamorfosen til Hermafroditus og Salmacis (1520) og Danae som mottok gullregn (1527). [ 97 ]

I Frankrike utviklet kunsten seg raskt fra gotisk til mannerisme, uten å neppe føle den klassisistiske innflytelsen fra den første renessansen, hovedsakelig på grunn av oppholdet i verkene til Palace of Fontainebleau til forskjellige italienske manneristkunstnere ( Rosso Fiorentino , Francesco Primaticcio , Benvenuto Cellini ) , som ga opphav til den såkalte School of Fontainebleau , preget av en høvisk og sensualistisk smak, dekorativ, vellystig, sløvt elegant, dominerende veggmaleri og stukkaturrelieff . De elegante og kantete figurene til Primaticcio, med lange lemmer og små hoder, ble mote og varte i fransk kunst til slutten av 1500-tallet. Noen verk fra denne skolen er av en ukjent kunstner, som Diana the Huntress (ca. 1550) og Portrait of Gabrielle d'Estrées og hennes søster, hertuginnen av Villars (1594), av fin erotikk med en høvisk galanteri. Av kjente kunstnere er: Eva Prima Pandora (1550), av Jean Cousin den eldre ; Dianas bad (1550), av François Clouet ; A Lady's Awakening , av Toussaint Dubreuil ; og i skulptur, Diana the Huntress (1550) av Jean Goujon , og The Three Graces (1560) av Germain Pilon . Nakenen ble også reflektert i det samme miljøet i alle slags mindre kunster, fra billedvev til keramikk og gullsmedarbeid , som den berømte emaljeplaten med historien om Adam og Eva i seks passasjer, av Pierre Rémond . [ 98 ]

I Spania kom renessansens innflytelse sent, med gotiske former som eksisterte til nesten midten av 1500-tallet. For resten var nyvinningene mer stilistiske enn tematiske, og dominerte som i middelalderen det religiøse temaet. El Greco var en av de viktigste innovatørene av spansk maleri på den tiden: utdannet i den venetianske skolen, det er her den intense fargen på verkene hans kommer fra, selv om hans lange og uforholdsmessige figurer viser mer en viss formell ekspresjonisme enn italiensk klassisistisk naturalisme ... Selv om de fleste av verkene hans er religiøse, slutter han ikke i dem å stille ut nakenfigurer mer eller mindre begrunnet i temaet, og kan telle mer enn hundre nakenbilder i hele produksjonen. Dette kan sees i verk som The Martyrdom of Saint Sebastian (1577-1578), Saint John the Baptist (1577-1579), The Trinity (1577-1580), Martyrdom of Saint Maurice (1580-1582), Kristus korsfestet med to givere (1590), The Baptism of the Christ (1596-1600), The Crucifixion (1597-1600), Saint Martin and the Beggar (1597-1600), The Expulsion of the Merchants (1609), Vision of the Apocalypse (1609 ) -1614), Laocoön og sønnene hans (1614), etc. Også som skulptør etterlot han verk som hans Epimetheus og Pandora (1600-1610) i Prado-museet , der realismen til begge karakterenes kjønnsorganer, behandlet uten å nøle, skiller seg ut. [ 99 ]

I resten av den spanske renessansens kunstneriske produksjon hersket dekor og beskjedenhet, gylne regler for spansk kunst som ble opphøyet til kunstteori i avhandlinger som Diálogos de la Pintura av Vicente Carducho , el Arte de la Pintura av Francisco Pacheco , eller det praktiske . taler av Jusepe Martínez . I denne sammenhengen finnes den nakne menneskelige figuren bare i den religiøse sfæren, spesielt i skulpturelle bilder, slik som Saint Sebastian (1526-1532) av Alonso Berruguete , The Burial of Christ av Juan de Juni (1541-1545) eller Penitent Saint Jerome (1598) av Juan Martínez Montañés . Unntakene fra denne regelen er svært sjeldne, for eksempel fresken til Historia de Dánae i Palacio del Pardo (1563), av Gaspar Becerra , med Miguel Angeles-innflytelse. [ 100 ]

The Garden of Earthly Delights (1480-1490), Bosch , Prado-museet , Madrid .   The Three Ages of Woman and Death (1510), av Hans Baldung , Kunsthistorisches Museum , Wien .   Saint Sebastian (1526-1532), av Alonso Berruguete , Colegio de San Gregorio nasjonalmuseum , Valladolid .   The Fountain of Youth (1546), av Lucas Cranach den eldre , Gemäldegalerie Berlin .   Laocoön og sønnene hans (1610-1614), El Greco , National Gallery of Art , Washington DC

Barokk

Barokken [ note 7 ] utviklet seg mellom 1600- og begynnelsen av 1700 - tallet . Det var en tid med store stridigheter på det politiske og religiøse området, med en splittelse mellom de katolske kontrareformistiske landene , der den absolutte staten tok tak , og de protestantiske landene, med et mer parlamentarisk fortegn . Kunsten ble mer raffinert og utsmykket, med overlevelsen av en viss klassisistisk rasjonalisme, men med mer dynamiske og dramatiske former, med smak for det overraskende og anekdotiske, for optiske illusjoner og dramatiske effekter. [ 101 ]

Under barokken fortsatte den kvinnelige nakenen å dominere, som gjenstand for nytelse for den aristokratiske beskytteren, som gjenskapte seg selv i denne typen komposisjoner, der kvinner generelt hadde en underordnet rolle i forhold til menn. Sammen med det mytologiske temaet begynte skikken med å lage allegoriske portretter der nakne kvinner representerte begreper som rettferdighet, sannhet, raushet, etc. [ 102 ] Barokken naken fremhevet effekten av torsjon og dynamikk som er tilstede i mannerisme og i arbeidet til Michelangelo, fra hvem de tok den spiralformede komposisjonen – som Michelangelo introduserte i sin Allegory of Victory i Palazzo Vecchio i Firenze, og at det tillot en mer solid base for å støtte vekten av overkroppen—; dermed ble den klassiske "heroiske diagonalen" den "heroiske spiralen", måten en voldelig og påtvunget bevegelse plausibelt kunne uttrykke barokkkunstens dramatikk og sensasjonalitet. [ 103 ]

Barokken hadde Peter Paul Rubens som hovedherald for nakenen , hvis robuste kvinneskikkelser og kjødelige sensualitet markerte en epoke i det estetiske skjønnhetsbegrepet på hans tid. Men til tross for denne kjødelige overfloden, er ikke arbeidet til Rubens – også forfatteren av en rekke verk om religiøse temaer – uten en viss idealisme, en viss følelse av naturlig renhet som gir lerretene hans en slags drømmende åpenhet, en optimistisk og integrering av forholdet mellom menneske og natur. Rubens la stor vekt på utformingen av figurene sine, og for dette studerte han i dybden arbeidet til tidligere kunstnere, som han tok sine beste ressurser fra, spesielt - når det gjelder naken - Michelangelo, Titian og Marcantonio Raimondi. Han var en mester i å finne den nøyaktige tonaliteten for nellikene i huden - bare matchet av Titian og Renoir -, så vel som dens forskjellige teksturer og de mange variantene av effektene av lysstyrke og lysrefleksjoner på kjøttet. Han var også opptatt av kroppens bevegelse, og av å gi tyngde og soliditet til figurene sine. Han forsømte imidlertid ikke det psykologiske aspektet og ansiktsuttrykket, og i ansiktene til figurene hans kan man se en bekymringsløs lykke, en viss stolthet over å vite at de er vakre, men uten innbilskhet, og en viss vital takknemlighet over at kunstneren selv følte før livets gaver. [ 104 ]​ Blant verkene hans relatert til naken fortjener å bli fremhevet: Senecas død (1611-1615), Venus, Amor, Bacchus og Ceres (1612-1613), Eros og psyke (1612-1615), Hodeplagget til Venus (1615), Daniel og løvene (1615), Perseus og Andromeda (1622), Landgangen til Marie de' Medici i havnen i Marseilles (1622-1625), Sannhetens triumf (1622-1625), Minerva beskytter Pax of Mars (1629), Venus and Adonis (1635), The Three Graces (1636-1639, der de to kvinnene i livet hans, Isabella Brandt og Hélène Fourment, er portrettert), Bortføring av døtrene til Leucippus (1636), The Birth of the Milky Way (1636-1638), Diana og Callisto (1637-1638), Diana og nymfene hennes overrasket av satyrer (1639-1640), Judgment of Paris (1639), etc. Forfatter av mer enn to tusen malerier, han er kanskje den kunstneren som har representert flest nakenbilder i historien. [ 105 ]

Når det gjelder religiøse temaer, demonstrerte Rubens den samme syntetiseringskapasiteten som i hans andre nakenbilder, og ga figurene hans en fysisk enhet som forsterket deres åndelige aspekt, som i hans to verk for katedralen i Antwerpen , The Elevation of the Cross (1611) og The Descent fra korset (1613), som igjen viser Michelangelos innflytelse, så vel som assimileringen av bølgebevegelsen til Laocoön . I disse bildene spiller kjødets farge en viktig rolle, og kontrasterer den svake blekheten til Kristi skikkelse med den intense fargen til resten av figurene, noe som gir større effekt til dramaet i scenen. Den samme effekten vises i Crucifixion (1620) i Boymans Van Beuningen-museet , der effekten av stormende lys er lagt til de forskjellige fargene på Kristi og tyvenes figurer, mens differensieringen i anatomiene til de forskjellige figurene fremhever Jesu ideelle kroppsbygning mot tyvenes grove materialitet. [ 106 ]

Disipler av Rubens var Anton van Dyck og Jacob Jordaens : førstnevnte, en stor portrettmaler, utviklet seg til en mer personlig stil, med sterk italiensk innflytelse, som i hans Pietà del Prado (1618-1620) og Saint Sebastian of the Alte Pinakothek i München . , eller i Diana og Endimion overrasket av en satyr (1622-1627) og hertugen og hertuginnen av Buckingham som Venus og Adonis (1620). Jordaens var mer trofast mot sin herre – uten å nå sin høyde – som vist i en spredning av nakenbilder som nesten kan sammenlignes med Antwerpens geniale : Satyren og bonden (ikke datert), Europas voldtekt (1615-1616), fruktbarhet (1623), Pan og Syringa (1625), Apollo og Marsyas (1625), Prometheus Bound (1640), The Daughters of Cecrops Finding Erichthonius (1640), Triumph of Bacchus (1645), Diana's Rest (1645 -1655), The Jordens overflod (1649), etc. [ 107 ]

På motsatt side av idealismen til Rubens står Rembrandts verk , arving til de avrundede formene til den nordiske nakenen av gotisk opprinnelse, med figurer behandlet realistisk, like sprudlende som Rubens, men mer dagligdagse, uten å skjule foldene til kjøttet eller hudens rynker, med en patos som fremhever kroppens råmateriale, i sitt mest ydmykende og ynkelige aspekt. Rembrandt appellerer til naturen mot reglene, beveget av en trassig sannferdig ærlighet, og kanskje av en følelse av medfølelse med de minst begunstigede skapningene i samfunnet: gamle mennesker, prostituerte, fulle, tiggere, funksjonshemmede mennesker. For ham, gjennomsyret av en bibelsk følelse av kristendom, var fattigdom og stygghet iboende i naturen, og like verdig oppmerksomhet som rikdom og skjønnhet. Denne avslørende følelsen av ufullkommenhet er angitt i verk som Diana (1631), Woman Seated on a Mound (1631), Cleopatra (1637), Old Woman Washing Her Feet (1658), etc. Han hadde heller ikke noe imot å vise den råeste av menneskelig anatomi i Dr. Nicolaes Tulps Anatomy Lecture (1632). Mer behagelig er Susanna og de eldste (1634), Adam og Eva i paradis (1638), Bacchante betraktet av en faun og Danae som mottar den gyldne dusjen (1636-1647, hvor han portretterte sin kone, Saskia van Uylenburgh ). Et forsøk på kanskje å vise sensuell skjønnhet var hans Bathsheba in the Bath (1654), hvor han representerer sin elsker, Hendrickje Stoffels, som til tross for sine avrundede og sjenerøse former, vist ærlig, klarer å formidle en følelse av adel, ikke ideell. , men den er sublim, mens dens meditative uttrykk gir indre liv til den kjødelige skikkelsen, og gir den en åndelig aura, en refleksjon av det kristne begrepet om kroppen som en beholder for sjelen. [ 108 ]

I Italia skilte arbeidet til Gian Lorenzo Bernini seg ut , arkitekt og billedhugger som iscenesatte det pavelige Romas spektakulære rom på en overdådig og storslått måte, og hvis verk uttrykker den dynamiske og slyngede bevegelsen så typisk for barokken, som angitt i dens hovedskulptur. grupper. : Aeneas, Anchises og Ascanio på flukt fra Troja (1618-1619), Kidnappingen av Proserpina (1621-1622), David lanserer slyngen sin (1623-1624), Sannheten oppdaget av tiden (1645-1652) og Apollo og Daphne (1622-1625), hvor hans mestring av modellering, dramatikken i handlingen, hans vågale forkortninger og hans dekorative sans kommer til uttrykk, ofte nedfelt i flytende plagg med skjør balanse. En annen stor skaper var Caravaggio , som initierte en stil kjent som naturalisme eller Caravaggism , basert på streng naturlig virkelighet og preget av bruken av chiaroscuro ( tenebrisme ) for å oppnå dramatiske og overraskende effekter takket være samspillet mellom lys og skygge. En eksentrisk og provoserende kunstner, verkene hans inkluderer: Døperen Johannes (1602), Victorious Love (1602-1603), Holy Burial (1602-1604), The Flagellation of Christ (1607), Christ on the Column (1607), Saint Hieronymus-skriving (1608), The Resurrection of Lazarus (1609), etc. Hans tilhengere inkluderte Giovanni Battista Caracciolo ( The Young Saint John in the Desert , 1610–1620; Sleeping Cupid , 1616; Martyrdom of Saint Sebastian , 1625) og Artemisia Gentileschi ( Susanna and the Elders , 1610; Danae , 1621, Cleopa 1612 ; Josef og Potifars kone , 1622; Sovende Venus , 1625-30). [ 109 ]

Mellom Italia og Frankrike oppsto en annen strømning kalt klassisisme , like realistisk, men med et mer intellektuelt og idealisert virkelighetsbegrep, og hvor det mytologiske temaet minnet om en verden av perfeksjon og harmoni, sammenlignbar med Roman Arcadia . Det begynte i Bolognese-skolen , under veiledning av Annibale Carracci , hvis Triumf av Bacchus og Ariadne (1597-1602) presenterer en prosesjon full av nakenbilder, som også florerer av dekorasjonen som kunstneren laget i Farnese-palasset i Roma. I The Dead Christ (1583-1585) ble han inspirert av Mantegnas verk med samme navn. Et annet medlem av skolen var Guido Reni , som laget en rekke mytologiske allegorier og malerier av guder og helter hvis nakenhet fremhever deres verdighet og storhet, som i Hippomenes og Atalanta (1612), Samson drikker fra kjevebenet til en esel (1611-1612) og voldtekt av Deyanira (1620-1621). Francesco Albani søkte i mytologien et grasiøst og vennlig tema som han naturlig var tilbøyelig til, som i sin serie av årstidene (1616-1617, som inkluderer Vinter eller Dianas triumf , Høst eller Venus og Adonis , Vår eller Venus på toalettet hans) . og Sommer eller Venus i Vulcans smia ), Amores ubevæpnet (1621-1633), Merkur og Apollo (1623-1625), Diana og Actaeon (1625-1630) og Allegory of Water (1627). Guido Cagnacci var en av de siste representantene for skolen, og eksporterte klassisisme til den germanske sfæren: Allegory of Human Life , The Death of Cleopatra (1658), Saint Hierome (1659), bevisstløs Maria Magdalena (1665). [ 110 ]

I den franske sfæren skilte Nicolas Poussin seg ut , en kunstner av en rolig klassisisme, kanskje innlederen av den akademiske naken, for å være kultivert og idealisert, basert på uttrykket i bilder av lærd kultur som hadde mytologi og antikkens historie som tematisk grunnlag. Av raphaelesk innflytelse var han interessert i anatomi, og utarbeidet samvittighetsfullt alle verkene sine, unnfanget både i plastisk og intellektuell forstand. Han var interessert i arkeologi , og innviet sammen med Claude Lorrain det såkalte "historiske landskapet", der en landskapsramme tjener til å plassere forskjellige historiske eller mytologiske figurer, ved siden av arkitekturer eller ruiner fra antikken. Hans verk inkluderer: Apollo og Daphne (1625), Apollo og Bacchus (1627), Echo and Narcissus (1628), Parnassus (1630), Cephalus and Aurora (1630), Midas før Bacchus (1630), The Kingdom of Flora (1631 ). ), The Triumph of Galatea (1634), Bacchanal (1634-1635), Dance of the Israelites Around the Golden Calf (1636), Venus and Aeneas (1639), etc. [ 111 ] Andre klassisistisk-inspirerte artister inkluderte: Simon Vouet ( Amor and Psyche , 1626; Sleeping Venus , 1630-1640), Charles Le Brun ( Meleager , 1658; The Labors of Hercules , 1658-1661) og Jacques Blanchard ( Angelica og Medoro , 1630; Danae , 1630-1633; Venus and the Three Graces Surprised by a Mortal , 1631-1633). [ 112 ]

I den såkalte "fulle barokken" (andre halvdel av 1600-tallet), med en dekorativ og utsmykket stil, med en forkjærlighet for optiske effekter ( trompe-l'oeil ) og luksuriøse og sprudlende natur , arbeidet mange kunstnere med utsmykningen av Palace of Versailles , en stil som spredte seg over resten av Frankrike. Nakenen ble spesielt utviklet i skulptur, fylte torg og hager over hele det franske territoriet, med kunstnere som Pierre Puget ( Milo av Crotone , 1671-1682; Perseus og Andromeda , 1685) og François Girardon ( Apollo deltatt av nymfene , 1666 ; Voldtekten av Proserpina , 1677). Han utmerket seg også innen brukskunst, spesielt bronse og porselen , og til og med utskjæring og preging i skap . [ 113 ]

Spania fortsatte å være på denne tiden et kunstnerisk kyskt og anstendig land, hvor naken ble sett med beskjedne øyne. Dermed viser en kunstner som Bartolomé Esteban Murillo bare nakenfigurer i de barnlige formene som befolker hans scener av Jomfruen, med barna Jesus og hennes putti , hennes små engler som leker og flyr overalt i det hellige rommet til hennes verk. Men på dette tidspunktet begynner en viss åpenhet, og en kirkemann som Fray Juan Ricci rettferdiggjør den nakne menneskelige figuren i Treatise on Wise Painting , som han utfører en detaljert anatomisk studie av, akkompagnert av en rekke illustrasjoner av knyttneven hans og tekster. [ 114 ] Det bør også bemerkes at de latinamerikanske monarkene var store samlere av nakenbilder, fra Carlos I til Felipe IV , og for dette formålet var det gylne tårnet til Alcázar i Madrid bestemt , i sin tid et autentisk museum for nakenbilder. [ 115 ]

Nakenen i Spania fortsatte å være overveiende religiøs i temaet, slik det ble oppfattet i arbeidet til Francisco Ribalta , José de Ribera , Francisco Zurbarán , Gregorio Fernández og Pedro de Mena . Vi ser noen unntak i Ribera — kanskje på grunn av oppholdet i Italia — som hans Drunken Silenus (1626), hans Marsyas og Apollo (1637) eller hans bilder av Ixion (1632) og Prometheus (1630), eller i nedstigningen into Limbo (1646-1652) av Alonso Cano . Zurbarán laget også noen malerier om Hercules for Torre de la Parada, på oppdrag fra Velázquez. [ 116 ]

Men uten tvil var den spanske barokkens store geni Diego Velázquez , hoffmaler til Felipe IV, hvis storslåtte produksjon er en av milepælene i kunsthistorien. Velázquez nøt stor frihet i sitt arbeid, uten tvil på grunn av sin posisjon som kongelig maler, som han var i stand til å male flere nakenbilder for enn noen annen spansk kunstner i sin tid. Likevel ble han begrenset av geistlig sensur, som han måtte endre den ikonografiske betydningen av noen av verkene hans, som gikk fra mytologiske nakenbilder til sjanger- eller kostumbristiske scener: dermed gikk det som ville ha vært en bacchanal med et dionysisk tema til være Drunkards (1628-1629), og utroskapen til Mars og Venus ble The Forge of Vulcan (1630). [ 117 ] Han hadde færre problemer — logisk sett — med sine religiøse representasjoner, slik som hans korsfestede Kristus (1639), eller i Kristus bundet til søylen (1632) og Josefs tunika (1630), der naken har en klar klassisistisk komponent, nesten akademisk, som kommer fra hans italienske trening - et faktum som demonstreres i den anatomiske oppfatningen av visse figurer, selv om de senere fremstår kledd, som tilfellet er med Las Hilanderas (1657), hvor Michelangelo-innflytelsen fra Det sixtinske kapell er betegnet - . [ 118 ]

Imidlertid var den sevillianske maleren i stand til å utvide på Venus of the Mirror (1647-1651), en av de mest storslåtte og berømte nakenbilder i historien. Det er en svært original naken, spesielt fordi den er presentert bakfra, et faktum som ikke er veldig vanlig på den tiden, og i hvis unnfangelse innflytelsen fra Hermafrodite Borghese , som Velázquez sikkert kjente i Italia, kanskje er angitt. På den annen side representerer holdningen til Venus, som ser seg selv i speilet, sannsynligvis en allegori om forfengelighet. Den briljante maleren laget andre nakenbilder — nå tapt — som en Amor og Psyke og en Venus og Adonis som tilhørte Felipe IV, en kvinnelig nakenbilde eid av Domingo Guerra Coronel og en liggende Venus som var i malerens eie kl. hans død.. [ 32 ]

Døperen Johannes (1602), av Caravaggio , Capitoline Museums , Roma .   Susanna og de eldste (1610), av Artemisia Gentileschi , Weissenstein slott , Pommersfelden .   Hippomenes og Atalanta (1612), av Guido Reni , Museo del Prado , Madrid .   Recumbent Christ (1634), av Gregorio Fernández , Museum of the Royal Monastery of San Joaquín og Santa Ana , Valladolid .   Resten av Mars (1640), av Diego Velázquez , Museo del Prado , Madrid .

Rokokko

Utviklet på 1700-tallet – i sameksistens på begynnelsen av århundret med barokken og på slutten av århundret med nyklassisismen – antok [ note 8 ] overlevelsen av de viktigste kunstneriske manifestasjonene av barokken, med en mer fremhevet sans. av dekorasjon og smak, dekorative, som blir tatt til et paroksysme av rikdom, raffinement og eleganse. Den progressive sosiale fremveksten av borgerskapet og vitenskapelige fremskritt, så vel som det kulturelle miljøet i opplysningstiden , førte til at religiøse temaer ble forlatt til fordel for nye temaer og mer verdslige holdninger, og fremhevet luksus og prangende som nye faktorer for sosial prestisje. [ 119 ]

Den naken på dette tidspunktet var arving til Rubens – som de hovedsakelig tok fargen og teksturen til huden fra – og den hadde større erotiske konnotasjoner, en raffinert og høvisk erotikk, subtil og stemningsfull, men ikke unntatt fra provokasjon og en viss respektløshet. karakter, som allerede forlater ethvert snev av klassisistisk idealisering og antar sjangerens verdslige karakter. I Frankrike, hvor den utviklet seg mer fullstendig, overlever en gotisk luft i figurene hans som ikke helt hadde forlatt fransk kunst under renessansen, og som skinner gjennom i langstrakte figurer, med små bryster og fremtredende mager. I midten av århundret rådde den petite, slanke figurtypen (la petite ), som man kan se i Bouchers billedverk ( Dianas bad ) eller Clodions skulptur ( Nymph and Satyr , Girl Playing with a Dog ) . Nakenhet bakfra begynte også å bli representert, inntil da ansett som mer ondsinnet og underrepresentert, bortsett fra i sjeldne tilfeller, som den berømte Venus i speilet av Velázquez, med eksempler som The Judgment of Paris av Watteau eller Bouchers Reclining Young Woman . [ 120 ]

Jean-Antoine Watteau var en av initiativtakerne til stilen, med sine galante festscener og bukoliske landskap fulle av mytiske karakterer eller, når ikke, anonyme mennesker som nyter livet. Påvirket av Rubens og den venetianske skolen var paletten hans fargesterke, med en nervøs stil, raske penselstrøk, uttrykksfull og levende. Hans nakenbilder er sjeldne, men de er sanne mesterverk, utarbeidet med omhu og stor eleganse: i tillegg til The Judgment of Paris (1718-1721), er det verdt å huske Nymfen ved fontenen (1708), Ubevæpnet kjærlighet (1715), Jupiter og Antiope (1715-1716), Diana ved badet (1715-1716) og Primavera (1716). Watteaus tilhengere var flere kunstnere som fulgte mesterens galante stil: François Lemoyne ( Hercules and Omphale , 1724), Charles-Joseph Natoire ( Psyche in her toilette , 1735) og Jean-François de Troy ( The Bath of Diana and her Nymphs , 1722-1724; Susanna og de eldste , 1727). [ 121 ]

François Boucher hadde en perfekt beherskelse av perspektiv, lært av barokkmestrene, i tillegg til å gjenskape fargene til Rubens og Correggio på mesterlig vis, i verk som berørte alle sjangre, fra historie og portretter til landskaps- og sjangermalerier. Bildene hans har en bukolisk og pastoral atmosfære, ofte inspirert av Ovidiansk mytologi , med en galant og høvisk sans som gjorde ham til en motemaler, en akademiker og den første maleren for kongen. Blant verkene hans, i tillegg til Reclining Young Woman (portrett av Marie-Louise O'Murphy , elskerinne til Louis XV , og den yngste av fem søstre som Boucher malte), skiller seg ut: The Birth of Venus (1740), Leda og svanen (1742), Diana forlater badet (1742), La toilette de Venus (1751), etc. [ 122 ]

Hans disippel var Jean-Honoré Fragonard , som fortsatte den høviske stilen der galant kjærlighet utfolder all sin sjarm, med en fin grasiøs og elegant erotikk. Han var protégé av Madame du Barry , for hvem han laget syklusen Love's Progress in the Hearts of Young Girls (1771-1773), bestående av fem store panneaux : The Appointment , The Chase , The Love Letters , The Satisfied Lover og Forlatelsen . Hans andre verk er: The Birth of Venus (1753-1755), The Snatched Nightgown (1761-1765), The Bathers (1765), Girl and Dog (La Gimblette) (1768), The Fountain of Love (1785), og De to vennene , med et lesbisk tema , mer markert erotisk. [ 123 ]

Innenfor skulpturen ble det også produsert bemerkelsesverdige nakenbilder, der den rampete og galante tonen i rokokko er kombinert med en viss klassisistisk luft - arving til franske statuer fra 1600-tallet - og interesse for portretter. Noen av de beste eksponentene er: Jean-Baptiste Lemoyne ( Nymfe som kommer ut av badekaret ), Edmé Bouchardon ( Amor som lager buen med Hercules-mace , 1750), Jean-Baptiste Pigalle ( Mercury tying his sandals , 1744; Venus , 1748; Voltaire , 1770-1776), Étienne-Maurice Falconet ( Milo av Crotone , 1754; Madame de Pompadour som Venus , 1757; Pygmalion og Galatea , 1763), Jean-Antoine Houdon ( Morpheus , 1770 , 1770 , 1770 ; Allegory of Winter , 1783), Augustin Pajou ( The Abandoned Psyche , 1790) og Clodion ( The River Rhine Parting the Waters , 1765; Triumph of Galatea , 1779). [ 124 ]

Utenfor Frankrike, i mange deler av Europa, overlevde barokken til midten av det attende århundre, erstattet eller blandet med rokokkoens voksende overflod. Et tydelig eksempel på barokkens overlevelse er The Naked Monster (1680), av Juan Carreño de Miranda . Giambattista Tiepolo var en tilhenger av den venetianske skolen, med dens rike farger, klare himmel, overveldende landskap, majestetisk arkitektur og en viss scenografisk atmosfære som gir arbeidet hans stor overdådighet og storhet. Allegorier og historiske og mytologiske temaer florerer i verkene hans, fulle av nakne guder og helter, som Diana som oppdaget Calistos graviditet (1720-1722). Corrado Giaquinto , til tross for at han var en overveiende religiøs maler, laget også allegorier og mytologiske malerier med nakenfigurer, som Peace , Justice og Hercules . I Spania dekorerte han taket i Hall of Columns i Palacio de Oriente , med flere figurer av nakne guder (Apollo, Bacchus, Venus, Diana). Tyskeren Anton Raphael Mengs peker allerede på nyklassisismen, og prøver å syntetisere Michelangelos tegning med Raphaels fargelegging og Correggios chiaroscuro, alltid med antikkens kult som bakteppe. Etablert i Spania, som direktør for San Fernando Royal Academy of Fine Arts, tok han til orde for studiet av naturen for representasjon av naken. I sin utsmykning av Sala Gasparini i det kongelige palasset i Madrid (1765-1769) viste han en autentisk Olympus av klassiske guder og helter, som scenene til Herkules ledet foran Jupiter , Triumf av Trajan , Jupiter, Venus og nådene , Daggryet osv. I Tyskland skilte også billedhuggerne Georg Raphael Donner ( Atalanta ) og Franz Ignaz Günther ( Cronus , 1765-1770) seg ut. [ 125 ]

En kunstner som var vanskelig å klassifisere var Francisco de Goya , et uovertruffent geni som utviklet seg fra rokokko til ekspresjonisme med en romantisk ånd , men med en personlighet som ga hans verk en unik karakter, uten sidestykke i kunsthistorien. Hans mesterverk i nakensjangeren er Den nakne Maja (1797-1800), som han malte parallelt med Den kledde Maja (1802-1805), og som er en av de første nakenbilder hvor kjønnshåret er godt synlig. [ 126 ] Det er et av de første tilfellene av nakenhet som ikke er rettferdiggjort av noe historisk, mytologisk eller religiøst tema, ganske enkelt en naken, anonym kvinne, [ note 9 ] som vi ser i hennes privatliv, med en viss følelse av voyeurisme . Det er en stolt nakenhet, nesten trassig, majaen ser direkte på oss, med en rampete, leken luft, og byr på kroppens krummede skjønnhet til glede for betrakteren. Andre nakenbilder av det aragonske geniet i hans tidlige dager er: Pietà (1774), Kristus korsfestet (1780), Psyche and Cupid (1798-1805) og Bandit som kler av en kvinne (1798-1800). [ 127 ] Senere, på grunn av hans døvhet, personlige ulykker, kjedsomhet med hofflivet, krigsgru, eksil, ensomhet, alderdom og andre faktorer, påvirket de hans personlighet og hans arbeid, som blir mer uttrykksfulle, mer innadvendte, med en sterk satirisk åre og en mer stygg estetikk, som fremhever de hardeste og blodigste trekkene til både mennesker og verden rundt ham. På dette tidspunktet har nakenbildene hans en mer dramatisk karakter, til tider patetisk, med deformerte, grove kropper, som i The Witches' Kitchen (1797-1798), The Decapitation (1800-1805), The Madhouse (1812-1819 ). ), Bålet (1812-1813) eller den grusomme Saturn som fortærer en sønn (1819-1823). Han viet seg mer enn til gravering, et medium som gjorde det mulig for ham å fange sitt plagede indre på en ideell måte: i serier som The disasters of war (1810-1815) dukker det opp forskjellige nakenbilder – selv om det vanligvis er lik – som i They take fordel , Dette er verre og stor bragd!, Med døde! ; eller i Los caprices (1799), hvor han kler av seg hekser og andre lignende vesener, som i ¡Se så alvorlig! , De frastøter , Hvem skulle tro det! , Blås , Vent til de skal smøre deg , Hvis det gryr, går vi , Hyggelig lærer , Det går det , Hvor skal mamma? , etc. [ 128 ]

Våren (1716), av Jean-Antoine Watteau , ødelagt.   Diana forlater badet (1742), av François Boucher , Louvre-museet , Paris .   The Bathers (1765), av Jean-Honoré Fragonard , Louvre-museet , Paris .   Perseus og Andromeda (1773-1776), av Anton Raphael Mengs , Hermitage , St. Petersburg .   Voltaire (1776), av Jean-Baptiste Pigalle , Louvre-museet , Paris .

Nyklassisisme

Fremveksten av borgerskapet etter den franske revolusjonen favoriserte gjenoppblomstringen av klassiske former, renere og mer strenge, i motsetning til de dekorative utskeielsene fra barokken og rokokkoen, identifisert med aristokratiet . Den arkeologiske oppdagelsen av Pompeii og Herculaneum påvirket dette miljøet med å verdsette den klassiske gresk-romerske arven , sammen med spredningen av en idé om perfeksjon av klassiske former utført av Johann Joachim Winckelmann , som postulerte at det i antikkens Hellas var perfekt skjønnhet , genererer en myte om perfeksjonen av klassisk skjønnhet som fortsatt betinger oppfatningen av kunst i dag. [ note 10 ]

Den nyklassisistiske naken gjenvunnet formene til den gresk-romerske antikken, men fratatt sin ånd, for sin ideelle karakter, for sin eksemplariske etos , for å gjenskape seg selv bare i sin rene form, løsrevet fra livet, som det til slutt viste seg å være en kald og lidenskapelig, som ville strekke seg inn i akademiskismen med en følelse av nesten repeterende gjentakelse, der studiet av klassikerne forhindret kunstnerens eget personlige uttrykk, et faktum som ble bekjempet av avantgardekunstens ånd fra impresjonismen , det første gjennombruddet bevegelse. Hos kunstnerne fra denne perioden - som Girodet og Prud'hon - er det en merkelig blanding mellom klassisisme og en viss manéristisk luft - spesielt under påvirkning av Correggio - som produserte verk som, selv om de ønsket å gjenopplive den gamle klassisismen, var dekontekstualiserte og tidløse. [ 129 ]

Jacques-Louis David var nyklassisismens hovedfaktor, med en tilsynelatende akademisk stil, men lidenskapelig og briljant, med en intellektuell nøkternhet som ikke hindrer en vakker og fargerik utførelse. En politiker så vel som en maler, hans forsvar av nyklassisismen gjorde ham til den estetiske strømningen av det revolusjonære og Napoleonske Frankrike . Mellom 1775 og 1780 bodde han i Roma, hvor han ble inspirert av gamle statuer, Raphael og Poussin, som førte ham til klassisismen, med en streng og balansert stil med stor teknisk renhet. Hans verk inkluderer: The Loves of Paris and Helen (1788), The Death of Marat (1793), The Sabine Women Interposing Between Romans and Sabines (1799), Leonidas at Thermopylae (1814), Cupid and Psyche (1817), Mars avvæpnet av Venus and the Graces (1824), etc. [ 130 ]

Disiplene og tilhengerne av David fulgte hans klassiske ideal, men beveget seg bort fra dets strenge strenghet og drev mot en viss sensualistisk manerisme, med en erotisk ynde som Max Friedländer kalte volupté decente ("anstendig vellysthet"). [ 131 ] François Gérard søkte perfeksjonen av ideell skjønnhet, gjennom mykheten i fargen og den voksaktige teksturen i huden, med marmorerte, men myke kropper, med en sirupsaktig sødme. Hans mest kjente verk er Eros and Psyche (1798), som til tross for sin akademiske regning, gir dens kromatiske rikdom en følelse av raffinert lyrisk fremkalling. Pierre-Narcisse Guérin dyrket også en raffinert erotikk, påvirket av Correggio, som i Aurora og Cephalus (1810) og Iris og Morpheus (1811). Jean-Baptiste Regnault dyrket en klassisistisk linje nær Bolognese-skolen : Frankrikes geniale mellom frihet og død (1795), hvor geniet minner om Merkur fra Rafaels Vatikanrom. Andre disipler av David inkluderte Jean Broc ( The Death of Hyacinth , 1801) og Jean-Louis-Cesar Lair ( The Torture of Prometheus , 1819). På den annen side brøt Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson med Davids moralske klassisisme, spesielt med hans hovedverk, Drømmen om Endimion (1791), med langstrakte og perleaktige kropper, med en viss seksuell tvetydighet, i et noe dampende miljø. minner om italiensk manerisme og et forspill til kunst pompiere . Andre verk av ham var: Mademoiselle Lange som Venus (1798) og Mademoiselle Lange som Danae (1799). [ 132 ] Pierre -Paul Prud'hon gikk på tvers av rokokko og nyklassisisme – David kalte ham foraktfullt «sin tids Boucher» – og noen beskriver ham fortsatt som romantisk. Han ble utdannet i Roma, hvor han ble påvirket av Leonardo og Correggio, som sammen med klassisk kunst var grunnlaget for hans stil og ga ham en egen personlighet, og det er derfor han egentlig er en maler som er vanskelig å klassifisere. Blant verkene hans er det verdt å huske rettferdighet og guddommelig hevn i jakten på kriminalitet (1808), Abduction of Psyche av Zephyr (1800) og Venus og Adonis (1810). [ 133 ]

Hvis David var den store nyklassisistiske maleren par excellence, var hans ekvivalent innen skulptur Antonio Canova . Selv om han studerte arbeidet til de store renessansemestrene (Ghiberti, Donatello, Michelangelo), var det i gresk-romerske klassiske statuer han fant inspirasjon, som han var i stand til å studere i de store samlingene i hjemlandet Italia. Dermed har hans arbeid roen og harmonien til den reneste klassisisme, selv om det ikke slutter å avsløre en menneskelig følsomhet og en dekorativ luft som er typisk for hans kursive opphav. Hans verk inkluderer: Daedalus og Icarus (1777-1779), Theseus and the Minotaur (1781-1783), Psyche gjenopplivet av kjærlighetens kyss (1786-1793), Venus og Adonis (1789-1794), Hercules and Lycas (1795 ) -1815), Perseus med hodet av Medusa (1800), Napoleon som fredsstifter Mars (1803-1806), Pauline Bonaparte som Venus Victrix (1804-1808), Theseus and the Centaur (1804-1819), The Three Graces (1815 ) -1817), etc [ 134 ]

En annen fremragende skulptør var danske Bertel Thorvaldsen , som til tross for sin edle og rolige klassisisme, hans kalde og kalkulerte utførelse har svekket ham for noen kritikere, som stempler arbeidet hans som flaskt og tomt. Likevel var han enormt vellykket i livet, og fikk bygget et museum for ham i hjembyen København . Thorvaldsen studerte gresk skulptur direkte, og gjorde restaureringen av pedimentene til Aphaia-tempelet i Egina , før de ble installert i Glyptoteket i München . Hans mest kjente verk er Jason with the Golden Fleece (1803-1828), inspirert av Polykleitos ' Doryphorus , mens hans andre verk er: Amor og psyke (1807), Mars og Amor (1812), Venus med eplet (1813-16) ), Aurora med lysets geni (1815), Hebe (1815), Ganymedes som gir Jupiters ørn en drink (1817), De tre nåder med Amor (1817-1818), etc. [ 135 ]

En annen bemerkelsesverdig eksponent var engelskmannen John Flaxman , en tidlig kunstner som laget skulpturer allerede i en alder av ti år, og som hadde en fruktbar karriere både som kunstner og som akademiker og avhandlingsforfatter, og skrev ulike arbeider om skulpturpraksis, som f.eks. Ti diskurser om skulptur og anatomiske studier . Verkene hans inkluderer en rekke nakenbilder, som Cephalus og Aurora (1790), The Rage of Atamas (1790-1794), Mercury and Pandora (1805), Akilles krenket av skorpionen (1810), Saint Michael beseirer Satan (1818-1822) , etc. I tillegg var han en utmerket tegner og gravør, eier av stor virtuositet i å tegne linjer, med fin profilering, mesterlig illustrert tallrike klassiske litteraturverk. [ 136 ] En bemerkelsesverdig skole for skulptur utviklet seg også i den germanske sfæren, og fremhevet kunstnere som: Franz Anton von Zauner ( Genius Bornii , 1785), Rudolf Schadow ( Paris , 1812), Johann Heinrich Dannecker ( Ariadne on the Panther , 1812- 1814) og Johann Nepomuk Schaller ( Bellerophon in the Fight with the Chimera , 1821).

I Spania ble nyklassisismen praktisert av forskjellige akademiske malere, som Eusebio Valdeperas ( Susana og de gamle ) og Dióscoro Teófilo Puebla ( Las hijas del Cid , 1871), mens José Álvarez Cubero ( Ganimedes , 1804 ; Inspirert av ApolloInspirert , 1871) var nyklassisistiske skulptører. Musikk [kalt Apollinus ], 1810-1815; Nestor og Antilochus [eller The Defense of Zaragoza ], 1818), Juan Adán ( Venus de la Alameda , 1795), Damià Campeny ( Diana in the Bath , 1803 ; Dying Lucrecia , 1804 ; Akilles trekker pilen ut av hælen , 1837), Antoni Solà ( Meleagro , 1818), Sabino Medina ( Nymfen Eurydike bitt av en osp når han flyktet fra Eurystheus , 1865), Jeroni Suñol ( Himeneo , 1864), etc. [ 137 ]

• Two Women at the Bath (1763), av Joseph-Marie Vien , Musée Henri-Martin , Cahors .

• Drømmen om Endimion (1791), av Anne-Louis Girodet de Roussy-Trioson , Louvre-museet , Paris .

• Eros and Psyche (1797), av François Gérard , Louvre-museet , Paris .

• Portrait of a Negress (1800), av Marie-Guillemine Benoist , Louvre-museet, Paris.

• The Death of Hyacinth (1801), av Jean Broc , Musée Sainte-Croix , Poitiers .

• Aurora og Cephalus (1810), av Pierre-Narcisse Guérin , Louvre-museet , Paris .

• The Torment of Prometheus (1819), av Jean-Louis-Cesar Lair , Musée Crozatier , Le Puy-en-Velay .

Samtidskunst

1800-tallet

Mellom slutten av 1700-tallet og begynnelsen av 1800-tallet ble grunnlaget for det moderne samfunnet lagt , markert på den politiske arena ved slutten av absolutismen og etableringen av demokratiske regjeringer - en impuls som begynte med den franske revolusjonen -; og økonomisk sett av den industrielle revolusjonen og konsolideringen av kapitalismen , som vil ha et svar i marxismen og klassekampen . I kunstfeltet starter en evolusjonær dynamikk av stiler som følger hverandre kronologisk med økende hastighet, og kulminerer på 1900-tallet med en atomisering av stiler og strømninger som sameksisterer og motsetter hverandre, påvirker og konfronterer hverandre. Moderne kunst dukker opp i motsetning til akademisk kunst , og plasserer kunstneren i forkant av menneskehetens kulturelle utvikling. [ 138 ]

Nakenen fra det nittende århundre følger retningslinjene for representasjon av nakenen diktert av tidligere stiler, selv om den omtolkes på ulike måter avhengig av om det søkes etter en større realisme eller en idealisme av klassiske røtter. På 1800-tallet florerer naken kvinneligere mer enn noen gang — spesielt i andre halvdel av århundret —, mer enn i noen annen periode i kunsthistorien. Imidlertid endrer kvinnerollen seg til å bli bare et objekt for seksuell lyst, i en prosess med dehumanisering av kvinneskikkelsen, underlagt diktatene fra et overveiende mannssjåvinistisk samfunn . I disse verkene er det en sterk dose voyeurisme , kvinnen blir overrasket mens hun sover eller vasker seg, i intime scener, men åpen for betrakteren, som kan gjenskape seg selv i kontemplasjonen av forbudte bilder, av stjålne øyeblikk. Det er ikke en overlagt nakenhet, det er ikke en modellposering, men gjenskaping av scener fra hverdagen, med tilsynelatende naturlighet, men tvunget av kunstneren. Med ordene til Carlos Reyero , "finner vi kvinner ikke nakne, men avkledde." [ note 11 ] ​[ 139 ]

Romantikk

Bevegelse av dyp fornyelse i alle kunstneriske sjangre , ga romantikerne spesiell oppmerksomhet til feltet åndelighet, fantasi, fantasi, følelse, drømmende fremkalling, kjærlighet til naturen, sammen med et mørkere element av irrasjonalitet, tiltrekning til det okkulte , galskap, drømmer . Populærkulturen, det eksotiske, tilbakekomsten til undervurderte kunstneriske former fra fortiden — spesielt de middelalderske — ble verdsatt spesielt. Romantikerne hadde ideen om en kunst som oppstår spontant fra individet, og understreker figuren til "geniet" - kunst er uttrykket for kunstnerens følelser -. [ 140 ] Den romantiske naken er mer uttrykksfull, fargen legges mer vekt på enn figurens linje – i motsetning til nyklassisismen – med en mer dramatisk følelse, i temaer som varierer fra det eksotiske og smaken for orientalisme meste . rent romantiske temaer: dramaer, tragedier, heroiske og lidenskapelige handlinger, forverrede følelser, sanger til frihet, til det rene uttrykk for menneskets indre. [ 139 ]

Romantikken hadde to bemerkelsesverdige forløpere i Storbritannia : Johann Heinrich Füssli og William Blake . Den første, av sveitsisk opprinnelse , utviklet en manneristisk stil påvirket av Dürer , Pontormo , Baccio Bandinelli og Michelangelo , med et verk av en viss konseptuell dualitet: på den ene siden erotiske og voldelige temaer, på den andre en dyd og enkelhet påvirket av Rousseau . Mellom 1770 og 1778 produserte han en serie erotiske bilder kalt "simplegma-tegninger" (sammenflettet), der sex er relatert til lidenskap og lidelse - som forbinder med det gamle konseptet patos - på plater som fremkaller eldgamle bakkiske ritualer og priapic , med en rå og realistisk erotikk langt unna rokokko-galanteri. Noen av verkene hans er: Hamlet, Horace og Marcellus with the Spectre (1780-1785), Titania and Bottom (1790), Lying Nude while a Woman Plays the Piano (1800) og Courtesan with Feather Deornment (1800-1810). [ 141 ] William Blake var en visjonær artist, hvis drømmeaktige produksjon bare matches av surrealismens fantastiske uvirkelighet . Kunstner og forfatter, han illustrerte sine egne litterære verk, eller klassikere som The Divine Comedy (1825-1827) eller Book of Job (1823-1826), med en personlig stil som avslører hans indre verden, full av drømmer og følelser, med flyktige figurer som ser ut til å flyte i et rom som ikke er underlagt fysiske lover, vanligvis i nattlige miljøer, med kaldt og flytende lys, med en overflod av arabesker . Påvirket av Michelangelo og manerisme, har figurene hans den dynamiske vridningen til Michelangelo Last Judgment , selv om de noen ganger er basert på klassiske kanoner, som i The Dance of Albion (Day of Joy) (1794-1796), hvis holdning er hentet fra en versjon av Vitruvian mann , den av Vincenzo Scamozzi i Idea dell'architettura universale . Hans andre verk er: Nebuchadnezzar (1795), Newton (1795), Europa støttet av Afrika og Amerika (1796), Satan i sin opprinnelige herlighet (1805), The whirlwind of lovers. Francesca da Rimini og Paolo Malatesta (1824-1827), etc. [ 142 ]

Midtveis mellom nyklassisisme og romantikk er arbeidet til Jean Auguste Dominique Ingres , hvis figurer er midt mellom sensualitet og omtanke for ren form, som han behandlet i detalj, nesten hardnakket. Hans kvinnelige figurer har en viss gotisk luft (små bryster, fremtredende mager), og ble gjenstand for et lite antall posturale design der kunstneren følte seg komfortabel, og som han gjentok gjennom hele karrieren. En av dem, for eksempel, var en naken kvinne som satt på ryggen, som han introduserte i The Valpinçon Bather (1808) og som er merkbar, innenfor en gruppescene, i The Turkish Bath . En annen er den stående figuren til Venus Anadiomene (1848), Botticellian i luften, som han laget flere versjoner av, og som han senere forvandlet til en ung kvinne med en kanne vann, The Fountain (1856). Andre verk er mer personlige, for eksempel La grande odalisque (1814), som minner om manerismen til School of Fontainebleau , og som begynte hans kjærlighet til orientalisme, figurer og eksotiske omgivelser. I The Golden Age (1840-1848) laget han et stort veggmaleri bestående utelukkende av nakenbilder, et verk som imidlertid forble uferdig. Det tyrkiske badet (1862) er kanskje hans mest kjente verk, og kulminasjonen av hans livslange studier av naken. Han vendte tilbake til orientalismen, med en scene satt i et harem , som understreket de svingete og runde formene til modellene, som uten skam viser frem sine fremtredende bryster og brede hofter, med en sensualitet som hittil er uvanlig i vestlig kunst. Hans andre verk er: Achilles som mottar Agamemnons utsendinger (1801), Oedipus og sfinksen (1808-1825), Jupiter og Thetis (1811), Ossians drøm (1813), Roger Freeing Angelica (1819), Odalisque og slave (1842), etc. [ 143 ]

Hans disipler var: Antoine-Jean Gros , kroniker av Napoleon-handlingene, laget i Napoleon på besøk hos pestens ofre i Jaffa (1804) noen intenst dramatiske nakenbilder, som grovt viser effekten av sykdommen; og Théodore Chassériau , som prøvde å syntetisere Ingres' linje med Delacroixs farger, selv om hans arbeid tenderer mot akademiskisme ( Venus Anadyomene , 1838; Susanna and the Elders , 1839; Diana overrasket av Actaeon , 1840; Andromedids the rock , by the chained 1840; Esther's Toilette , 1841; Sleeping Nymph , 1850; The Tepidarium , 1853). [ 144 ] Théodore Géricault hadde Michelangelo-innflytelse, som kan sees i den sentrale figuren til The Raft of the Medusa (1819), som er en av idrettsutøverne i Det sixtinske kapell, mens andre skikkelser minner om de fra Rafaels forvandling . For sine anatomistudier besøkte Géricault ofte begravelsesbyråer og til og med fengsler der fanger ble henrettet. I sin Leda and the Swan (1822) transkriberte han til en kvinnelig figur den dynamiske energien som er typisk for klassiske idrettsutøvere, og holdningen hans minner om den til Ilissus i Parthenon , og byttet ut atletisk innsats med seksuell opphisselse. [ 145 ]

Eugène Delacroix var en av de første kunstnerne som avvek fra offisiell akademisk kunst, og erstattet den skisserte tegningen av konturer med en mindre presis og flytende linje, dynamisk og suggestiv, og en kromatikk av levende tilstøtende toner og en effektisme basert på en viss inndeling av farge. . Under opplæringen laget han kopier av de store mesterne som ble stilt ut i Louvre, og fikk en forkjærlighet for Rubens og venetianske kunstnere. Allerede i sine første verk, Dante and Virgil in Hell (1822), The Massacre of Chios (1824) og The Death of Sardanápalus (1827), demonstrerte han sin originalitet og oppfinnsomme rikdom, sammen med en lidenskapelig og fargerik stil som ville prege ham . I 1832 reiste han til Marokko og Algerie , hvor han inkorporerte den orientalistiske innflytelsen i stilen sin, med en smak for det eksotiske og detaljrikdommen. I hans tallrike nakenverk er temaet svært mangfoldig, fra det religiøse ( Adam og Eva kastet fra paradiset , Kristus bundet til søylen , Kristus korsfestet , den oppstandne Kristus , den hellige Sebastian på jorden ), det mytologiske ( Apollons triumf , verker av Herkules , Akilles og kentauren , Anakreon og kjærlighet , Andromeda og Perseus , Ariadne og Thesevs , Medea og hennes barn ), det historiske og litterære ( The Divine Comedy , Orlando Furioso , Jerusalem Liberated ), til og med sjangerscenene eller naken av seg selv ( Recumbent Odalisque , Tyrkiske kvinner , Kvinnen i silkestrømpen , Kvinnen som kjemmer håret , Baderen fra ryggen , Den sovende nymfen , Kvinnen med papegøyen ). For Delacroix var ethvert påskudd godt for å vise fysisk skjønnhet, som i allegorien om Liberty Leading the People (1830), der heltinnen som leder den folkelige revolusjonen fremstår barbrystet. En stor tegner, han testamenterte også en rekke skisser og tidligere studier av nakenfigurer. [ 146 ]

Delacroixs tilhengere var: Narcisse-Virgile Díaz de la Peña , en stor landskapsmaler og forfatter av nakenbilder som Perlens fe , Venus og Adonis , Nymphs in the Woods og El Amor Reprimanded and Disarmed ; Gustave Doré , som i hovedsak skilte seg ut som tegner og illustratør av litterære verk, hvor han viser stor fantasi og formell mestring, som i Bibelen , Den guddommelige komedie , Orlando Furioso , noen Shakespeare - dramaer , Goethes Faust , etc.; og Félix Trutat , hvis naken jente på panterskinn (1844) minner om Goyas nakne Maja og går før Manets Olympia . [ 147 ]

Innen skulptur utviklet François Rude seg fra nyklassisisme til romantikk, i verk med stor uttrykkskraft der nakenen spilte en ledende rolle, med kolossale figurer som oversetter handlingsdynamikken til deres anatomi, som kan sees i Mercury justerer hælvingene (1827) ), Napolitansk fisker som leker med en skilpadde (1833), Love Victorious (1855), Hebe and the Eagle (1855), og hans hovedverk, La Marseillaise (1833), ved Triumfbuen i Paris . Jean-Baptiste Carpeaux betegnet den samme stilistiske prosessen, fra klassisk ro til romantisk følelse, med figurer av intens dynamikk, som hans Flora of the Tuileries Palace (1865), Count Ugolino and his sons (1863) eller gruppen av The Dance ( 1869), ved operahuset i Paris . [ 148 ]

I Italia kom romantikken med Napoleons erobring, med kunstnere som Pelagio Palagi ( The Troloval of Amor and Psyche , 1808) eller Francesco Hayez ( Penitente Magdalena , 1825). I skulpturen utviklet Lorenzo Bartolini seg fra klassisisme til en naturalisme inspirert av plastmodellene til den florentinske Quattrocento , som i Hope in God (1835). En annen eksponent var Giovanni Dupré ( Abel Beaten , 1842). [ 149 ]

I Spania var romantikken gjennomsyret av goysk innflytelse, som demonstrert i de to nakne majaene malt av Eugenio Lucas , og i andre verk av kunstnere som José Gutiérrez de la Vega ( Nade Maja , 1840-1850), Antonio María Esquivel ( Venus anadiomene , 1838; Susana og de eldste , 1840; Potifars kone , 1854), Víctor Manzano ( Scene of the Inquisition , 1860), etc. Innen skulptur var en spanjol etablert i Mexico , Manuel Vilar , forfatteren av Jasón (1836) og Tlahuicole (1851), en slags meksikansk Hercules . [ 150 ]

• The Albion Dance (Day of Joy) (1794-1796), av William Blake , Fitzwilliam Museum , Cambridge .

• The Raft of the Medusa (1819), av Théodore Géricault , Louvre-museet , Paris .

• Penitent Magdalene (1825), av Francesco Hayez , Civica Galleria d'Arte Moderna , Milano .

• Venus Anadyomene (1838), av Théodore Chassériau , Louvre-museet , Paris .

• Naken jente på Panther Skin (1844), av Félix Trutat , Louvre-museet , Paris .

• The Bather (1846), av William Etty , Tate Britain , London .

• Venus Anadyomene (1848), av Jean-Auguste-Dominique Ingres , Musée Condé , Chantilly .

Akademiisme

Akademisk kunst er den som ble fremmet siden 1500-tallet av kunstakademiene , som regulerte den pedagogiske opplæringen av kunstnere . [ note 12 ] Selv om akademiene i prinsippet var i harmoni med kunsten som ble produsert i sin tid, så kan man ikke snakke om en differensiert stil, på 1800-tallet, da den evolusjonære dynamikken til stilene begynte å bevege seg bort fra klassiske kanoner, akademisk kunst var begrenset til en klassisistisk stil basert på strenge regler, og det er grunnen til at den i dag blir forstått mer som en periode typisk for 1800-tallet, som fikk forskjellige navn parallelt, som kunst pompier i Frankrike. [ note 13 ] Den var først og fremst rettet mot en borgerlig offentlighet, så dens status som "offisiell" kunst, sammen med den hyppige anklagen om konservatisme og mangel på fantasi – i henhold til det romantiske konseptet at kunst ikke kan undervises – førte til at akademisismen fikk en nedsettende betydning på slutten av 1800-tallet, da den ble ansett som forankret i fortiden og reproduserte stillestående formler. [ note 14 ]

Imidlertid er det i dag en tendens til å revurdere akademisk kunst og vurdere den for dens iboende kvaliteter, og den er generelt akseptert mer som en kunstnerisk periode enn som en stil. Akademiismen var stilmessig basert på gresk-romersk klassisisme, men også på andre tidligere klassisistiske forfattere, som Raphael , Poussin eller Guido Reni . Teknisk sett var de basert på nøye tegning, formell balanse, perfekte linjer, plastisk renhet og nøye oppmerksomhet på detaljer, sammen med realistisk og harmonisk fargelegging. Arbeidene hans var basert på vitenskapelige temaer (historie, mytologi, høvisk litteratur), med et idealisert skjønnhetsbegrep. [ 151 ]

I akademiskismen hadde naken en spesiell relevans, ansett som uttrykket par excellence av naturens adel: med Paul Valérys ord , "hva kjærlighet var for fortellere og poeter, naken var for formkunstnere". [ 152 ] Den akademiske naken betydde standardisering i noen klassiske lokaler underlagt strenge tematiske og formelle regler, underlagt det generelt puritanske miljøet i det nittende århundrets samfunn. Naken ble bare akseptert som et uttrykk for ideell skjønnhet, så det var en beskjeden, aseptisk naken, strengt tatt basert på anatomiske studier. Aksepten av den klassiske naken som et uttrykk for et skjønnhetsideal innebar sensur av ethvert avvik fra de klassisistiske kanonene: På Great London Exhibition i 1851, da det berømte Crystal Palace ble dekorert med et galleri av marmornakenbilder, ble alle derfor akseptert bortsett fra Hiram Powers 's Captive Slave , som til tross for at den var en kopi av Aphrodite of Cnidus ble kritisert for å dukke opp med håndjern i håndjern. Imidlertid tillot undervisningspraksisen som ble utøvet i livstegneakademier, i visse tilfeller introduksjonen av formelle og stilistiske nyheter som forynget sjangeren, samtidig som den ga den større respektabilitet, som et produkt av intellektuell utdyping. [ 153 ]

Et referansesenter for den akademiske naken var arbeidet til Ingres: ifølge Winckelmanns teori om at den mannlige naken bare kunne uttrykke karakter, mens den kvinnelige naken var den eneste som kunne reflektere skjønnhet, siden den vises tydeligere i myke og slyngede former, Ingres nakenbilder reflekterte en kontinuitet i linjen som ga figurene hans en avrundet form, med en jevn tekstur og jevne konturer. Av denne grunn fokuserte akademisk kunst mer på den kvinnelige naken enn på den mannlige, med glatte figurer og en voksaktig tekstur. [ 154 ]

En av hovedrepresentantene for akademiismen var William-Adolphe Bouguereau , som laget et stort antall nakenverk, generelt mytologiske, med figurer av stor anatomisk perfeksjon, bleke, med langt hår og en gestuell eleganse som ikke er blottet for sensualitet ( El Birth of Venus , 1879; Dawn , 1881; The Wave , 1896; The Oreads , 1902). En annen eksponent var Alexandre Cabanel , forfatter av mytologiske og allegoriske nakenbilder som er et påskudd for å representere kvinner med overdådig og sensuell skjønnhet, for eksempel hans berømte The Birth of Venus (1863). Det samme er tilfellet med Eùgene-Emmanuel Amaury-Duval , forfatter av en annen fødsel av Venus (1862). Jean-Léon Gérôme var en av hovedrepresentantene for akademisk orientalisme, med verk satt i harem og tyrkiske bad i den reneste ingressiske stilen, samt mytologiske og historiske temaer ( Phryné before the Areopagus , 1861; Tyrkisk bad , 1870; Svømmebasseng i haremet , 1876; Pygmalion og Galatea , 1890). Andre artister inkluderte: François-Léon Benouville ( The Wrath of Achilles , 1847), Auguste Clésinger ( Woman Bitten by a Serpent , 1847; Leda and the Swan , 1864), Paul Baudry ( The Pearl and the Wave , 1862), Jules Joseph Lefebvre ( The Truth , 1870; Mary Magdalene in the Cave , 1876), Henri Gervex ( Rolla , 1878), Édouard Debat-Ponsan ( Le massage au Hamam , 1883), Alexandre Jacques Chantron ( Dánae , 1891), The Gaston Bussière ( The Gaston Bussière Nereids , 1902), Guillaume Seignac ( The Awakening of Psyche , 1904), etc. [ 139 ]

I Storbritannia stimulerte det viktorianske samfunnet akademisismen som en offisiell kunst som optimalt uttrykte den dominerende puritanske moralen i borgerskapets og adelens kretser, med forfattere som Joseph Noel Paton ( The dispute between Oberon and Titania , 1846), Charles William Mitchell ( Hypatia , 1885), Frederic Leighton ( Psyche at the Bath , 1890), John Collier ( Lilith , 1887; Lady Godiva , 1898; Tannhäuser på Venusberg , 1901), Edward Poynter ( Diadumene , 1884; Cave of the Nymphs 1903), Lawrence Alma-Tadema ( The Favorite Custom , 1909), John William Godward ( Venus in the Bath , 1901; At the Tepidarium , 1913; Nude on the Beach , 1922), Herbert James Draper ( Ulysses and the Mermaids , 1909 ), etc.

I Spania hadde Luis Ricardo Falero også en spesiell forkjærlighet for kvinneskikkelsen, med verk der den fantastiske komponenten og den orientalistiske smaken skiller seg ut: Oriental Beauty (1877), Vision of Faust (The Witches' Departure) (1878), The Enchanting ( 1878), The Pose (1879), The Favorite (1880), The Double Star (1881), The Lily Fairy (1888), The Butterfly (1893), etc.

• The Truth (1870), av Jules Joseph Lefebvre , Orsay Museum , Paris .

• Hekser som går til sabbaten (1878), av Luis Ricardo Falero .

• Ajax og Cassandra (1886), av Solomon Joseph Solomon .

• Tannhäuser på Venusberg (1901), av John Collier .

• Nereidene (1902), av Gaston Bussière , privat samling.

• The Oreads (1902), av William-Adolphe Bouguereau , privat samling.

• Cave of the Storm Nymphs (1903), av Edward Poynter , privat samling.

• The Favorite Custom (1909), av Lawrence Alma-Tadema , Tate Gallery , London .

• Ulysses and the Sirens (1909), av Herbert James Draper , Ferens Art Gallery, Kingston upon Hull .

Realisme

Siden midten av århundret har det dukket opp en trend som legger vekt på virkeligheten, beskrivelsen av omverdenen, spesielt av arbeidere og bønder i den nye rammen av industritiden, med en viss komponent av sosial oppsigelse, knyttet til politiske bevegelser som utopisk sosialisme og filosofisk som positivisme . Innenfor rammen av oppløsningen av den klassiske kunstteorien som fant sted i første halvdel av 1800-tallet, representerte realismen, sammen med den tekniske frigjøringen som ble medført av fotografiets fremkomst , som inspirerte mange av de nye kunstnerne, et tema. frigjøring, hvor hovedpersonene ikke lenger er adelige, helter eller guder, men normale mennesker, fra gaten, fremstilt med all sin elendighet og grovhet. [ 155 ]

Hovedeksponenten var Gustave Courbet , en kunstner med lidenskapelig temperament og politisk engasjement, fast bestemt på å overvinne "romantikernes og klassisistenes feil". Courbets arbeid betydde introduksjonen av realisme i naken, som, selv om det i tidligere tider hadde hatt mer eller mindre naturalistiske tilnærminger, generelt var underlagt en idealiserende oppfatning av menneskekroppen. Courbet var den første som fremstilte kroppen slik han oppfattet den, uten å idealisere den, uten å kontekstualisere den, uten å ramme den inn i et ikonografisk tema, og transkribere formene han fanget fra naturen. Modellene hans var generelt robuste, for eksempel hans Bather (1853), modellen for The Painter's Workshop (1855), Reclining Nude Woman (1862), The Woman with the Parrot (1865), Lot and his Daughters (1844), To badende (1858) og Våren (1867). Noen ganger ble han inspirert av andre kunstnere, som La Fuente (1868) — en kopi av det berømte verket av Ingres — eller El Sueno (1866), som minner om Fragonards Two Girlfriends . Et av hans mest kjente verk er The Origin of the World (1866), hvor han presenterer en kvinnekropp uten hode, som viser pubis i forgrunnen, i en radikalt ny visjon som overrasket og sjokkerte datidens publikum. [ 156 ]

En annen eksponent var Camille Corot , som hovedsakelig var en landskapsmaler, og av og til la til menneskelige figurer til landskapene sine, noen av dem nakne, i en type landskap med arkadisk luft , med dampaktige atmosfærer og delikate toner, som i Reclining Nymph (1855) og nymfe ved havets kyster (1860). Senere tok han avstand mellom landskapet og menneskefiguren, og mellom 1865 og 1875 produserte han en rekke arbeider med fokus på studiet av kvinneskikkelsen, som Interrupted Reading (1865-1870) og Woman with a Pearl (1869). Andre verk av ham er: Marietta, the Roman Odalisque (1843), Girl with the Pink Skirt (1853-1865), Diana's Bath (1855), Nymphs Disarming Love (1857), etc. [ 157 ]

Den skulpturelle ekvivalenten til realisme var Constantin Meunier , som fortrinnsvis portretterte arbeidere og arbeidere i den nye industrielle tidsalder, og erstattet den klassiske helten med den moderne proletaren, i verk der den volumetriske betydningen av figuren er spesielt relevant, som i El Pudelador ( 1885) og The Old Man , ved Monument to Labour i Brussel (1890-1905). [ 158 ] En annen bemerkelsesverdig skulptør var Aimé-Jules Dalou , en disippel av Carpeaux, som til tross for sin naturalisme betegner en viss barokk innflytelse, i verker som: Bacchanal (1891), Woman drying her foot (1895) og The Triumph of Silenus ( 1898).

Den europeisk-baserte amerikaneren John Singer Sargent var den mest suksessrike portrettmaleren i sin tid, samt en talentfull landskapsmaler og tegner som forlot et stort antall akademier . Påvirket av Velázquez , Frans Hals , Anton Van Dyck og Thomas Gainsborough , hadde han en elegant og virtuos stil, som han demonstrerte også i nakenbilder som Naked Boy on the Beach (1878) og Nicola D'Inverno (1892).

Realismen hersket også i Spania på midten av århundret: Eduardo Rosales tok for seg en rekke sjangere, og selv om han produserte få nakenbilder ( Woman asleep , 1862; Woman leaving the bathroom , 1869), fortjener de å bli kjent for sin kvalitet. Det er også verdt å fremheve et enkelt verk av Raimundo Madrazo , After the Bath (1895), med en beundringsverdig design og komposisjonell sans. Mariano Fortuny , utdannet i nazarenisme , laget flere verk med et orientalsk tema ( La odalisca , 1861), sammen med sjangerscener eller nakenbilder satt i landskap ( Idyll , 1868; Valg av modell , 1870-1874; Naken gammel mann i solen , 1871; Carmen Bastián , 1871-1872; Naken på stranden ved Portici , 1874). Andre artister var: Casto Plasencia ( El abduction de las sabinas , 1874), José Jiménez Aranda ( Slave til salgs , 1897), Enrique Simonet ( And he had a heart!, 1890; The Judgment of Paris , 1904) og som en skulptør, Ricardo Bellver ( The Fallen Angel , 1877). [ 159 ]

Ung jente i grønt (1859), av Camille Corot , Musée d'Art et d'Histoire , Genève .   The Odalisque (1861), av Mariano Fortuny , MNAC , Barcelona .   The Fallen Angel (1877), av Ricardo Bellver , Retiro Gardens i Madrid .   Den gamle mannen , ved monumentet til arbeid (1890–1905), av Constantin Meunier , Brussel .   Portrett av Nicola D'Inverno (1892), av John Singer Sargent .

Impresjonisme

Impresjonisme var en dypt nyskapende bevegelse som markerte et brudd med akademisk kunst og en transformasjon av kunstnerisk språk, og banet vei for avantgardebevegelser . Impresjonistene ble inspirert av naturen, hvorfra de prøvde å fange et visuelt "inntrykk", fangst av et øyeblikk på lerretet -ved påvirkning av fotografi-, med en teknikk med løse penselstrøk og lyse og lyse toner, spesielt verdsatt lys. [ 160 ]

Impresjonistenes arbeid var et stort brudd med den klassiske tradisjonen, og unnfanget en ny billedstil som søkte sin inspirasjon i naturen, vekk fra all konvensjonalisme og enhver form for klassisk eller akademisk regulering. Dermed var Le Déjeuner sur l'Herbe (1863) av Édouard Manet i sin tid en fullstendig skandale, til tross for at den tydelig var påvirket av de klassiske konturene til Raphael, selv om kontroversen ikke kom fra selve nakenen, men fra å være en uberettiget naken ..., en anonym, moderne kvinne. [ 161 ] En annen revolusjon fremmet av Manet var hans Olympia (1863), med en karavaggesk atmosfære som ga den et aspekt av delikat affeksjon, men hvis plausible utseende forårsaket en skandale i sin tid, og tvang forfatteren til å forlate Paris. Olympia er en ekte kvinne av kjøtt og blod – skamløst ekte, siden hun representerer en prostituert – og hun er i en ekte setting, ikke i en bukolisk skog eller pittoreske ruiner. Det er en intim scene, som viser betrakteren den mest private fasett av mennesket, hans intimitet. På den annen side gir modellens spesifikke og individualiserte trekk henne en egen identitet, langt fra de idealiserte ansiktene til den klassiske naken. [ 162 ]

Andre forfattere fortsatte veien som ble startet av Manet, som Edgar Degas , som etter noen tidlige nakenbilder påvirket av ingress, utviklet seg til en personlig stil basert på tegnedesign, hovedsakelig opptatt av transkripsjon av bevegelse, i scener fulle av liv og spontanitet. Degas beveget seg frivillig bort fra kanonene for konvensjonell skjønnhet, og valgte en underutviklet, ungdomskroppstype, som man kan se i Young Spartans (1860) og dens representasjoner av dansere. På den annen side har verkene hans en markert øyeblikksbildekarakter, for øyeblikket tatt spontant, på grunn av påvirkning fra fotografi og japanske trykk , med en viss komponent av voyeurisme ( Woman in the bathroom , 1880; After the bath , 1883; Woman Drying Her Feet , 1886; La toilette , 1886; Woman Drying Her Neck After Bading , 1895). [ 163 ] Degas initierte en undersjanger innen naken, den av toalettet , kvinner på badet, som utførte sin personlige hygiene, som ville ha stor utvikling på slutten av 1800-tallet og begynnelsen av 1900-tallet. I sin serie med nakenbilder av kvinner som bader, vasker, tørker, kjemmer eller blir kjemmet , presentert på den siste impresjonistiske utstillingen i 1886, forsøkte han å tilby en ny visjon av naken, vist fra siden eller bakfra, men ikke fra for å synliggjøre effekten av et stjålet øyeblikk, og at det ikke ser ut til at de presenterer seg for offentligheten; med hans egne ord: «til nå hadde nakenen blitt presentert i stillinger som forutsatte publikum. Men kvinnene mine er enkle, ærlige mennesker som bare bryr seg om deres fysiske omsorg. Her er en annen: hun vasker føttene og det er som om jeg ser på henne gjennom nøkkelhullet. [ 164 ]

Men Renoir var en av de største fortolkerne av kvinnekroppen, som han transkriberte på en realistisk måte, men med en viss grad av tilbedelse som ga den et preg av idealisert perfeksjon. I la Baigneuse au griffon (1870) ble han inspirert av en gravering på Afrodite av Cnidus , mens komposisjonskonseptet er hentet fra Courbet. Renoir forsøkte å syntetisere den klassisistiske kanoniske holdningen med en atmosfære av naturlig virkelighet, i lysende og stemningsfulle miljøer som avslørte en rolig og rolig visjon om nakenhet, et ideal om fellesskap med naturen. Han forsøkte å fortynne omrisset av figurene sine, etter den impresjonistiske teknikken, gjennom en flekk av rom med flekker av lys og skygge, og hentet inspirasjon fra den venetianske skolen for å fange form gjennom farger, som sett i Anna (1876) og Torso (1876 ) ). Senere, i et forsøk på å forenkle naken, ble han inspirert av freskene til Raphaels La Farnesina, samt maleriene til Pompeii og Herculaneum, som angitt i hans Baigneuse blonde (1882). I Grandes baigneuses (1885-1887) malte han skulpturelle nakenbilder, inspirert av Nymfefontenen ved Girardon ( Versailles ), med flytende linjer og en stor følelse av lettelse. I sine siste verk ble han påvirket både av den aleksandrinske hellenismen og av Michelangelos manerisme og barokken til Boucher og Clodion, med fyldige figurer med et sprudlende aspekt og en naturlig holdning til kroppen og miljøet som omgir dem, generelt elver, innsjøer, skoger og strender ( Sittende Bather , 1885; Bather Drying Off , 1895; The Trial of Paris , 1908-1910; Bathers , 1916). [ 165 ]

Arvingen til impresjonismen var neo- impresjonismen , en stil som er grunnleggende basert på den pointillistiske teknikken , bearbeidingen av maleriet med fargepunkter. En av hovedrepresentantene var Georges Seurat , som gjennom hele sin karriere viste en forkjærlighet for ulike temaer, som sjølandskap, countryscener, sirkus, music-hall og naken. Hans hovedarbeid på dette feltet var The Models (1886-1888), hvor han ønsket å vise at den pointillistiske teknikken var egnet for enhver sjanger, siden han ofte ble kritisert for kun å vite hvordan man lager landskap ved hjelp av den teknikken. I dette verket tolket han det velkjente temaet til de tre nådene i en moderne toneart, ved hjelp av noen tegnemodeller plassert i kunstnerens eget verksted, med en visjon som på en viss måte står i gjeld til Ingres verk. [ 166 ]

Senere var de såkalte postimpresjonistene en serie kunstnere som, basert på de nye tekniske oppdagelsene som ble gjort av impresjonistene, omtolket dem på en personlig måte, og åpnet opp forskjellige utviklingsveier av stor betydning for utviklingen av kunst i Det 20. århundre. Dermed, mer enn en viss stil, var postimpresjonisme en måte å gruppere forskjellige kunstnere av forskjellige tegn. Paul Cézanne strukturerte komposisjonen i geometriske former ( sylinder , kjegle og sfære ), i en analytisk syntese av den forløpende virkeligheten til kubismen . Han behandlet naken som landskap eller stilleben, som et uttrykk for forholdet mellom fargevolumer nedsenket i lys, som i hans Bathers (1879-1882) på Petit-Palais i Paris. Paul Gauguin eksperimenterte med dybde, og ga en ny verdi til billedplanet, med flate farger av symbolsk natur. Etter noen begynnelser i pointillisme ( Study of a Nude , 1880) og et opphold i Pont-Aven med Nabis ( The Yellow Christ , 1889), tjente hans opphold på Tahiti til å gjenskape en verden av primitiv fredlighet der nakenhet ble naturlig sett, som sett i I Raro te Oviri (1891), The Loss of Inocence ( 1891), The Tahitian Eva (1892), Two Tahitian Women on the Beach (1892), Woman in the Sea (1892), Manao tupapau (1892), The Månen og jorden (1893), Otahí eller ensomhet (1893), Deilig dag (1896), Kvinnen med mango (1896), Hvor kommer vi fra? Om oss? Hvor går vi? (1897), Vairumati (1897), Nevermore (1897), Og gullet i kroppene deres (1901), etc. Henri de Toulouse-Lautrec studerte, i motsetning til stiliserte nakenbilder i akademiske salonger, kvinneskikkelsen i sin blodigste kjødelighet, uten å ignorere kroppens ufullkommenhet, med en preferanse for sirkus- og musikkhallscener , eller miljøer som bohemer og bordeller: Fat Marie (1884), Woman Pulling Her Stockings (1894), The Medical Inspection (1894), Two Friends (1894-1895), La Toilette (1896), The Woman Lifting Her Shirt (1901), etc. Vincent van Gogh var forfatteren av verker med sterk dramatikk og interiørutforskning, med slyngede og tette penselstrøk, av intens farge, deformerende virkelighet, som han ga en oneirisk luft. Han produserte få nakenbilder, de fleste av dem i Paris i 1887: Female Nude Reclining , Female Nude on a Bed , Female Nude from the Back . [ 167 ]

Innen skulpturfeltet var Auguste Rodin en stor innovatør, ikke bare på det fysiske planet, men også på tematisk innovasjon, mer fokusert på det vanlige mennesket, det fra hans tid og hans miljø, allerede langt unna mytologi og religion. . Han var en dyp kjenner av menneskekroppen, som han behandlet intimt, med en sterk komponent av psykologisk introspeksjon. Han fikk en viss innflytelse fra Michelangelo og Delacroix, men i hovedsak var arbeidet hans nyskapende, og brakte nye typologier til temaet naken. For å gjøre dette brukte han modeller som han lot vandre fritt rundt i studioet sitt, og tok i bruk alle slags mulige former, som Rodin mesterlig fanget for å forevige spontaniteten til ethvert øyeblikk og enhver holdning. Hans skikkelser har en tendens til dramatisme, til tragisk spenning, til uttrykk for konseptet kunstneren hadde om menneskets kamp mot skjebnen. I mer enn tretti år laget han således figurer for et uferdig prosjekt, The Gates of Hell (1880-1917) for Museé des Arts Décoratifs i Paris - for tiden i Rodin-museet -, hvis prosjekt ble brutt av flere verk som forble som uavhengige skikkelser, for eksempel The Thinker (1880-1900), som han ble inspirert av Carpeauxs Ugolino , eller The Kiss (1886-1890), som representerer kjærlighetsforholdene til Paolo og Francesca fortalt i The Divine Comedy . Andre verk av ham var Bronsealderen (1877), Døperen Johannes (1878), Eva (1881), Vinteren (eller La Belle Heaulmière , 1884-1885), Martyren (1885), Torsoen (1889), The Musa (1896), Three Shadows (1899), Danaide (1901), etc. Rodins spor ble fulgt av skulptører som Antoine Bourdelle ( Hercules the Archer , 1909), Camille Claudel ( The Imploring Woman , 1894-1905; Maturity , 1899-1913), Joseph Bernard ( The Girl with the Cauldron , 1910 og Charles Despiau ) ( Eva , 1925). [ 168 ]

Svensken Anders Zorn produserte uforskammet overdådige og sunne nakenbilder, vanligvis i landskap, med levende effekter av lys på huden, i strålende fargerike penselstrøk, som i Outdoors (1888), The Bathers (1888), Women Bathing in the sauna (1906) , Solbadepike (1913), Helga (1917), Studio Idyll (1918). [ 169 ]

I Spania skilte arbeidet til Joaquín Sorolla seg ut , som tolket impresjonismen på en personlig måte, med en løs teknikk og kraftig penselarbeid, med lyse og følsomme farger, hvor lyset får spesiell betydning, lysmiljøet som omgir scenene hans med middelhavstema. ..., på strender og sjølandskap der barn leker, selskapsdamer rusler eller fiskere utfører oppgavene sine. Noen nakenbilder vises i arbeidet hans, for eksempel Sad Heritance (1899), Nude Woman (1902), The Horse's Bath (1909), Children on the Beach (1910), After the Bath (1911), etc. Hans disipler var: hans svigersønn Francisco Pons Arnau ( komposisjon ), Ignacio Pinazo ( naken fra forsiden , 1872-1879), Rigoberto Soler ( Nineta , After the Bath ) og Julio Moisés ( Eva , Pili ). [ 170 ]

Olympia (1865), av Édouard Manet , Musée d'Orsay , Paris .   Girl in the Bath (1885), av Edgar Degas , Pushkin-museet , Moskva .   Reclining Female Naken (1887), av Vincent van Gogh , S. Van Deventer Collection, De Steeg .   Delicious Land (Te navenave fenua) (1892), av Paul Gauguin , Ohara Museum of Art, Kurashiki (Okayama) .   Woman's Naken (1902), av Joaquín Sorolla , Sorolla Museum , Madrid .

Symbolikk

Symbolikken var en fantastisk og oneirisk stil, som oppsto som en reaksjon på naturalismen til den realistiske og impresjonistiske strømmen, og la spesiell vekt på drømmenes verden, så vel som på sataniske og skremmende aspekter , sex og perversjon . Et hovedtrekk ved symbolismen var estetisme , en reaksjon på den rådende utilitarismen på den tiden og på den industrielle tidsalders stygghet og materialisme. Mot dette oppsto en trend som ga kunst og skjønnhet sin egen autonomi, syntetisert i Théophile Gautiers formel l'art pour l'art ("kunst for kunstens skyld"), til og med når man snakker om "estetisk religion". ». [ 171 ] Denne holdningen søkte å isolere kunstneren fra samfunnet, autonomt søkte sin egen inspirasjon og lot seg rive med utelukkende av en individuell søken etter skjønnhet. [ 172 ]

Et av kjennetegnene til symbolikken er den mørke tiltrekningen til den perverse kvinnen, femme fatale , Eva forvandlet til Lilith , den gåtefulle og fjerne kvinnen, urovekkende, kvinnen som Manuel Machado definerte som "skjør, ond og mystisk, en før -Rafaelittjomfru og pariserkatt. Hun er en kvinne som er elsket og hatet, tilbedt og utskjelt, opphøyet og forkastet, dydig og syndig, som vil ta en rekke symbolske og allegoriske former, som sfinksen , havfruen , kimæren , medusaen , bevinget ånd, etc. En type kunstig og androgyn skjønnhet ble moteriktig , tvetydig, en type Leonardesk skjønnhet , med ubestemte trekk, som ville ha en symbolsk ekvivalent i blomster som lilje eller dyr som svanen og påfuglen . [ 173 ]

Symbolismen utviklet seg spesielt i Frankrike, en av initiativtakerne var Gustave Moreau , en kunstnerarving til romantikken, som samtidig følte stor hengivenhet til mesterne i den italienske Quattrocento. Arbeidene hans er av en fantastisk snitt og ornamental stil, med brokete komposisjoner tett befolket med alle slags gjenstander og planteelementer, med en suggestiv erotikk som gjenspeiler hans frykt og tvangstanker, med en tvetydig prototype av en kvinne, mellom uskyld og perversitet: Ødipus and the Sphinx (1864), Orpheus (1865), Jason and Medea (1865), Leda (1865-1875), The Chimera (1867), Prometheus (1868), The Abduction of Europa (1869), The Sirens (1872) , The apparition (1874-1876), Salome (1876), Hercules and the Hydra of Lerna (1876), Galatea (1880), Jupiter and Semele (1894-1896). [ 174 ]

Kunstnere som Pierre Puvis de Chavannes fulgte i fotsporene hans , som laget store veggdekorasjoner der han vendte tilbake til linearitet etter de impresjonistiske eksperimentene, med melankolske landskap der nakenfiguren florerer, som i Work (1863), Autumn (1865), Hope ( 1872), Ungdom ved kysten (1879), Hellig skog av kunst og muser (1884-1889), etc. Odilon Redon utviklet et verk med et sterkt oneirisk innhold, og fant en uuttømmelig kilde til inspirasjon i drømmer, med en stil basert på myk tegning og fosforescerende farger ( El cíclope , 1898-1900). Aristide Maillol begynte i maleriet, med stor interesse for kvinneskikkelsen i naturen ( Mediterránea , 1898; La ola , 1898; Two Nudes in a Landscape , 1900), for senere å gå over til skulptur, hvor han fant sine uttrykksmidler. passende: Natten (1902-1909), Middelhavet (1902-1923), Chained action (1906), Young cyclist (1908), Baderen tørker seg (1921), The Venus of the necklace (1930), De tre nymfene (1930 ) - 1937), The Mountain (1937), The River (1938-1943), The Air (1939). [ 175 ]

På Pont-Aven møttes en gruppe kunstnere kjent som Nabis , påvirket av Gauguin og opptatt av ekspressiv bruk av farger. Blant medlemmene var: Félix Vallotton , som utviklet en ironisk stil med konnotasjoner av svart humor, med skamløs erotikk, der kroppene har en flat konstitusjon, av japansk innflytelse, med ansikter som ser ut som masker ( Bading på en sommerettermiddag , 1892) ; Pierre Bonnard , som malte nakenbilder under forskjellige typer lys, både naturlig og kunstig, generelt i intime, soverom og boudoir- scener , med en smak for refleksjoner i speil, ofte med fotografier ( Woman Lying on the Bed , 1899; La Siesta , 1900; The Man and the Woman , 1900; Nude Against the Light , 1907; Mirror Effect , 1909; Dressing Table and Mirror , 1913; Nude in the Bucket , 1916); og Charles Filiger , som utviklet en middelalderinspirert stil – spesielt fra gotisk glassmaleri – av flate farger med svarte konturer, som i The Reclining Christ (1895), inspirert av Holbeins The Corpse of Christ in the Sepulcher , redusert til former. enkel og ren, som viser en symbolsk åpenhet som gjør Kristus til en transcendental figur, stemningsfull, av en naivitet som antyder renhet. [ 176 ]

I Belgia ble Félicien Rops også inspirert av verden av det fantastiske og det overnaturlige, lent mot det sataniske og referanser til døden, med en erotikk som gjenspeiler det mørke og perverse aspektet av kjærlighet: The Cold Devils (1860), The Temptations of Saint Anthony (1878), Pornokrates (1878), The Sacrifice (1882). Jean Delville var interessert i det okkulte, og viste i sitt arbeid hemmelige tvangstanker, der figurene hans er en blanding av kjøtt og ånd: The Idol of Perversity (1891), The Treasures of Satan (1895), The School of Platon (1898), Kjærligheten til sjeler (1900). Innen skulpturen var George Minne forfatteren av Fountain with Kneeling Youths (1898-1906), der den samme figuren av en naken ungdom gjentas fem ganger rundt en dam, som Narcissus ser på bildet sitt reflektert i vannet, og leder blikket mot plass interiør på jakt etter løsningen på kvalen de reflekterer. [ 177 ]

I Nederland skilte Jan Toorop seg ut , forfatter av De tre brudene (1893), som betegner påvirkningen fra skyggedukker fra Java — der han ble født — med figurer med lange armer og en delikat silhuett. Piet Mondrian , før han nådde neoplastisk abstraksjon , laget noen symbolistiske verk, generert av hans interesse for esoterisme : Evolusjon (1910-1911) er en triptyk som viser tre fullstendig spirituelle nakenfigurer, som symboliserer tilgang til kunnskap og lysmystikk. [ 178 ]

I Storbritannia oppsto skolen til prerafaelittene , som ble inspirert – som navnet antyder – av de italienske malerne før Rafael , så vel som av det nylig oppståtte fotografiet . Selv om emnet deres var lyrisk og religiøst, taklet de også naken, som Dante Gabriel Rossetti ( Venus Verticordia , 1868), Edward Burne-Jones ( Pygmalion -serien , 1868-1870; The Garden of Pan , 1876; The Wheel of Fortune , 1883; The Three Graces , 1890), John Everett Millais ( Errant Knight Freeing a Belle , 1870), John William Waterhouse ( Hylas and the Nymphs , 1896), etc. Mellom pre-rafaelitt symbolikk og modernistisk dekorativisme var arbeidet til illustratøren Aubrey Beardsley , som produserte en rekke verk av erotisk karakter (som illustrasjonene hans for Lysistrata og Oscar Wildes Salome ) , med en stor satirisk og irreverent sans, med en stil basert på en veldig stilisert linje og store svarte og hvite flater. [ 179 ]

Tyskeren Franz von Stuck utviklet en dekorativ stil nær modernismen, selv om temaet er mer symbolistisk, med en erotikk av brennende sensualitet som gjenspeiler et konsept om kvinner som personifiseringen av perversitet: Sin (1893), Kiss of the sfinx (1895) , Luft, vann, ild (1913). I Østerrike gjenskapte Gustav Klimt en fantasiverden med en sterk erotisk komponent, med en klassisistisk komposisjon i en ornamental stil, der sex og død flettes sammen, og behandler seksualitet i aspekter som graviditet , lesbianisme eller onani uten tabuer . I Nuda Veritas (1899) beveget hun seg bort fra den ikonografiske symbologien om den kvinnelige naken, og ble et selvrefererende symbol, kvinnen er ikke lenger en allegori, men et bilde på seg selv og sin seksualitet. Hans andre verk er: Agitated Water (1898), Judith I (1901), the Beethoven Frieze (1902), Hope I (1903), The Three Ages of Women (1905), Danae (1907), Judith II (Salomé ) ( 1909), Venninnene (1917), Adam og Eva (1917-1918), etc. [ 180 ] Alfred Kubin var fremfor alt en tegneserieskaper, og uttrykte i sine tegninger en skremmende verden av ensomhet og fortvilelse, befolket av monstre, skjeletter, insekter og grusomme dyr, med eksplisitte referanser til sex, der den kvinnelige tilstedeværelsen spiller en ond og urovekkende rolle , som bevist i verk som Lubricity (1901-1902), der en priapisk hund trakasserer en ung kvinne sammenkrøpet i et hjørne; eller Saltomortale (1901-1902), der en liten homunculus hopper som i et basseng over en enorm hunnvulva. [ 181 ]

I Sveits ble Ferdinand Hodler påvirket av Dürer, Holbein og Raphael, med en stil basert på parallellisme, repeterende linjer, farger og volumer: The night (1890), Rise in space (1892), The day (1900), The Sensation ( 1901-1902), Ung mann beundret av kvinner (1903), Sannheten (1903). Arnold Böcklin var arving etter romantikken til Friedrich , med en allegorisk stil basert på legender og imaginære karakterer, gjenskapt i en fantastisk og besettende atmosfære, som i Venus Genitrix (1895). Tsjekkeren František Kupka var også interessert i det okkulte, og gikk gjennom en symbolistisk fase før han nådde abstraksjon: Woman and Money (1899), Ballad of Epona (The Joys) (1900), The Wave (1902). I Russland hadde Kasimir Malevich , den fremtidige grunnleggeren av Suprematismen , til å begynne med en symbolistisk fase, preget av erotikk kombinert med en viss mystikk av esoterisk karakter, med en stil som tenderer mot monokrom, med en overvekt av rødt og gult: Kvinne plukker blomster ( 1908), Holmeik og dryads (1908). [ 182 ]

Knyttet til symbolikk var også den såkalte naive kunsten , hvis forfattere var selvlærte , med en noe naiv og ustrukturert komposisjon, instinktiv, med en viss primitivisme, om enn fullt bevisst og uttrykksfull. Dens største eksponent var Henri Rousseau , som med utgangspunkt i akademiskismen utviklet et nyskapende verk med stor friskhet og enkelhet, med humoristiske og fantastiske innslag, og en forkjærlighet for eksotiske jungellandskap. Han laget noen nakenbilder, som Snake Charmer (1907), Eva (1907) og Sueño (1910). [ 183 ]

• The Temptations of Saint Anthony (1878), av Félicien Rops , Cabinet des Estampes de la Bibliothèque Royale Albert Ier, Brussel .

• The Sin (1893), av Franz von Stuck , Neue Pinakothek , München .

• Agitated Water (1898), av Gustav Klimt , Private Collection, New York .

• The Knight's Dream (1902), av Richard Mauch , privat samling.

• The Dream (1910), av Henri Rousseau , Museum of Modern Art, New York .

• Nakenbilder (1919), av Suzanne Valadon , São Paulo kunstmuseum .

20. århundre

Kunsten på 1900-tallet gjennomgikk en dyp transformasjon: i et mer materialistisk , mer forbrukeristisk samfunn , er kunsten rettet mot sansene, ikke intellektet. På samme måte har motebegrepet fått spesiell relevans , en kombinasjon av kommunikasjonshastigheten og det forbrukeristiske aspektet av dagens sivilisasjon. Slik oppsto avantgardebevegelsene , som forsøkte å integrere kunst i samfunnet , og søkte en større kunstner-tilskuer-relasjon, siden det er sistnevnte som tolker verket, og er i stand til å oppdage betydninger som kunstneren ikke engang visste. De siste kunstneriske trendene har til og med mistet interessen for det kunstneriske objektet : tradisjonell kunst var en gjenstandskunst, den nåværende konseptkunsten . Det er en revurdering av aktiv kunst , av handling, av spontan, flyktig manifestasjon , av ikke-kommersiell kunst (konseptuell kunst , happening , miljø ). [ 184 ]

På 1900-tallet har nakenen blitt mer og mer fremtredende, spesielt takket være massemediene , som har tillatt dens større spredning, spesielt innen kino , fotografi og tegneserier , og i det siste, internett . Det har også spredt seg i stor grad i reklame , på grunn av dets økende sosiale aksept, og er en stor påstand for folk. Nakenen har ikke lenger den negative klangen den hadde i tidligere tider, hovedsakelig på grunn av økningen i sekularismen i samfunnet, som oppfatter naken som noe mer naturlig og ikke moralsk forkastelig. Slik sett har nudisme og naturisme blitt populært de siste årene, og ingen blir sjokkert over å se en annen naken person på en strand. Det er også nødvendig å fremheve den voksende kulten av kroppen, med praksiser som bodybuilding , fitness og aerobic , som gjør at kroppen kan formes i henhold til standarder som anses som estetiske.

Avantgarde

I de første årene av 1900-tallet ble grunnlaget for såkalt avantgarde-kunst smidd: virkelighetsbegrepet ble stilt spørsmål ved nye vitenskapelige teorier ( Bergsons subjektivitet av tid , Einsteins relativitet , kvantemekanikk ) ; det påvirket også Freuds teori om psykoanalyse . På den annen side førte nye teknologier til at kunsten endret funksjon, siden fotografi og kino allerede hadde ansvaret for å fange virkeligheten. Takket være de etnografiske samlingene som ble fremmet av europeisk kolonialisme , hadde kunstnere kontakt med kunsten til andre sivilisasjoner ( afrikanske , asiatiske , oseaniske ), som ga en mer subjektiv og emosjonell syn på kunst. Alle disse faktorene førte til en endring i følsomheten som resulterte i kunstnerens søken etter nye uttrykksformer. [ 185 ]

Den kunstneriske avantgarden hadde som mål å blåse nytt liv i kunsten, å vende tilbake til de naturlige røttene til design og kunstnerisk komposisjon, som de gjorde opprør mot akademisk kunst for, underlagt regler om at disse nye kunstnerne så ut til å oppheve kreativitet og kreativitet.kunstnerisk inspirasjon. To av de første verkene som representerte en revolusjon innen kunst ved århundreskiftet var nakenbilder: Matisses Blue Nude og Picassos Les Demoiselles d' Avignon , begge fra 1907. I disse verkene blir nakenen en symbolsk, konseptuell , en referanse til livets renhet uten regler, uten begrensninger, en retur til naturen, til den subjektive oppfatningen av kunst. Reduksjonen av den menneskelige figuren til grunnleggende, skjematiske former, begynte i disse to verkene veien mot abstraksjonen av form, som ville bli redusert til grunnleggende linjer og geometriske strukturer, slik som Constantin Brâncuşis Nude , hvor en kvinnelig overkropp er redusert. til en enkel sylindrisk form. [ 186 ]

Fauvisme (1905–1908)

Fauvisme regnes som den første avantgardebevegelsen . [ note 15 ] Fauves avstår fra perspektiv, modellering og chiaroscuro, eksperimenterer med farger, som er unnfanget på en subjektiv og personlig måte, og bruker emosjonelle og uttrykksfulle verdier, uavhengig av naturen. Dens viktigste representant var Henri Matisse , en disippel av Gustave Moreau , som åpnet dørene til fargens uavhengighet fra motivet, organiserte rommet i henhold til fargeplanene og søkte nye sensasjoner gjennom den sjokkerende effekten av voldelige områder med skarpe farger. Til tross for ønsket om å modernisere, beholdt Matisse klassiske elementer, som naken: i 1898 begynte han sin personlige stil med Nude before the window , hvor han begynte å bruke farger vilkårlig, ikke imitativt; maleriet gjenskaper en annen virkelighet, der fargen er autonom fra formen. I Luxury, calm and voluptuousness (1905) brukte han grunnfarger (rød, gul, blå) og komplementærfarger (fiolett, oransje, grønn), ordnet etter soner og strukturert av geometriske figurer. Med Blue Nude (1906-1907) begynte han en forenkling av den menneskelige formen på jakt etter en perfekt syntese av kroppens struktur, en prosess som ville besette ham i mange år og som skulle kulminere i Pink Nude (1935) . [ 187 ] I The Luxury (1907) fokuserte han på den menneskelige figuren, med en trekantet komposisjon og vilkårlige farger, som understreket bevegelsen til figuren, og med skjematiske ansikter. Luxe II (1907) er en andre, mer presis versjon, med rene, flate fargeflekker, som fremhever nelliken til en lakserosa, som ville være typisk for Matisse. Badere med en skilpadde (1908) har en stram, abstrakt bakgrunn av fargestriper, og skaper rom gjennom fargeforskjellen. Black-Gold Nude (1908) er påvirket av negerafrikanske utskjæringer, med en tone nær tre og mandelformede øyne. Dance (1910) er en studie av den menneskelige figuren i bevegelse, med en overdreven skjematikk og stor strenghet i farger, redusert til rødt og blått - han laget to store veggmalerier på Dance , ett i Moskva (1910) og et annet i Philadelphia (1931 ) ). [ 188 ] Odalisque in Red (1924) er påvirket av Modigliani , myknet opp med en viss renessanseluft. I Feminin figur på ornamental bakgrunn (1925) gjenvunnet han innflytelsen fra Moreau, med stor dekorativitet og horror vacui . I Pink Nude (1935) oppfattes innflytelsen fra Mondrian , med abstrakte figurer og rutenettbakgrunn, i svart og hvitt. Andre verk av ham er: The Joy of Living (1906), Upright Nude (1907), Bowling (1908), Two Negresses (1908), Still Life with Dancing Figures (1909), Nude in Sunlit Landscape (1909), Red Fish and Sculpture (1911), Naken med et spansk teppe (1919), The Hindu Pose (1923), Naken på en blå pute (1924), The Odalisque in Red Breeches (1924-1925), Naken på en rød bakgrunn (1926) , Large Liggende naken (1935), Liggende naken på ryggen (1944), etc.

Kunstnere som André Derain fulgte i fotsporene til Matisse , som i sitt arbeid betegner innflytelsen fra primitiv kunst: i The Golden Age (1905) praktiserte han en viss makropointillisme , og la merke til innflytelsen fra Matisses Luksus, ro og vellydighet . Maurice de Vlaminck hadde en forkjærlighet for rene farger, med et volum av Cézannisk opprinnelse: i Reclining Nude (1905) og Women Bathing (1908) utførte han en matissian-behandling av den kvinnelige naken. Albert Marquet hadde en mer naturalistisk stil, med en forkjærlighet for landskap, selv om han produserte nakenbilder som: Fauvist Nude (1898), Backlit Nude (1909-1911) og Nude on a Blue Background (1913). Kees van Dongen var en lidenskapelig stripper, og regnet med utallige modeller fra det parisiske høysamfunnet, hvor han var veldig moteriktig i mellomkrigstiden . Hans verk inkluderer: Kvinnen med juvelene (1905), Anita (1905), Akrobatene med nakne bryster (1906), Naken pike (1907), etc. [ 189 ]

Ekspresjonisme (1905–1923)

Oppstått som en reaksjon på impresjonisme , forsvarte ekspresjonistene en mer personlig og intuitiv kunst, der kunstnerens indre visjon — «uttrykket»— seiret over uttrykket av virkeligheten — «inntrykket»—, og reflekterte i verkene deres et personlig tema. og intim med smak for den fantastiske, deformerende virkeligheten for å fremheve verkets uttrykksfulle natur. I Tyskland , dets viktigste diffusjonssenter, var det organisert rundt to grupper: Die Brücke (grunnlagt i 1905), og Der Blaue Reiter (grunnlagt i 1911), selv om det var noen kunstnere som ikke var knyttet til noen gruppe. [ 190 ]

Medlemmene av Die Brücke var interessert i en type tema sentrert om livet og naturen, reflektert spontant og instinktivt, så hovedtemaene deres var naken — enten innendørs eller utendørs — samt sirkusscener og musikksal , hvor de fant den maksimale intensiteten de kunne trekke ut av livet. Dette temaet ble syntetisert i verk om badende som medlemmene fortrinnsvis produserte mellom 1909 og 1911 under oppholdet ved innsjøene nær Dresden : Alsen, Dangast, Nidden, Fehmarn, Hiddensee, Moritzburg, etc. De er verk der de uttrykker fordomsfri naturisme - i tråd med Wandervögel , livet på landsbygda strippet for tabuer og fordommer -, en nesten panteistisk følelse av fellesskap med naturen, mens de teknisk renser paletten deres, i en prosess med subjektiv deformasjon av form og farge, som får en symbolsk betydning. Med ordene til Kirchner var målet hans "å studere naken i all naturlighet, grunnlaget for all plastisk kunst." [ 191 ]

En forløper for ekspresjonismen var Edvard Munch : opprinnelig påvirket av impresjonisme og symbolisme, drev han snart mot en personlig stil som ville være en sann refleksjon av hans obsessive og torturerte interiør, med scener med en undertrykkende og gåtefull atmosfære – fokusert på sex, sykdom og død – preget av den slyngede sammensetningen og sterke, vilkårlige farger. I Madonna (1895-1904) presenterte han en kvinneskikkelse med naken overkropp, i en tvetydig holdning, mens kroppen antyder sensualitet, ansiktet med lukkede øyne og vendt oppover gir en følelse av mystikk, av introspeksjon; i rammen er et foster , som sammen med en spermlinje antyder kunstnerens avvisning av menns tradisjonelle holdning til kvinner. I Puberteten (1914) portretterte han en ungdom med et sløvt blikk, og reflekterte i ansiktet hennes den meditative og forvirrede tilstanden som betegner overgangen fra en jente til en kvinne, hvis dype psykologiske introspeksjon kunstneren har klart å mesterlig gjenskape med rene farger og forvrengning. linjer. Det tilhører en serie verk laget mellom 1890 og 1908, med hvilke Munch hadde til hensikt å skape en "frise av menneskeliv", fast bestemt på å analysere alle problemene som stammer fra ensomhet, sykdom, avhengighet, utilfredsstilt kjærlighet og alderdom – spesielt i ungdoms- og alderdom. Disse verkene betegner en stor psykologisk analyse, men avslører en viss sykelig og urovekkende komponent, som uforskammet utforsker dypet av menneskets indre. [ 192 ]

Arbeidet til Emil Nolde var også en presedens : på begynnelsen av århundret brukte han den divisjonistiske teknikken , med veldig tykk impasto og korte penselstrøk, og med en sterk kromatisk utladning, av post-impresjonistisk innflytelse. Senere forlot han prosessen med å imitere virkeligheten, og betegnet i verket en indre rastløshet, en vital spenning, en spenning som gjenspeiles i verkets indre puls. Slik oppfattes det i nakenbilder som: Dans rundt gullkalven (1910), Stilleben med dansere (1914) og Entusiasten (1919). [ 193 ] En annen referent var Lovis Corinth : opplært i impresjonisme - hvorav han var en av hovedfigurene i Tyskland sammen med Max Liebermann og Max Slevogt - modnet han mot ekspresjonisme med en serie verk av psykologisk introspeksjon, med et tema fokusert på det erotiske og makabre. Selv om han fortsatte å være forankret i optisk trykking som en metode for å skape verkene sine, fikk uttrykksevnen stadig større fremtreden, og kulminerte i Den røde Kristus (1922), en religiøs scene med bemerkelsesverdig angst nær Noldes visjoner. Andre verk av ham er Lying Nude (1895) og Salomé (1899). [ 194 ]

Av medlemmene av Die Brücke skilte Ernst Ludwig Kirchner seg ut : en stor tegner, siden han besøkte en utstilling av Dürers tresnitt i 1898 begynte han å lage trestikk, materiale hvor han også laget utskjæringer av afrikansk innflytelse, med en uregelmessig finish, uten polering, fremhever de seksuelle komponentene ( Dancer , 1911). Som maler brukte han primærfarger, som Fauves, med en viss innflytelse fra Matisse, men med brutte, voldsomme linjer - i motsetning til Matisses avrundede - i lukkede, skarpe vinkler, med stiliserte figurer, med en forlengelse av gotisk innflytelse. Verkene hans inkluderer: Par på sofaen (1908), Ung mann med en japansk parasoll (1909), Marzella (1909-1910), Badere i et interiør (1909-1920), Badere i Moritzburg (1909-1926), Liggende naken Before the Mirror (1910), Nakenbilder i solen (1910-1920), Nakenbilder i landet (1910-1920), To nakenbilder med basseng og komfyr (1911), Nakenbilder med svart hatt (1911-1912), Rettssaken mot Paris (1912), Three Baders (1913), etc. [ 195 ]

Andre medlemmer av Die Brücke var: Erich Heckel , som mellom 1906 og 1907 laget en serie vangoghiske komposisjonsmalerier, med korte penselstrøk og intense farger - hovedsakelig gule - med tett pasta. Senere utviklet det seg til mer ekspresjonistiske temaer, som sex, ensomhet og isolasjon: Badere i rush (1909), Nakenbilder ved dammen (1910), Scene ved sjøen (Kvinner som bader) (1912), Dagen krystallinsk (1913) . [ 196 ] Karl Schmidt-Rottluff praktiserte først makropointillisme , før han gikk over til en ekspresjonisme av skjematiske figurer og skarpe ansikter, med løse penselstrøk og intense farger: Girl Washing Herself (1912), After the Bath (1912), Four Bathers in the strand (1913). [ 197 ] Max Pechstein reiste til Oseania i 1914 , og mottok som så mange andre kunstnere på den tiden påvirkningen fra primitiv og eksotisk kunst: Woman and Indian on a carpet (1909), Outdoors (Bathers in Moritzburg) (1910), Three Nakens in a Landscape (1911), Dawn (1911), Dance, Dancers and Bathers at the Forest Pond (1912), Palau Triptych (1917). [ 198 ] Otto Mueller laget verk om landskap og nakenbilder med skjematiske og kantete former der innflytelsen fra Cézanne og Picasso oppfattes. Hans nakenbilder er ofte satt i naturlige landskap, som beviser påvirkningen fra Gauguins eksotiske natur. Deres slanke, slanke figurer er inspirert av Cranach , hvis Venus han hadde en gjengivelse av i studiet sitt. De er nakenbilder med stor enkelhet og naturlighet, uten provoserende eller sensuelle trekk, og uttrykker en ideell perfeksjon, nostalgien til et tapt paradis, der mennesket levde i fellesskap med naturen: Tre nakenbilder i skogen (1911), Nakenbilder til fots of the Water (1913), Forest Pond with Two Nudes (1915), Young Man in the Rose Bushes (1918), Two Women Sitting on the Dunes (1922), Two Girls in the Grass (1926). [ 199 ]

Utenfor de viktigste ekspresjonistiske gruppene skilte arbeidet til Paula Modersohn-Becker seg ut : under besøk i Paris mellom 1900 og 1906 ble hun påvirket av Cézanne, Gauguin og Maillol, og personlig kombinerte de tredimensjonale formene til Cézanne og de lineære designene til Gauguin, hovedsakelig i portretter og morsscener, samt nakenbilder, som minner om en ny oppfatning av forholdet mellom kropp og natur, som i knelende mor med barn (1907). [ 200 ] I Wien skilte Egon Schiele seg ut, en disippel av Klimt, hvis arbeid dreide seg om et tema basert på seksualitet, ensomhet og isolasjon, med en viss atmosfære av voyeurisme , med svært eksplisitte verk som han til og med ble fengslet for, anklaget for. av pornografi . Dedikert hovedsakelig til tegning, ga han en viktig rolle til linjen, som han baserte komposisjonene sine med, med stiliserte figurer nedsenket i et trykkende, anspent rom. Han gjenskapte en repeterende menneskelig typologi, med en langstrakt, skjematisk kanon, vekk fra naturalismen, med levende, opphøyde farger, som understreket den lineære karakteren, konturen. Noen av verkene hans blant hans omfattende produksjon er: Naken ung kvinne med armene over brystet (1910), Liggende naken med armene tilbake (1911), To jenter (1911), Sittende naken kvinne (1914), Par kvinner ( 1915), Liggende naken (1917), Omfavnelsen (1917), etc. [ 201 ]

I skulpturen skilte Georg Kolbe seg ut , dedikert spesielt til naken, med dynamiske figurer, i rytmiske bevegelser nær ballett , med en vital, munter og sunn holdning. Hans mest kjente verk var Morgenen , utstilt i den tyske paviljongen bygget av Ludwig Mies van der Rohe for den internasjonale utstillingen i Barcelona i 1929 . På den annen side skapte nordmannen Gustav Vigeland mellom 1924 og 1942 et ekstraordinært sett med skulpturer i Frognerparken i Oslo — senere kalt Vigelandsparken — med mer enn hundre nakenfigurer, som representerer menneskeliv analysert i ulike stadier og tidsaldre. av livet, fra barndom til alderdom, med en rolig og trygg, sunn og optimistisk stil, som uten fordommer eller moraliserende uttrykker den fulle og naturlige meningen med livet. [ 202 ]

I Frankrike ble den såkalte School of Paris dannet , en heterodoks gruppe kunstnere som arbeidet i mellomkrigstiden , knyttet til ulike kunstneriske stiler som postimpresjonisme, ekspresjonisme, kubisme og surrealisme. En av hovedeksponentene var Amedeo Modigliani , en kunstner med et bohemliv, fordypet i sex, narkotika og alkohol. Han fikk en klassisk opplæring, hvor han fikk en preferanse for mannerisme og den venetianske skolen. I 1902 studerte han ved Scuola Libera di Nuodo i Firenze , spesielt dedikert til naken. [ 203 ] I sine arbeider la han sterkt vekt på konturen, med flytende linjer, arvinger til den modernistiske arabesken , mens rommet ble dannet av sammenstillingen av fargeplan, med langstrakte figurer inspirert av de italienske mesterne i Cinquecento . Verkene hans inkluderer: Painful Nude (1908), Seated Nude (1910), Caryatid (1913-1914), Red Nude with Open Arms (1917), Seated Nude on a Divan (1917), Nude with Necklace (1917) , Nude lying på en blå pute (1917), Naken liggende på ryggen (1917), Liggende naken (1919), etc. [ 204 ]

Andre medlemmer av School of Paris var: Marc Chagall , som produserte verk av en drømmeaktig natur, nær en viss surrealisme, forvrengt virkeligheten etter hans innfall, i scener som er i et uvirkelig rom, uvitende om regler for perspektiv eller skala, i en verden hvor han fremkaller sine barndomsminner, blandet med drømmenes, musikkens og poesiens verden: Naken over Vitebsk (1933), Til min kone (1933), Den korsfestede av Vitebsk (1938). [ 205 ] Georges Rouault var i utgangspunktet knyttet til symbolisme ( Stella matutina , 1895) og fauvisme, men hans temaer av moralsk natur – fokusert på det religiøse – og hans mørke farger brakte ham nærmere ekspresjonismen. Hans mest emblematiske verk er de av kvinnelige nakenbilder, som har en bitter og ubehagelig luft, med sløve og hvitaktige figurer ( Odalisques , 1907). Mellom 1903 og 1904 utførte han forskjellige malerier av nakne prostituerte der han gjenskapte fordervelsen av handelen hans, og reflekterte på en forferdelig måte kjødets materialitet, fratatt enhver ideal eller moralsk komponent, med en følelse av å fordømme samfunnets dekadanse fra av hans nykatolske ideologi, i en ekspresjonistisk stil med raske strøk og grunnleggende linjer. Verkene hans er: Naken i speilet (1906), Ung kvinne (1906) og Høst (1936). [ 206 ] Jules Pascin uttrykte i sitt arbeid rotløsheten og fremmedgjøringen til de eksilte, samt de seksuelle tvangstankene som preget ham fra ungdomsårene. Han hadde en delikat teknikk, med en fint foreslått linje og en farge av iriserende toner, og viste i nakenbilder en sløv og flyktig luft, med en viss avgassisk innflytelse : Manolita (1929). [ 207 ] Det ville også være verdt å huske Marcel Gromaire , forfatter av nakenbilder i sensuelle og spreke former, med en overvekt av oker og gule farger ( Nade with a Tapestry from the East , 1926; Blond Nude , 1926; Nude with Coat , 1929 ); og Tsuguharu Foujita , som laget en syntese av de japanske og vestlige tradisjonene, med presis grafikk og en strålende finish, som om det var lakk ( The Salon de Montparnasse , 1928).

Kneeling Mother with Child (1907), av Paula Modersohn-Becker , Alte Nationalgalerie, Staatliche Museen zu Berlin , Berlin .   Ariadne på Naxos (1913), av Lovis Corinth , privat samling.   Couple of Women (1915), av Egon Schiele , Magyar Szépmüvészeti Múzeum , Budapest .   Manolita (1929), av Jules Pascin , Nasjonalmuseet for moderne kunst, Paris .   To kvinner (1930), av Heinrich Hoerle , Museum Ludwig , Köln .

Kubisme (1907–1914)

Denne bevegelsen var basert på deformasjon av virkeligheten gjennom ødeleggelsen av det romlige perspektivet av renessanseopprinnelse, organisering av rommet i henhold til et geometrisk mønster, med samtidig visjon av objekter, en rekke kalde og dempede farger, og en ny oppfatning av kunstverk , med introduksjonen av collage . [ 208 ] Hovedeksponenten var Pablo Picasso : akademisk trent ( Female Nude from the Back , 1899; Seated Female Nude , 1899), hun gikk gjennom ulike perioder før hun endte med kubisme, som det er verdt å huske for temaet naken hans "rosa periode", av en klassisisme påvirket av Ingres, med temaer satt i sirkusverdenen og det impresjonistiske toalettet : Saltimbanques (1904), Harlequin's Family (1905), Dutchwoman with Cap (1905), Naked Boy with Horse (1905) , Naken av Fernande Olivier (1905), To nakenbilder (1906), Harem (1906), De to brødre (1906), Naken med håret (1906), Naken med foldede hender (1906). I 1907 laget han Les Demoiselles d'Avignon , som markerte et totalt brudd med tradisjonell kunst, og kom med en påstand mot konvensjonell skjønnhet, skjønnhet basert på regler og proporsjoner. Allerede temaet som er valgt — et bordell — er symptomatisk for protest, på opprør, men også behandlingen av figurene, deformert og redusert til enkle geometriske kropper (kube, sylinder), viser hans ønske om å avmystifisere det klassiske skjønnhetsbegrepet. I dette verket avslører Picasso en sterk innflytelse fra afrikansk skulptur, med stiliserte former og basert på enkle linjer med geometrisk konstruksjon, med en mer intuitiv enn realistisk følelse av representasjonen av kroppen, en stil som fremkaller mer det psykiske nærværet enn det fysiske. kroppslighet.. Delemningen av kroppene er imidlertid ikke tilfeldig, men underlagt brytningslovene, innrammet i skarpe konturer og konkave plan hentet fra romligheten til afrikansk kunst. [ 209 ]

Les Demoiselles d'Avignon begynte Picassos såkalte "svarte periode", en kort periode frem til hans fullstendig kubistiske scene, der han også produserte Nude with Cloths (1907), Three Women (1908) og The Dryad (Nade in the Forest) (1908). Naken (1910) og Woman in Shirt (1913) skiller seg ut fra den fullt kubistiske perioden , selv om han på dette stadiet ikke viet seg spesielt til naken. Senere, etter et besøk i Pompeii i 1917, gjenoppdaget han friskheten og den vitale komponenten i tidlig klassisk kunst, og i sin tegning av noen badere fra det året laget han en komposisjon av mer naturalistiske former, selv om han stiliserte og behandlet med den kunstneriske friheten til hans opprinnelige kreativitet. I løpet av de tidlige 1920 -årene malte han nakenbilder med en mer klassisk oppfatning, som i hans illustrasjoner av Ovid og Aristofanes , men de var nakenbilder med en frivillig objektivitet som fratok dem vitalitet, noe som ville bli bekreftet når han senere vendte tilbake til deformasjonen av hans figurer, som i hans Nude Woman in a Red Armchair fra 1929, hvis forvrengning virker bevisst grusom og avmystifiserende. Dette verket forsøker ikke lenger mot den klassiske naken, men mot samtidens naken, siden settingen hvor figuren finnes minner om Matisses Odalisques laget noen år tidligere. Her oppfattes den opprørske, ikonoklastiske Picasso , alltid på jakt etter nye veier og mot all konvensjonalisme, enten fortid eller nåtid. Slik sett laget han ulike versjoner av klassiske verk i kunsthistorien, som Parodi på Manets «Olympia» (1901-1903), The Mirrored Venus (1932) og Le Déjeuner sur l'herbe (1961). Herfra begynte Picasso en stadig mer abstrakt bane for menneskefiguren, utsatt for en stadig mer forvrengende prosess, som man kan se i serien med litografier Les Deux Femmes nues (1945-1946), som viser en figur som ligger og sover og en annen sitter våken. – kanskje en hentydning til myten om Amor og Psyke – som i påfølgende faser vises fra naturalistiske former til nesten abstraksjon. Andre verk av ham er: Seated Bather (1930), Nude (1932), The Muse (1935), Figures on the Beach (1937), Woman Combing Her Hair (1940), Massacre in Korea (1951), The Women of Algiers (1955), Kvinner gjør seg klare (1956), Nakne under en furu (1959), etc. [ 210 ]

Andre representanter for kubismen var: Georges Braque , initiativtaker til stilen med Picasso, hvis Large Nude (1908) har store paralleller med Les Demoiselles d'Avignon , med afrikansk innflytelse og en viss totemisk luft , med en rytmisk bevegelse. Fernand Léger gjenskapte i sine arbeider en volumetrisk formstruktur basert på rør — og det er grunnen til at stilen hans ble kalt «tubisme»—: Nakenfigurer i en skog (1910), Nakenmodellen i verkstedet (1912-1913), Tre kvinner spiser frokost (1921), Nakenbilder på rød bakgrunn (1923), De tre kvinnene på rød bakgrunn (1927), To kvinner med blomster (1954). Robert Delaunay laget i The City of Paris (1910) en kuriøs blanding mellom figurasjon og geometrisk abstraksjon, med et rom strukturert av blokker, med nyansert kromatikk som visker ut formene i miljøet som omgir dem. Joan Miró gikk gjennom fauvisme og kubisme før hun nådde surrealismen, hans mest kjente scene: Nude with Bird and Flower (1917), Nude with Mirror (1919), Standing Nude (1921).

I skulptur var Alexander Archipenko skaperen av "konstruksjon", den skulpturelle varianten av collage . I Walking Woman (1912) introduserte han en ny analyse av menneskefiguren, brutt ned i geometriske former og gjennomboret på visse punkter med hull som skaper en kontrast mellom det faste og det hule, på en ny måte å forstå materie på. I Woman combing her hair (1915) fulgte han den kubistiske tilnærmingen til Les Demoiselles d'Avignon , og i Seated Woman (1916) eksperimenterte han med konkav plass, mens han i Woman's Torso (1922) fremhevet stiliseringen av figuren, en prosess som kulminerte i Torso in space (1935). Julio González brukte jernplater i sin skulptur for å simulere epidermis , i deler av menneskekroppen som betegner fraværet av det som ville være kroppen som helhet, en effekt fremhevet av tomheten i verket ( Female Bust , 1934; Torso , 1936). Henri Laurens arbeidet i forskjellige materialer, fra tre og metall til papirs collés og tablå-objekter , gjennom blandede metoder og sammenstillinger , ofte malt etterpå ( sculpto-peintures ). Sammen med andre verk var kvinneskikkelsen en av hans største inspirasjonskilder, som Woman with a Fan (1921), Crouching Woman (1922) og Nude with a Mirror (1922). [ 211 ]

Futurisme (1909–1930)

Italiensk bevegelse som opphøyet verdiene til teknisk og industriell fremgang på 1900-tallet, og fremhevet aspekter ved virkeligheten som bevegelse, hastighet og samtidig handling, futurisme ønsket å transformere verden, forandre livet, vise et idealistisk konsept og noe utopisk om kunst som samfunnets motor. [ 212 ] Selv om futuristene ikke var spesielt dedikert til naken, er det verdt å minne om Umberto Boccioni og hans Unique Forms of Continuity in Space (1913), en moderne versjon av den klassiske " heroiske naken ", som han søkte "avskaffelsen av" med. av den endelige linjen og den lukkede statuen", noe som gir figuren hans en sentrifugalkraft. Med denne skulpturen prøvde Boccioni å gå utover inntrykket av bevegelse, å utforske forestillingen om hastighet og kraft i skulptur, og forsøkte å tildele lysverdier til den utskårne overflaten. Skulpturen overskrider menneskets kroppslige grenser, og ligner et flagg som vaier i vinden. Det ser ut til at kroppen som er representert slanger, kjemper mot en usynlig kraft. Selv om det (fysiske) resultatet er et tredimensjonalt portrett, introduserer den bevegelige kroppen en fjerde dimensjon, tid. [ 213 ]

Dadaisme (1916–1922)

Bevegelse som reaksjon på krigens katastrofer innebar dadaismen en radikal tilnærming til kunstbegrepet, som mister enhver komponent basert på logikk og fornuft, og hevder tvil, tilfeldigheter, tilværelsens absurditet. Dette oversettes til et subversivt språk, der tradisjonelle kunsttemaer og teknikker blir stilt spørsmål ved, eksperimentering med nye materialer og nye komposisjonsformer, som collage , fotomontasje og ready-mades . [ 214 ] Hans hovedfaktor var Marcel Duchamp , som etter en fauistisk fase ( Nude with Black Stockings , 1910; Young Man and Girl in Spring , 1911; The Bush , 1910-1911), laget i Nude Descending a Staircase (1911) en syntese mellom kubisme og futurisme, hvor kroppen har blitt brutt ned i geometriske volumer og serialisert i ulike overlagrede bevegelser. I dette verket tar Duchamp avstand fra virkeligheten, der det naken ikke har noen mening, det bare er et middel til å eksperimentere. I The King and Queen with the Agile Nudes (1912) representerte han menneskefiguren som sjakkbrikker . Et av hans mest kjente verk er The Large Glass (eller The Bride Undressed by Her Bachelors, Even , 1915-1923), en abstrakt naken som består av to glassplater forbundet med en blyramme , og plassert i en glassboks, installert kl. Philadelphia Museum of Art . I følge instruksjonsboken etterlatt av forfatteren, kler bruden av seg for å begeistre ungkarene som frier til henne, selv om deres fysiske separasjon hindrer dem i å oppnå målet om å fullbyrde sin kjærlighet, i et klart budskap om nytteløsheten til menneskelige lidenskaper og hvordan mennesket å være reiser i ensomhet gjennom livet. Et annet emblematisk verk av ham var Giving Himself: 1. The Fall of Water, 2. The Lighting Gas (1944-1966), en installasjon med forskjellige materialer (en tredør , en gasslampe , murstein , lær , ved , pleksiglass ), som presenterer en kvinnekropp liggende på noen busker, sett gjennom et hull i døren, og omtaler kvinner som noe utilgjengelig, gåtefullt. [ 215 ]

Andre eksponenter for dadaismen var: Francis Picabia , en subversiv kunstner med et sterkt individualistisk temperament, forfatter av nakenbilder som Woman and Idol (1940), The Brunette and the Blonde (1941), Two Nudes (1941), Nude (1942) og Fem kvinner (1942). Man Ray var en maler, skulptør og fotograf, en av bevegelsens mest originale, med en overfylt kreativ fantasi. En av hans mest kjente skulpturer er den restaurerte Venus (1936), en kvinnes overkropp som minner om en gresk Venus, men bundet med tau som omkranser hele kroppen hennes.

Surrealisme (1924–1955)

Surrealismen la spesiell vekt på fantasi, fantasi, drømmenes verden, med en sterk innflytelse fra psykoanalyse , slik det oppfattes i konseptet " automatisk skriving ", der de prøver å uttrykke seg ved å frigjøre sinnet fra enhver rasjonell trelldom, viser det ubevisstes renhet. [ 216 ] En av forløperne hans var Giorgio de Chirico , initiativtaker til det såkalte metafysiske maleriet , med verk med en urovekkende atmosfære, med tomme rom og merkelige perspektiver, og antropoide figurer som ligner mannekenger: Perseus og Andromeda (1910), The Silent Statue Ariana (1913), Roman Women (1926), Female Naken (1929), Naken Self -Portrait (1942), Gladiator School (1953).

Salvador Dalí var et av de store kunstgeniene på 1900-tallet, med en megalomanisk og histrionisk personlighet som gjorde ham til en mediefigur, og fremhevet ham som et paradigme for den eksentriske kunstneren. Han hadde en akademisk opplæring, og hans tidlige ungdomsarbeid var nær en pointillistisk impresjonisme ( Piknik i landet , 1921; Musa de Cadaqués , 1921; Nude in a Landscape , 1922–1923; Bathers of the Costa Brava , 1923). Deretter gikk den raskt gjennom ulike faser relatert til avantgardebevegelser, fra fauvisme og kubisme til futurisme og metafysisk maleri ( Satirical Composition , 1923, inspirert av Matisse 's Dance ; Female Nude , 1925; Venus and Cupidillos , 1925). I 1928 bosatte han seg i Paris, fordypet seg i surrealismen, som han ville være en av dens største representanter for, og året etter møtte han Gala Éluard , som skulle være hans store muse, og som han portretterte ved en rekke anledninger, noen av dem nakne . På den tiden begynte han sin interesse for freudiansk psykoanalyse , og kom til å oppfinne en metode for å tolke drømmer som han kalte den "paranoia-kritiske metoden". Mye av hans psykologiske refleksjoner fokuserer på sex, et tilbakevendende tema i hans arbeid, som dreier seg om den freudianske kampen mellom nytelsesprinsippet og virkelighetsprinsippet. De fleste av verkene hans er fra den surrealistiske fasen: The Great Masturbator (1929), Bloody Roses (1930), Untitled (Guillermo Tell y Gradiva) (1931), Masochistic Instrument (1933-1934), The Dream Supports His Hand Over a Man's Shoulder (1936), The Golden Age - Family of Marsupial Centaurs (1940-1941), Cod-Tailed Nude Suit (1941), Honey is Sweeter than Blood (1941), Dream Caused by the flight av en bie rundt et granateple et sekund før du våkner (1944), Galarina (1944-1945, inspirert av Raphaels La Fornarina ), The Apotheosis of Homer (1944-1945), My Naked Woman Contemplating Her Own Body transforming in steps, tre ryggvirvler av en søyle, himmel og arkitektur (1945), The Temptation of Saint Anthony (1946), etc. Mellom 1940 og 1955 bodde han i USA , hvor han fra 1947 ble interessert i religiøs mystikk og atomfysikk , samt for perspektivet basert på det gylne snitt . Fra denne perioden er verk som: Atomic Leda (1949, om myten om Leda og svanen, hvor Leda er hans kone, Gala), The Judgment of Paris (1950), Crucifixion (Corpus hypercubus) (1954), Dalí naken , i kontemplasjon før fem vanlige kropper ble metamorfosert til blodlegemer, der Leonardos Leda plutselig vises kromosomisert av Galas ansikt (1954), Two adolescents (1954). Han returnerte senere til Spania, hvor han viet seg til oppgaven med å grunnlegge et museum, Dalí Theatre-Museum i Figueras , mens han fortsatte å jobbe: Gala naken fra ryggen (1960), Uten tittel (San Juan) (1964), Fiske av tunfisken (1966-1967), Den hallusinogene tyrefekteren (1968-1970), Three hyper-realistic graces (1973), Nakendekal (1974), Gala som ser på Middelhavet som, i en avstand på tjue meter, forvandles inn i portrettet av Abraham Lincoln - Homage to Rothko (1974-1975), Dalís hånd løfter et gyldent skinn i form av en sky for å vise Gala det helt nakne nordlyset, langt bak solen (1977, inspirert av Landscape with Embarkation i Claude Lorrains Ostia de Santa Paula Romana ), The Gala Wines and the Divine (1977), Imperial Monument to the Woman-Girl (1977, basert på Bouguereaus Las Oréades ). Dalí var også en skulptør ( Retrospective Bust of a Woman , 1933; Hysterical and Streamlined Female Nude , 1934; Venus de Milo with Drawers , 1936; The Michelin Slave , 1964, med Michelangelos Dying Slave Pierced by a Michelin Wheel , Homage to New 1969; Twisted Christ , 1976), og samarbeidet med fotograf Philippe Halsman om flere fotografiske komposisjoner: Cosmic Dalí (1948), Human Skull Composite of Seven Nude Female Bodies (1951). [ 217 ]

Paul Delvaux ble innrammet i en type figurativt maleri, men merkelig urovekkende, der noen figurer som virker søvngjengere vandrer gjennom arkitektoniske eller landskapsrom med perfekt regning, påvirket av Piero della Francesca og renessansens perspektiv, og hvor nakne kvinner sameksisterer med menn som de se på dem med ivrig voyeurisme, eller med skjeletter som minner om barokksjangeren vanitas , og klarer å gjenskape en atmosfære av marerittaktig erotikk. Delvaux formidler et pessimistisk syn på kjærlighet, som han ofte forbinder med døden, i en sammenheng mellom Eros og Thanatos . Dermed presenterer han i The Sleeping City (1938) en nattlig by, med klassisk arkitektur, der nakne kvinner vandrer som søvngjengere, og representerer myten om drømmekvinnen, uoppnåelig, mens en mann ser på dem hjelpeløst. I Pygmalion (1939) snur han rollene, med en naken kvinne som omfavner en mannsstatue. Kongressen (1941), til tross for det realistiske bildet, gjenskaper en urovekkende atmosfære, der noen nakne kvinner går blant en gruppe menn som diskuterer deres saker uten å legge merke til dem. I The Public Way (1948) presenterer han en tilbakelent Venus som minner om Giorgione eller Titian, men plassert midt i gaten og foran en trikk som beveger seg mot henne. Andre verk av ham er: The Couple (1929), Crisis (1930), Bathing Nymphs (1938), The Visit (1939), Entry into the City (1940), Mermaid in the Moonlight (1940), Wedding (1941), Sleeping Venus (1944), The Conversation (1944), Woman Before the Mirror (1945), The Enigma (1946), Mermaids (1947), Leda (1948), Dryads (1966), etc. [ 218 ]

René Magritte utviklet et verk der det vanlige og det banale sameksisterer med det fantastiske og det merkelige, ofte med sterke erotiske konnotasjoner, i urovekkende atmosfærer med tilbakevendende ikonografi, som fremhever tvetydigheten i objektene han skildrer. I Las accomplices del mago (1927), til tross for den realistiske figurasjonen, gjenskaper kunstneren et oneirisk miljø hvor tolkningen er åpen for fantasien. I Manía de grandezas (1961) skapte han en kvinnelig torso delt inn i tre deler, som smalner når de går opp, og skaper en ziggurat -form , som det berømte Babel -tårnet . Violation (1934) er et ansikt der ansiktet er erstattet av en naken torso, øynene er brystene og munnen pubis. Andre verk av ham er: Dangerous Friendships (1926), The Forest (1926), Polar Light (1927), The Gigantic Days (1928), Collective Invention (1934), Bather Between Light and Darkness (1935), Devil's Flowers (1946 ) ), Flammehavet (1946), Olympia (1947), Åndens frihet (1948), Nattens kjole (1954), etc. [ 219 ]

Óscar Domínguez laget automatiske assosiasjoner av objekter, der figurene forlenges og får en gelatinøs konsistens , og kombinerte humor og begjær som motorer for menneskelig aktivitet. I Den elektroseksuelle symaskinen (1935) viser han et oneirisk delirium der den seksuelle komponenten kombineres med den industrielle tidsalderens mekaniskhet, gjennom en naken kvinnekropp som ligger med ansiktet ned, med en kjøttetende plante som sluker føttene hennes og en blodstråle som faller på ryggen gjennom en trakt som kommer fra et oksehode . Det er en representasjon av en sadistisk erotikk , der sex blandes med død. Oksen representerer det primitive, kampen mellom liv og død, mens maskinen representerer det rasjonelle, triumfen til menneskets vilje over miljøet som omgir ham. [ 220 ]

Andre surrealister som praktiserte naken var: Max Ernst , som pleide å jobbe i collage på grunn av sin dadaistiske opplæring, og som viste stor interesse for irrasjonalitet og kunst laget av sinnssyke: The Great Lovers (1926), Young Nudes (1926), Dressing the Bride (1940); og André Masson , interessert i den automatiske ruten (fri assosiasjon av ideer), med et gestalt, aggressivt arbeid, med interesse for sadomasochisme : Mathematical Nude (1928), påvirket av Miró .

I skulpturen gjennomførte Constantin Brâncuşi en prosess for å redusere den menneskelige figuren mot den strengeste enkelhet, nær abstraksjon ( Sleeping Musa , 1911). Alberto Giacometti fulgte i kjølvannet hans , med figurer redusert til enkle filamenter, som han kalte "transparente konstruksjoner", veldig langstrakte og avmagrede, som viser mannens isolasjon: Standing Nude (1953), Tall Woman (1960). Hans Bellmer praktiserte en sadomasochistisk erotikk, med utstillingsdukker artikulert i forskjellige posisjoner, for eksempel The Doll (1934). Henry Moore hentet inspirasjon fra menneskekroppen i mange av verkene sine, som er en abstraksjon av form der kroppen er skissert i enkle, dynamiske, bølgende linjer som antyder snarere enn beskriver kroppens grunnform. Noen av verkene hans, som Reclining Figure (1938) og Reclining Figure (1951), minner vagt om figurer fra Parthenon som Ilissus og Dionysus , men skissert i langstrakte, flytende former med serpentinlinjer som fremkaller erosjonen av havet i en stein. [ 221 ]

Surrealisme er knyttet til det ellers personlige og uklassifiserbare arbeidet til Frida Kahlo , som reflekterte over lerretene hennes liv plaget av en ulykke som knuste ryggraden hennes og ektemannens utroskap. En av hans første nakenbilder var Nude of an Indian Woman (1929), hvor han allerede viser sin stil, av en figurasjon av et fantastisk snitt og et intenst fargevalg, med en overflod av anekdotiske elementer. I A few little bites (1935) representerte hun et brutalt ekte drap som skjedde kort tid før, begått av sjalusi, der morderen forsvarte seg med å si «men det var bare noen små biter!», en scene der forfatteren projiserer hennes smerte for ektemannens utroskap med lillesøsteren, et faktum bekreftet av knivstikkene han påførte arbeidet så snart det var ferdig. [ 222 ] I Two Nudes in a Forest (1939) dukker det opp to nakne kvinner, en med lysere hud og en med mørkere hud, lenende den ene oppå den andre og betraktet av en ape , et symbol på synd, i en scene som kan ha to tolkninger: den første ville være lesbisk kjærlighet, mens den andre ville være et dobbelt selvportrett av Frida, som fanger hennes to naturer, europeisk og meksikansk. [ 223 ] Den ødelagte søylen (1944) er et selvportrett som viser stålkorsettet som hun måtte ha på seg en stund på grunn av ulykken som hadde ødelagt ryggraden hennes, representert av en jonisk søyle , mens hele kroppen hennes er krysset. av negler, i et bilde av intenst drama; i dette maleriet virket hun i utgangspunktet naken, men avslørte til slutt bare brystene. [ 224 ]

Art deco (1925–1945)

Art deco [ note 16 ] var en bevegelse som dukket opp i Frankrike på midten av 1920 -tallet som revolusjonerte interiørdesign og grafisk og industriell kunst . Den var hovedsakelig rettet mot en borgerlig offentlighet — den såkalte belle époque — og skilte seg ut for sin prangende og luksus, og den utviklet seg spesielt innen reklameillustrasjon ( Erté ) og plakatdesign ( Cassandre ). I maleri skilte arbeidet til Tamara de Lempicka seg ut : hun trente med Nabi Maurice Denis og kubisten André Lhote , samtidig som hun følte en stor fascinasjon for Ingres, som arbeidet hennes fikk kallenavnet "Ingresian Cubism". Senere hadde den en surrealistisk fase, for senere å bevege seg mot en viss nyklassisisme. Hans nakenbilder presenterer kvinner som er et produkt av sin tid, elegante og sofistikerte, med luksus og glamour , som noe fra et motemagasin, men underlagt diktatene til et machosamfunn, som de noen ganger ser ut til å gjøre opprør fra, og blir moderne. heltinner hvis kropper avslører en levende indre kraft. Stilt overfor den klassiske dikotomien mellom den himmelske Venus og den verdslige Venus, skaper Lempicka en tredje type kvinne, verken guddommelig eller uoppnåelig, men verken vulgær eller utskjelt, en moderne kvinne som fritt antar sin seksualitet, og som blir beundret og respektert av menn, en kvinne i det høye samfunnet som følger motens diktater. Verkene hans inkluderer: The Two Friends (1923), Perspective (1923), Sleeping Girl (1923), Seated Nude (1923), Rhythm (1924), Nude on a Terrace (1925), The Model (1925), Gruppe på fire kvinnelige nakenbilder (1925), The Dream (1927), Andromeda (1927), The Pink Shirt (1927), La bella Rafaela (1927), Women Bathing (1929), Two Girlfriends (1930), Naken med bygninger (1930) , Adam og Eva (1932), Susana på badet (1938), etc. [ 225 ]

Spania

I Spania hadde de kunstneriske avantgardene en langsommere implementering, selv om mange spanske kunstnere var pionerer innen den internasjonale avantgarden (Picasso, Dalí, Miró). På begynnelsen av århundret dominerte akademismen fortsatt den spanske kunstscenen , og sameksisterte i mindre grad med impresjonisme og modernisme (spesielt i Catalonia ), som ble erstattet på 1910 -tallet av Noucentisme , en middelhavsinspirert klassisistisk bevegelse. Likevel ble de nye strømningene litt etter litt introdusert, spesielt kubisme, ekspresjonisme og surrealisme. I dette miljøet var nakenhet et mye hyppigere tema enn i all tidligere kunst som ble praktisert på halvøya, og mange spanske kunstnere deltok i internasjonale konkurranser med nakenverk. For eksempel skyldte Julio Romero de Torres en god del av sin berømmelse til nakenbilder, av akademisk natur, men med en viss Leonardesk innflytelse - i begynnelsen ble han fristet av pointillisme, som i Vividoras del amor (1906), men han forlot det umiddelbart - preget av en dramatisk og sensualistisk følelse som er typisk for hans Cordovan- opprinnelse , som man kan se i La Musa gitana (1908), El retablo del amor (1910), El sin (1913), Venus de la poeta (1913), La grace (1915), Rivalisering (1925-1926), Offer til tyrefektingskunsten (1929), Cante hondo (1929), Trinis barnebarn (1929), etc. Ignacio Zuloaga var påvirket av Toulouse-Lautrec, men arbeidet hans næres av Prado-mestrene, med verk av en kostumbristisk fargetone der nakenen til "den italienske kvinnen" , nakenen med mantillaen og nelliken (1915) og La Oterito står ut (1936). Andre bemerkelsesverdige artister er: José Gutiérrez Solana ( Claudia-jentene , 1929), Marceliano Santa María ( Angélica og Medoro , 1910; Romantikkfigurer , 1934), Fernando Álvarez de Sotomayor ( Orpheus angrepet av bacchantene , 1904 Europas bortføring ; , 1907 ; Leda and the Swan , 1918), Francisco Soria Aedo ( Passion , Gallant Faun , Fruit of Love , Youth of Bacchus ), Gabriel Morcillo ( Allegory to Bacchus , Moorish Fantasy ), Eduardo Chicharro ( The loves of Armida and Reinaldo , 1904; The Temptations of Buddha , 1922), Eugenio Hermoso ( The bathroom of the young girls , 1923; Earth, Fauna and Flora , 1923; Melancholy , 1926; Honeysuckle , 1926), Roberto Fernández Balbuena fra bak 2 , 1 Pittsburgh , 1926; Light Shadow Nudes , 1929), Néstor Martín-Fernández de la Torre ( Adagio , 1903; Calma , Pleamar og Borrasca fra Poema del Atlántico -serien , 1918–1924), Juan de 1923 nu ( 1923 ) La mestizvarría , Francisco Iturrino ( Kvinner på landsbygda , Kvinner på stranden ), H ermenegildo Anglada Camarasa ( sigøyner under en vintreet , 1909), Joaquim Sunyer ( pastoral , 1911; Landskap med fire nakenbilder , 1915; Nude in the Field , 1925), Aurelio Arteta ( Bathers , 1930; Men of the Sea , 1932), Josep Maria Sert (Francisco de Vitoria Room of the Palais des Nations in Genève ), Rafael Zabaleta ( Night of the Nude , 1954) , osv. . På det skulpturelle nivået er det verdt å nevne: Mariano Benlliure ( Naken Maja , 1902), Enric Clarasó ( Eva , 1904), Josep Llimona ( Desconsuelo , 1907), Miguel Blay ( Eclosión , 1908), Mateo Inurria , ( 191e ; Forma , 1920), Josep Clarà ( The Twilight , 1907-1910; The Goddess , 1909; Rhythm , 1910; Youth , 1928), Julio Antonio ( Mediterranean Venus , 1914), Victorio Macho ( Cajal 2 Ramón ), 19 Monument to Santiago Ramón , Pablo Gargallo ( Great Dancer , 1929; The Prophet , 1933), etc. [ 226 ]

Siste trender

Siden andre verdenskrig har kunsten opplevd en svimlende evolusjonær dynamikk, med stiler og bevegelser som følger hverandre raskere og raskere over tid. Det moderne prosjektet oppsto med at de historiske avantgardene nådde sitt høydepunkt med ulike antimaterielle stiler som fremhevet kunstens intellektuelle opprinnelse fremfor dens materielle realisering, som actionkunst og konseptkunst . Når dette nivået av analytisk utforskning av kunst var nådd, ble den omvendte effekten frembrakt – som det er vanlig i kunsthistorien, der de ulike stilartene konfronterer og motarbeider hverandre, hvor strengheten til noen avløser overskuddet til andre, og omvendt – , vender tilbake til de klassiske kunstformene, aksepterer dens materielle og estetiske komponent, og gir avkall på dens revolusjonerende og transformerende karakter av samfunnet. Slik oppsto postmoderne kunst , der kunstneren beveger seg skamløst mellom ulike teknikker og stiler, uten å kreve karakter, og går tilbake til kunsthåndverker som kunstnerens essens. Til slutt, på slutten av århundret, bør utseendet til nye teknikker og støtte innen kunstfeltet bemerkes: video , informatikk , internett , laser , holografi , etc. [ 227 ]

Informalisme (1945–1960)

Informalisme er et sett med trender basert på uttrykksevnen til kunstneren, som gir avkall på ethvert rasjonelt aspekt ved kunst (struktur, komposisjon, forutinntatt bruk av farge). Det er en eminent abstrakt kunst, selv om noen kunstnere beholder figurasjon, der den materielle støtten til verket blir relevant, og antar prominens over ethvert tema eller komposisjon. Det inkluderer ulike strømninger som tachisme , art brut , materialmaleri eller abstrakt ekspresjonisme i USA . Informalistiske kunstnere har opplevd krigens redsler på egenhånd, så arbeidet deres er gjennomsyret av pessimisme, med livsviktig desperasjon som oversettes til aggressive verk, hvor menneskefiguren blir lemlestet, deformert, knust, og fremhever skjørheten og sårbarheten til mennesket, som man kan se i arbeidet til kunstnere som Dubuffet , som knuser figurene og deler dem opp som en okse ; Fautrier , som vansirer den menneskelige formen ved å redusere den til formløs nakenhet; eller Antonio Saura , som skaper monstre i svart og hvitt, selv av skjønnheter som Brigitte Bardot . Disse forfatterne har til hensikt å ødelegge ideen om Beauty, Nude, Harmony, alle de idealene som akademisk kunst behandlet med store bokstaver. De tar avstand fra vestlig kultur, som har skapt disse grusomhetene, og vender tilbake til primitiviteten, til menneskehetens barndom. Til dette bruker de også nye materialer, ansett som skitne, skadelige, uverdige, som gjørme, gips, sekker osv. I stedet for å bruke børster, bruker de til og med sine egne hender, skraper på lerretet og fremhever gestuseffekten. [ 228 ]

Jean Fautrier laget nakenbilder hvor figuren er deformert, laget av forskjellige fargeteksturer, på papirstøtter, behandlet med gips og lim, som han påfører en rå substans, laget med blekk og pulver, som han tegner eller edderkopp, til du får ønsket bilde. I 1950 begynte Jean Dubuffet sin serie med Bodies of a Lady - antinomisk tittel , siden den motsetter kroppens materialitet til spiritualiteten i betydningen av "dame", som gir høy verdighet til kvinner - laget med råvarer, tegning figuren basert på riper, og behandler kroppen som en masse som er knust på støtten, som på et slakterbrett. [ 229 ] ​Willem de Kooning produserer kvinnelige nakenbilder, men forvrengt til det maksimale, med flotte farger. Hans serie med kvinner (1945-1950) er midtveis mellom figurasjon og abstraksjon, der kvinnefiguren er redusert til fargeflekker, påført aggressivt og ekspressivt, med konturer som også fremkaller de forhistoriske fruktbarhetsgudinnene den obskøne gategraffitien. [ 230 ]

Antoni Tàpies er en i utgangspunktet abstrakt maler, selv om han i verkene sine noen ganger introduserer deler av menneskekroppen, spesielt kjønnsorganer, på skjematisk måter, ofte med utseende av forverring, kroppen virker revet, angrepet, gjennomboret. Slik oppfatter vi det i El fuego interior (1953), en menneskelig torso i form av burlap -duk nedbrutt av brannskader; Oker og rosa relieff (1965), knelende kvinneskikkelse; Materiale i form av en armhule (1968), der han legger ekte hår til figuren av en torso som viser armhulen; Body (1986) gjenspeiler en liggende figur, som minner om døden — som fremheves av ordet « Tartaros », det greske helvete—; i Días de Agua I (1987) ser vi en kropp nedsenket i bølger av grå maling, som fremkaller legenden om Hero og Leandro . Andre verk av ham er: Two Figures (1947), Varnish Nude (1980), Torso (1985), Prajna = Dhyana (1993), Man (2002), Black Jersey (2008), etc. [ 231 ]

Ny figurasjon (1945-1960)

Som en reaksjon på informalistisk abstraksjon oppsto en bevegelse som gjenvunnet figurasjon, med en viss ekspresjonistisk innflytelse og med total komposisjonsfrihet. Selv om de var basert på figurasjon, betyr ikke dette at den var realistisk, men snarere at den kunne deformeres eller skisseres for å passe kunstneren. Den eksistensialistiske filosofien og dens pessimistiske syn på mennesket hadde en avgjørende innflytelse på opprinnelsen til denne stilen , og de ble knyttet til beatbevegelsen og de sinte unge mennene . En av dens hovedeksponenter var Francis Bacon , en kunstner med en personlig karriere, ensom, fremmed for avantgarden - på 1930 -tallet , da han begynte å male, ble han avvist for ikke å være surrealist eller abstrakt -. I 1944 ødela han alt sitt tidligere arbeid, og begynte sin mest personlige stil med Three Figure Studies for the Base of a Crucifixion , hvor han brukte et tradisjonelt medium, triptyken , for å avsløre figurer hvis nakenhet er deformert, sårbar, hånet, innrammet i uvirkelige rom, som ligner bokser som omslutter figurene i et undertrykkende, plagsomt miljø. Hans nakenbilder, både mannlige og kvinnelige, ligner masser av amorft kjøtt, som vrir seg og vrir seg i en desperat kamp for tilværelsen. De har en fet konsistens og en forferdelig blekhet, fremhevet av kunstig lys, som en lyspære , som ligner slakterkjøtt mer enn menneskekjøtt. Han var en stor elsker av kunst — han pleide ofte å besøke Prado -museet — og laget versjoner av mange verk av Velázquez eller Rembrandt. Andre verk av ham er: Study of a Crouching Nude (1952), Nude (1960), Lying Figure (1966), etc. [ 232 ]

For Lucian Freud var naken et av hovedtemaene hans, som han behandlet realistisk, skarpt, detaljert, uten å utelate noen detaljer, fra årer og muskler til rynker og enhver hudufullkommenhet. De er grove, epidermale, uttrykksfulle, intime nakenbilder, det er mennesket fratatt alt tilbehør, rent og fritt når det kommer til verden. De er noe plagsomme nakenbilder, siden de gjenspeiler sårbarheten til dødelig kjøtt, ensomheten i vår verdslige transitt, de minner oss om livets forgjengelighet. Hans første nakenbilder har en akademisk tone, fortsatt idealisert, som hans Sleeping Nude (1950), men litt etter litt får de uttrykksfullhet, med løse penselstrøk og et mer intenst fargevalg, som i Naked Girl Laughing (1963), som er en av døtrene hans. Mellom 1960- og 1970 - tallet nådde han sin definitive stil, med figurer i intime, bekymringsløse stillinger, i settinger som minner om fotografi, med en lineær tegning og markerte konturer, med intenst lys og sterk kromatikk der kjødelige toner skiller seg ut, arrangert i fargede flekker: Sleeping Naked Girl (1968), Naken Man with a Rat (1977-1978), Rose (1979), Sittende figur (1980-82), Naked Man on a Bed (1987), Naked Man Seen from the Back (1992), Two Women (1992), And the Boyfriend (1993), Painter at Work, Reflection (1993, Naken Artist Self-Portrait), Flora with Blue Toenails (2000-2001), Lucian Freud Surprised by an Admirer naken (2005). [ 233 ]

Balthus var en maler besatt av et tema, seksuell oppvåkning av unge ungdomsjenter, som han pleide å representere i interiører med et sløvt utseende og intens belysning, med en noe naiv erotikk, men som betegner en viss perversitet: The Guitar Lesson (1934), The Living Room (1941-1943), Sleeping Girl (1943), The Room (1947), The Room (1952), Nude Before the Mirror (1955), Young Man Getting Ready for the Bath (1958), The Cat Before the Mirror (1977-1980), Liggende naken (1983), Latent (1995). [ 234 ] Ivan Albright ble innrammet i den såkalte magiske realismen , med en omhyggelig detaljert stil, som med streng presisjon skildrer alders forfall, korrupsjon og bytte med stor emosjonell intensitet ( Gud skapte mennesket i sitt bilde , 1929 -1930) .

I skulpturen skilte følgende seg ut: Germaine Richier , som fulgte i fotsporene til Giacometti i stiliserte skikkelser med langstrakte lemmer, som lignet insekter, med et flisete og fillete utseende, som i nedbrytning, og legger like stor vekt på tomhet enn materie ( El pastor de las Landas , 1951); og Fernando Botero , forfatter av store figurer som ser ut som hovne dukker ( Woman's Torso (La Gorda) , 1987; Woman with a mirror , 1987; El rapto de Europa , 1994).

Popkunst (1955–1970)

Den oppsto i Storbritannia og USA som en bevegelse som avviste abstrakt ekspresjonisme , og omfattet en serie forfattere som vendte tilbake til figurasjon, med en markant komponent av populær inspirasjon, og tok bilder fra verden av reklame , fotografi , tegneserier og media. massekommunikasjon. Popkunsten antok sex som noe naturlig, åpent, innenfor rammen av den seksuelle frigjøringen på 1960 -tallet som hippiebevegelsen forfektet . Det første verket som ble betraktet som pop var Hva er det som gjør dagens ting så attraktive og så hyggelige? (1956), av Richard Hamilton , som var plakaten for utstillingen This is tomorrow , på White Chapel Art Gallery i London ; Det var en fotomontasje , som fremhevet forbrukerisme som et moderniserende element, hvor hverdagsobjekter ble til kunstverk, og hvor en kroppsbygger og en halvnaken kvinne dukket opp som objekter på scenen. [ 235 ]

Tom Wesselmann produserte i serien Great American Nudes (1960-tallet) et sett med verk der nakenen vises som et forbrukerprodukt, med en reklameestetikk og nær Playboy -type erotiske magasiner , fremhevet av flatheten i verkene og forenklingen av farger med matissianske røtter, fremhever de mest "objektive" delene av kroppen (røde lepper, hvite tenner, blondt hår, fremtredende bryster), sammen med forskjellige dekorative gjenstander, frukt eller blomster. Kroppene har en kald, kunstig konsistens, som oppblåsbare dukker, og har vanligvis de typiske hvite områdene igjen av bikinier i motsetning til resten av den mer solbrune kroppen. I serien Bathrooms (1963) gikk han over til tredimensjonalitet, der hans typiske nakenmalerier dukket opp med ekte gjenstander som gardiner, håndklær, vaskemidler eller neglelakk, eller ble sett gjennom en halvåpen dør, noe som understreket den voyeuristiske effekten. I Still Life (1963) dukker en naken kvinne opp med et konkavt askebeger — symbol på det kvinnelige kjønn — og en sigarett — fallisk symbol — i et litt kitsch miljø , med rene farger. [ 236 ]

Mel Ramos laget verk av en mer åpenbar erotikk, nær pornografi, med kvinnelige figurer som ser ut som pin-ups , som i Miss Corn-Flakes (1964) eller Philip Morris. Tobakksrose (1965). Roy Lichtenstein spesialiserte seg på bilder som ligner de i tegneserier, og fremhevet til og med den karakteristiske stiplingen til utskriftsprosessene. Mellom 1993 og 1994 laget han sin serie med Nakenbilder : Nakentenkning , To nakenbilder , naken med blått hår .

Ny realisme (1958–1970)

Fransk bevegelse inspirert av verden av omgivende virkelighet, forbrukerisme og industrisamfunn, hvorfra de henter ut – i motsetning til pop-art – dets mest ubehagelige aspekt, med en spesiell forkjærlighet for skadelige materialer . En av hovedeksponentene var Yves Klein , en revolusjonerende kunstner som var en forløper for konseptuell kunst og actionkunst. I løpet av sin "blå periode", der han malte monokrome bilder av en intens ultramarin blå -som han døpte International Klein Blue (IKB), et registrert varemerke-, laget han forskjellige nakenskulpturer inspirert av de klassiske Venusene, men tonet blå, som i På samme måte laget han en versjon av Michelangelos Dying Slave . Han laget også flere gipsavstøpninger av vennene sine, naken og alle malt blå, for eksempel Portrait in Relief of Claude Pascal (1962) og Portrait in Relief of Arman (1962). I 1958 begynte han på sine " antropometrier ", der en nakenmodell — som han kalte sine "levende børster" —, smurt inn med maling, la seg ned på et lerret og etterlot avtrykket av kroppen malt på lerretet, i forskjellige avtrykk som varierte i henhold til posisjonen til kroppen, eller i henhold til bevegelsen, siden noen ganger fikk han modellene til å snurre på lerretet. Noen ganger utførte han også "negativ antropometri", det vil si å plassere modellen foran lerretet og spraye maling, og dermed markere silhuetten hans. Disse opplevelsene markerer opprinnelsespunktet til kroppskunst , samtidig som de er et forspill til hendelsene , på grunn av iscenesettelsen som Klein ga til disse kreasjonene, ofte utviklet i gallerier før publikum, på kvelder med musikk og nyter en aperitiff. [ 237 ]

Action Art (siden 1960)

Det er ulike trender basert på den kunstneriske skapelsesakten, hvor det viktige ikke er selve verket, men den kreative prosessen, der publikum i tillegg til kunstneren ofte griper inn, med en stor del av improvisasjon. Den omfatter ulike kunstneriske manifestasjoner som happeningen , performancen , miljøet , installasjonen osv. Medlemmene av Gutai- gruppen i Japan kan betraktes som pionerer : Katsuō Shiraga utførte i Back to the mud en handling der han senket seg naken i gjørmen , som en idé om døden, om returen til det originale materialet - disse kunstnerne var svært preget av erfaringene fra andre verdenskrig . I Europa skilte Fluxus -gruppen og artister som Wolf Vostell seg ut , som gjennomførte flere hendelser der naken grep inn: i Disasters (Encofrado con cement de la vagina) (1972) immobiliserte han en togvogn og en naken kvinne med armert betong i 24 timer; i Fandango (1975) fremførte han en «konsert for to fioliner, operatør og modell»: mens han spilte fiolin , kuttet operatøren med sag bildører, og den nakne modellen lyttet med øynene dekket. Vostells handlinger hadde en sterk politisk komponent, og hevdet å fordømme sosial urettferdighet, ødeleggelsen av naturen, våpenkappløpet, diskriminering av kvinner og andre lignende årsaker. [ 238 ]

Hyperrealisme (siden 1965)

Som en reaksjon på minimalismen i moten på 1950- og 1960-tallet dukket denne nye figurative strømmen opp, preget av sin superlative og overdrevne virkelighetssyn, som fanges med stor nøyaktighet i alle detaljer, med et nærmest fotografisk utseende. John Kacere maler fragmenter av kvinnekropper, spesielt kjønn og bakdel i trange truser. I skulptur gjør John de Andrea svært seksuelt ladede nakenbilder ( The Artist and His Model , 1976). I Spania er Antonio López García forfatter av akademiske verk, men hvor den mest detaljerte beskrivelsen av virkeligheten kombineres med et vagt urealistisk aspekt nær magisk realisme . Noen av hans nakenbilder er: Woman in the bathtub (1968), et fotografisk effektverk, en kvinne tar et bad i et miljø av elektrisk lys som reflekteres på baderomsflisene, og skaper en intens og levende komposisjon; Man and Woman (1968-1990), et verk som han jobbet med i mer enn tjue år og forlot uferdig, har som mål å lage vanlige prototyper av mann og kvinne, som han tok flere notater for forskjellige modeller, syntetisert i standardformer som kunne tilsvarer alle på gaten. [ 239 ]

Konseptkunst (1965–1980)

Etter den materielle strippingen av minimalisme, ga konseptkunsten avkall på det materielle underlaget for å fokusere på den mentale prosessen med kunstnerisk skapelse, og bekreftet at kunst er i ideen, ikke i objektet. Det inkluderer ulike trender, for eksempel språklig konseptuell kunst , arte povera , kroppskunst , land-art , bio-art , etc. Ulike sjangere for sosial rettferdiggjørelse som feministisk kunst og homoerotisk kunst kan også rammes inn innenfor denne strømmen . I forhold til naken er kroppskunst spesielt relevant , en bevegelse som vokste frem på slutten av 1960-tallet og utviklet seg på 1970-tallet, som berørte ulike problemstillinger knyttet til kroppen, spesielt i forhold til vold, sex, ekshibisjonisme eller kroppslig motstand mot visse fysiske fenomener. To linjer er tydelige i denne bevegelsen: den amerikanske, mer analytiske, hvor handlingen, den vitale, øyeblikkelige komponenten verdsettes mer, verdsetter mer persepsjonen og forholdet til tilskueren, og de dokumenteres med videoer ; og den europeiske, mer dramatisk, som har en tendens til å behandle kroppen objektivt og berøre temaer som transvestisme , tatoveringer eller smerte, dokumentere resultatene gjennom fotografier, notater eller tegninger. [ 240 ]

En av dens største eksponenter, Dennis Oppenheim , eksperimenterte med soling , og lot deler av kroppen stå blank. Stuart Brisley lager flekker på kroppen og etterligner blod. Wien-aksjonismegruppen ( Günther Brus , Otto Mühl , Hermann Nitsch og Rudolf Schwarzkogler ) utfører selvlemlestelser, og påvirker sin egen kropp. Youri Messen-Jaschin fokuserte på kroppsmaling , og belegger nakne kropper integrert med psykedeliske og biologiske farger . Urs Lüthi bruker ulike medier (fotografi, maleri, skulptur, video), utforsker sin egen kropp, i kitsch -stil selvportretter , med en sterk ironisk ladning, som utgjør en refleksjon over kroppen, tiden og livet, så vel som forhold til de andre. I 2001 presenterte han to installasjoner på Venezia-biennalen som er blant hans mest kjente verk ( Run for your life og Placebos and surrogates ), der det sentrale temaet er den overdrevne kulten av kroppen. [ 241 ]

Feministisk kunst har forsøkt å rettferdiggjøre bildet av kvinner som en person og ikke som et objekt, med vekt på deres materielle og åndelige essens, og fremhevet aspekter ved deres seksuelle tilstand som menstruasjon , morskap , etc. Et vesentlig aspekt er budskapet, forsøket på å få betrakteren til å reflektere, om nødvendig gjennom provokasjon, med sjokkerende verk som hisser opp samvittigheten. En av måtene å utvanne kjønnsforskjeller på har vært gjennom degradering eller lemlestelse av kroppen: Dermed skaper Donna Haraway nøytrale, transhumane kropper, som hun kaller «cyborg-kropper». [ 242 ] Cindy Sherman lager bevisst stygge, frastøtende kvinnelige nakenbilder for å avmystifisere kjønn. Judy Chicago forsvarer verdien av kvinner som noe mer enn en vakker kropp, i verk som Red Flag (1971). Zoe Leonard viser kroppen i sin hardeste virkelighet, som i serien Vagina (1990), inspirert av Courbets The Origin of the World . Kiki Smith lager skjøre skulpturer av fragmenterte kropper, som fremhever reproduksjonsprosessene, med eskatologiske elementer. [ 243 ]

På 1970 -tallet kritiserte organisasjonen Women Against Rape - blant andre aspekter av vestlig kultur - den kvinnelige naken i maleri, med tanke på at representasjonen av den nakne kvinnekroppen er en form for krenkelse. På 1980 -tallet lanserte Guerrilla Girls -gruppen en kampanje under slagordet "Må kvinner være nakne for å komme inn på Metropolitan Museum?", og fremhevet det faktum at mindre enn 5 % av samtidskunstnerne i dette museet er kvinner, men 85 % av nakenbilder er kvinner. [ 139 ]

En av de mest suksessrike kunstnerne i nyere tid har vært Jenny Saville , som lager storstilte arbeider med figurer sett fra uvanlige perspektiver, der kroppene minner om fjell av kjøtt som ser ut til å fylle hele rommet, med en forkjærlighet for å vise områdets kjønnsorganer. , eller av ufullkommenheter og sår i huden, med lyse, intense farger, ordnet etter flekker, hovedsakelig røde og brune toner. De er generelt overvektige kropper - hun tar ofte selvportretter av seg selv - der kjøttet danner folder og rynker, med monumentale former som ligner synet et barn har av en voksen. Inspirert av Courbet og Velázquez maler hun den virkelige kvinnen i dag, uten noen form for idealisering, uten å lete etter skjønnhet, bare sannhet, og skaper – som hun kaller seg selv – «kroppslandskap». [ 244 ]

Postmoderne kunst (siden 1975)

I motsetning til den såkalte moderne kunsten er det postmodernitetens kunst . Postmoderne kunstnere antar avantgardebevegelsens fiasko som det moderne prosjektets fiasko: Avantgarden søkte å eliminere avstanden mellom kunst og liv, å universalisere kunst; den postmoderne kunstneren er derimot selvrefererende, kunst snakker om kunst, de har ikke tenkt å drive sosialt arbeid. Blant de ulike postmoderne bevegelsene skiller den italienske trans -avantgarden og den tyske nyekspresjonismen seg ut, samt nymanerisme , fri figurasjon , etc. [ 245 ]

I Italia lager Sandro Chia et selvbiografisk verk, som skildrer øyeblikk av sin egen eksistens, sammen med referanser fra kunsthistorien, spesielt de kunstnerne som interesserer ham mest, som Cézanne, Picasso eller Chagall. I The Slave (1980) laget han en symbiose av Michelangelos Dying Slave og Botticellis The Birth of Venus , som en måte å avmystifisere kunst. [ 246 ]

I Tyskland skaper Markus Lüpertz svært uttrykksfulle verk, et faktum som understreker storheten i formatene og den fascinerende fargen som gjennomsyrer maleriene hans. Tematisk tar han vanligvis utgangspunkt i figurative temaer for å utlede dem mot abstraksjon, og samler ulike påvirkninger fra fortidens kunst; Spesielt er han ofte inspirert av landskapet og menneskekroppen, som han nytolker på en personlig og spontan måte: San Francisco forhindrer utryddelse av rotter (1987). Georg Baselitz er preget av hans bilder med omvendte figurer og gjenstander, med runde og tunge former, inspirert av Rubens: Bedroom (Elke og Georg) (1975), Male Nude (1975). Rainer Fetting er avhengig av kroppslige elementer for å reprodusere sin visjon av virkeligheten, gjennom levende, syreaktige farger og vangoghisk innflytelse: Two Figures (1981). [ 247 ]

I USA har David Salle blitt assosiert med forskjellige nordamerikanske postmoderne trender, som simulering eller Bad painting . En av hans første jobber, i et pornografisk magasin, var en av hans mest tilbakevendende inspirasjonskilder: erotikk, bilder av nakne kvinner behandlet realistisk, uten skam. Det viktigste kjennetegnet ved Salles stil er sammenstillingen av bilder, en uorganisert og usammenhengende superposisjon av bilder som kommer fra kunst- og designhistorien, reklame, media, tegneserier, populærkultur, etc. Noen av verkene hans er: Zeitgeist Painting nr. 4 (1982), King Kong (1983), The Miller's Tale (1984). [ 248 ] Eric Fischl dyrker en realistisk stil inspirert av den nordamerikanske billedtradisjonen ( Winslow Homer , Edward Hopper ), og skildrer nakne kvinner som ser ut til å referere til morens figur, i urovekkende bilder forsterket av intense fargespekter: Hunden av gubben og gubbens båt (1982). [ 249 ]

I Spania betegner Miquel Barceló i sitt arbeid fortidens arv, fra den spanske barokken til Goya, tolket på en fri og personlig måte, med en viss primitiv atmosfære hentet fra oppholdet i Mali : Brute Venus (1980). [ 250 ]

Ikke-vestlig kunst

Naken har hatt en spesiell betydning i vestlig kunst , og har vært et hyppig tema i kunst siden antikkens Hellas . Imidlertid har den ikke hatt samme betydning i alle kulturer, og dens betydning har variert i henhold til regionen, fra den virtuelle ugyldigheten av representasjonen til å være enda mer intens enn i Vesten , slik tilfellet er i India . Det sosiale hensynet til naken varierer i henhold til det geografiske området, generelt i samsvar med de religiøse begrepene i det området, og akkurat som det noen steder ses naturlig og uten hemninger, er det andre steder noe forbudt og en kilde til skam. I Kina , for eksempel, regnes seksualitet som en privat sfære, så naken er praktisk talt ikke-eksisterende i kinesisk kunst - elfenbensstatuetter for medisinske konsultasjoner, slik som de i Museum of Oriental Art, kan betraktes som et mindre unntak . —. I før-columbiansk kunst er det også praktisk talt ikke-eksisterende, til tross for den hyppige sosiale nakenheten til befolkningen i området. [ 251 ] I islamsk kultur blir ikke bare den nakne kroppen, men også klær avvist, siden kunstverk i følge islam er iboende defekte sammenlignet med Guds verk, så det antas at man prøver å realistisk beskrive ethvert dyr eller person. er frekkhet mot Gud. Likevel er i virkeligheten ikke representasjon av mennesker eller dyr totalt forbudt i islamsk kunst : faktisk kan bildet finnes i alle islamske kulturer, med varierende grad av aksept av religiøse myndigheter; det er bare menneskelig representasjon med det formål å tilbe som er ensartet sett på som avgudsdyrkelse og forbudt i sharia-loven . [ 252 ]

Afrika

I Afrika er seksualitet ritualisert og er generelt assosiert med dyrkelsen av fruktbarhet. Afrikansk kunst har alltid hatt en markert magisk-religiøs karakter, mer ment for ritualer og seremonier av de forskjellige afrikanske animistiske og polyteistiske overbevisningene enn for estetiske formål. De fleste av verkene hans er laget av tre, stein eller elfenben, i masker og frittstående figurer av mer eller mindre antropomorf karakter, med en typisk kanon av stort hode, rett stamme og korte lemmer. Det skal bemerkes at afrikansk kunst hadde en kraftig innflytelse på de europeiske kunstneriske avantgardene på begynnelsen av 1900-tallet , på grunn av kolonialisme og åpningen av en rekke etnologiske museer i de fleste europeiske byer. Spesielt unge europeiske kunstnere var sterkt interessert i den geometriske stiliseringen av afrikansk skulptur, dens ekspressive karakter og dens primitive, originale, spontane, subjektive luft, et produkt av et sterkt innbyrdes forhold mellom natur og mennesker. [ 253 ]

indisk

Indisk kunst har en hovedsakelig religiøs karakter, og tjener som et redskap for overføring av de forskjellige religionene som har preget India : hinduisme , buddhisme , islam , kristendom , etc. Det er også nødvendig å fremheve som et særtrekk ved indisk kunst dets ønske om å integrere med naturen , som en tilpasning til den universelle orden, med tanke på at de fleste naturlige elementer (fjell, elver, trær) har en hellig karakter for indianerne. En av de mest overraskende fasettene ved indisk kunst for vestlige er den usminkede representasjonen av erotikk: i følge den hinduistiske religionen er sex en form for bønn, en kanal mellom det menneskelige og det guddommelige, et tegn på transcendens og spiritualitet. Et godt eksempel på dette er kulten av liṅgam (mannlig seksuelt symbol) og yoni (kvinnelig seksuelt symbol), begge fra eldgamle neolitiske fruktbarhetsriter, og som ble antatt av hinduismen. Liṅgam representerer den skapende kraften til guden Śiva , og er hovedobjektet for tilbedelse i helligdommene til templene dedikert til denne guden. Det er vanligvis representert av en søyle ( stambha ) som ender i form av en glans ( mani ), selv om den kan variere fra den mest naturalistiske til en abstrakt form som består av en sylinder , eller forskjellige manifestasjoner som en fallus med øyne ( ambaka- liṅgam ), med ett ansikt ( ekamukha-liṅgam ) eller fire ansikter ( chatur-mukha-liṅgam ). På sin side representerer yoni Śakti ( modergudinnen ), så vel som Pārvatī (naturens og fruktbarhetens gudinne), kona til Śiva. Det kan også avbildes naturalistisk som en vagina , eller geometrisert i form av en trekant . Liṅgam vises ofte ved siden av yoni og danner en konkavformet beholder som liṅgam stikker ut fra. Dette symbolet uttrykker enheten i universets dualitet, den kreative energien, så vel som forvandlingen av den seksuelle impulsen til mental energi, oppstigningen fra sansenes verden til åndelig transcendens, oppnådd gjennom yogameditasjon . Disse eldgamle ritualene smeltet sammen med tantra , en filosofi som søker sannheten i energien som kommer fra kroppen, som er en åndelig forsterker, som til og med seksuell energi ( kuṇḍalinī ). Sammen med historiene til Kāma Sūtra ("Kjærlighetens bok"), hadde disse kultene en stor representasjon i indisk kunst, spesielt i skulptur, der mithuna eller erotiske scener florerer, som i templene til Khajurāho og Koṇārak . [ 254 ]

Den første store indiske sivilisasjonen , neolitisk, skjedde rundt 2500 - 1500 f.Kr. C. i Indus River-området , rundt byene Mohenjo-Dāro (dagens Pakistan) og Harappa ( Punjab ). Det er funnet forskjellige terrakottafigurer som representerer vogner, dyr og menneskefigurer, noen av dem nakne og med seksuelle symboler (den mannlige liṅgam og den kvinnelige yoni ), relatert til fruktbarhetskulturen. Bronsestykker er også funnet, for eksempel Mohenjo-Dāro-danseren, med avrundede anatomiske former, verket både før og etter var bemerkelsesverdig, og gir et globalt bilde av figuren. [ 255 ]

Mellom III-I århundrer a. C. Mauryan-kunst ble utviklet , der de første indiske ikonografiske typologiene dukket opp med representasjonen av yakṣīs (naturånder), vanligvis i form av nakne kvinner utsmykket med juveler, som kan sees på østdøren til Sānchī stūpa . Disse figurene ble vanligvis avbildet i tribhaṅga ("trippel bøying"), en holdning med en buktende bevegelse som danner tre kurver, typisk for indisk skulptur siden den gang. Denne typen representasjoner initierte sjangeren erotisk kunst i India, med en merkelig syntese av sensualitet og spiritualitet. [ 256 ]

I Gupta-kunsten (4.-8. århundre) var skulptur preget av glattheten i linjene, perfeksjon av ansiktene, som betegner en ideell skjønnhet, men med en noe mystisk tone, og en liten tribhaṅga- type bevegelse , som skimtet i Bodhisattva Torso fra Sānchī (5. århundre), som sammen med glattheten i huden viser stor presisjon i smykker og klær. [ 257 ]

800-1200-tallet var hindukunstens gullalder, med et vell av erotisk skulptur i templer som Sūrya-tempelet ved Koṇārak (1240-1258) og Khajurāho-komplekset ( Madhya Pradesh , 10-1100-tallet), som er fra de som mest representerte scener av tantrisk erotikk , med forskjellige grupper ( mithunas ) arrangert i friser ( kāma-bandha ) som utviklet forskjellige erotiske stillinger. Denne typen erotisk skulptur utviklet seg også utenfor India, som i Angkor Wat ( Kambodsja ), hvor de fleste tempelveggene er dekorert med basreliefffriser der overfloden av kvinnelige figurer skiller seg ut, blant devataer (eller kvinnelige gudinner). Hinduer. ), som teller 1500 i hele templet, og apsaraer (eller himmelske dansere), som teller rundt 2000. [ 258 ]

Nakenhet har også en spesiell betydning i jainismen , der dens to hovedsekter skiller seg nettopp ved at noen er kledd ( shvetambara ) og andre er nakne ( digambara ), siden de anser at klær fengsler sjelen. Derfor gjenspeiler kunsten hans naturligvis dette faktum, med representasjon av nakne munker og asketer som vanlig, slik som statuen av Gomateśvara (978-993), en imponerende 17 meter høy figur som representerer den store Jain-mesteren Bahubali. [ 259 ]

Bodhisattva-torso fra Sānchī ( 5. århundre ).   Statue av Gomateśvara (978-993), Shravanbelagola, Karnataka State .   Yakṣī- figur fra Liṅgarāja -tempelet i Bhubaneśvara .   Mithuna eller erotisk scene fra Khajurāho - tempelet .   Shepherdesses Coming Out of the Water (1700-tallet), Pahari -miniatyr fra Rajput fyrstedømmet Kangra ( Himachal Pradesh ).

Japan

Japansk kunst har vært preget av sin isolasjon , selv om den med mellomrom har blitt påvirket av fastlandssivilisasjoner, spesielt Kina og Korea . Kunst i japansk kultur har en stor følelse av introspeksjon og innbyrdes forhold mellom menneske og natur, like representert i gjenstandene som omgir ham, fra det mest utsmykkede og ettertrykkelige til det enkleste og hverdagslige. Dette er tydelig i verdien som gis til ufullkommenhet, til tingenes flyktige natur, til den emosjonelle følelsen som japanerne etablerer med omgivelsene sine. I Japan har kunst som mål å oppnå universell harmoni, og gå utover materien for å finne livets genererende prinsipp. Japansk estetikk søker å finne meningen med livet gjennom kunst: skjønnhet er lik harmoni, kreativitet; det er en poetisk impuls , en sanselig vei som fører til realiseringen av verket, som ikke har noen hensikt i seg selv, men går utover. [ 260 ]

Nakenhet i japansk kunst hadde ikke stor representasjon i offisielle medier, selv om det ble sett naturlig, ble alt relatert til seksualitet ansett for å være relatert til privatlivet. Selv om en naken kropp kan vises i et japansk bilde, ville det være i sammenheng med en intim, hverdagslig scene, for eksempel offentlige bad, men menneskekroppen i seg selv ble ikke ansett som verdig representasjon for et kunstverk. [ 261 ] Imidlertid var det en kunstnerisk sjanger dedikert spesielt til erotiske bilder, kalt shunga (春画"vårtrykk" ? ), , generelt knyttet til japanske ukiyo-e-trykk (浮世絵"flytende verdenstrykk" ? ), , selv om det også skjedde med andre typologier . [ 262 ] Disse bildene var hovedsakelig på mote under Edo-perioden (1603-1867), vanligvis i treblokkformat , og ble praktisert av noen av datidens beste kunstnere, som Hishikawa Moronobu , Isoda Koryūsai , Kitagawa Utamaro , Keisai Eisen , Torii Kiyonaga , Suzuki Harunobu , Katsushika Hokusai og Utagawa Hiroshige . Scenene beskrev seksuelle forhold av alle slag, med de mest varierte karakterene, fra skuespillere og kjøpmenn til samuraier , buddhistiske munker eller til og med fantastiske og mytologiske vesener. Til tross for at produksjonen var preget av forskrifter og forbud fra regjeringen, fortsatte realiseringen av denne typen arbeid praktisk talt til slutten av Meiji-tiden , med forbudet mot "uanstendig" materiale i Civil Code of the year 1907. [ 263 ] Etter åpningen av Japan mot Vesten, på midten av det nittende århundre, bidro japansk kunst til utviklingen av bevegelsen kjent som Japonisme , og forskjellige europeiske kunstnere samlet inn shunga , inkludert Aubrey Beardsley , Edgar Degas , Henri de Toulouse- Lautrec , Gustav Klimt , Auguste Rodin , Vincent van Gogh og Pablo Picasso . [ 264 ] Shunga regnes ofte som en antecedent til hentai , den erotiske siden av manga tegneserier . [ 265 ]

Etnografisk naken

Dette begrepet har blitt brukt i både etnografiske og antropologiske forskningsartikler, så vel som dokumentarer og i magasinet National Geographic i USA. I noen tilfeller kan media vise nakenhet som oppstår i en «naturlig» eller spontan situasjon i dokumentarer eller nyhetsprogrammer, mens nakenhet i teaterverk blir uskarpt eller sensurert. Det etnografiske fokuset ga en eksepsjonell ramme for malere og fotografer for å vise folk hvis nakenhet var, eller fortsatt er, akseptabel innenfor konvensjonene, eller innenfor visse spesifikke rammer, av deres tradisjonelle kultur. [ 266 ]

Kritikere av den etnografiske nakenen avviser det ofte som et rent kolonialistisk blikk bevart som etnografiske bilder. Likevel har de etnografiske verkene til noen malere og fotografer, som Irving Penn , Casimir Zagourski , [ 267 ] Hugo Bernatzik og Leni Riefenstahl , blitt hyllet over hele verden for å bevare det som oppfattes som et dokument om de døende skikkene til «paradisene». " gjenstand for angrep av middelmådig modernitet. [ 268 ]

Se også

• Portal: Kunst . Kunstrelatert innhold .
• Naken (kunstnerisk sjanger)
• Kunsthistorie
• estetikkens historie
• erotisk kunst
• feministisk kunst
• modell (kunst)
• Tillegg: Naken Venus malerier

Referanser

Karakterer

1. ↑ I følge Francisco Calvo Serraller , «er naken ikke bare en form for kunst, men det er forklaringen eller selve grunnen til å være av vestlig kunst: det punktet eller det dramatiske skjæringspunktet mellom det naturlige og det himmelske, mellom det ideelle og det himmelske ekte mellom det kjødelige og det åndelige, mellom kropp og sjel». ( Calvo Serraller, 2005 , s. 61.) Javier Portús , kurator for Prado-museet , mener også at «naken i århundrer har vært den kunstneriske formen par excellence i Vesten, den som er i stand til å uttrykke fargeverdiene bedre enn noen annen, og billedlig sak. ( Javier Portús (april 2004). "Passion for the Naken" . Arkivert fra originalen 14. desember 2014. Hentet 20. august 2011.  )
2. ^ Avledet fra det latinske classicus ("av første klasse"), refererte begrepet "klassisk" til perioden med gresk kunst mellom det arkaiske og det hellenistiske , verdsatt som det mest kreative i gresk kunsts historie. Dermed ble begrepet synonymt med kreativitet, fortreffelighet, den beste perioden av enhver kunstnerisk stil, og det er grunnen til at mange stiler over tid har hatt en fase kalt "klassisk". Heinrich Wölfflin , for eksempel, refererte til klassisk kunst for å snakke om den italienske renessansen . ( Chilvers, 2007 , s. 207.)
3. ↑ Begrepet " moderne kunst " kommer fra begrepet " modernitet ", en filosofisk-kulturell teori som angir gjeldende gyldighet av en historisk periode preget kulturelt av opplysningstiden , politisk av den franske revolusjonen og økonomisk av den franske revolusjonen . og det ville anta den egen sosiale roten til samtiden . Det moderne prosjektet er preget av slutten på determinisme og religionens overlegenhet , erstattet av fornuft og vitenskap , objektivisme og individualisme, tillit til teknologi og fremskritt , til menneskets evner. Denne «moderne æra» ville ha nådd i dag, med full kraft ifølge noen forfattere, mens andre forsvarer at det for tiden er en utdatert fase i menneskehetens utvikling, og snakker om « postmodernitet » som etterfølgerperioden til dette moderne prosjektet . ( Valeriano Bozal (1993). Moderne og postmoderne (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historia 16. s. 8-16.  )
4. ↑ "I favnen til det stormfulle Egeerhavet / Thetis sees med sin hovne mage [...] vandrer gjennom bølgene i hvitt skum pakket inn / og innenfra født med delikate og gledelige bevegelser / en jomfru med et ikke-menneskelig ansikt / Av ondskapsfulle sefirer dyttet til kysten / Spinner på et skjell og det ser ut til at himmelen nyter det. [...] Gudinnen klemmer håret med høyre hånd / med den andre dekker hun den søte pommel [...] Fra tre nymfer i barmen ble hun ønsket velkommen / og pakket inn i en stjernekjole». Angelo Poliziano , Giostra , 99-101. ( Zuffi og Bussagli, 2001 , s. 68.)
5. ^ Foreløpig er bare ett eksemplar bevart i Borghese-galleriet i Roma , som er malt i tempera på panel og måler 112 cm høyt og 86 cm bredt. Originalen, som i sin tid ble arvet av Salai og den som ble vurdert høyere, forsvant. I dag antas det at det er en kopi og ikke akkurat originalen, men en rekreasjon fra papp laget av en disippel av Leonardo, Cesare da Sesto . ( Clark, 1996 , s. 121-122.)
6. ^ Ordet stammer fra det italienske begrepet maniera , som betyr "stil", som ble introdusert av Giorgio Vasari i hans biografier om kunstnere for å betegne den grasiøse og balanserte stilen til kunstnerne i hans tid. ( Chilvers, 2007 , s. 593.)
7. ↑ Begrepet "barokk" kommer fra et ord med portugisisk opprinnelse , der perler som hadde en viss deformasjon ble kalt barrueca- perler , som opprinnelig var et nedsettende ord som betegnet en lunefull, storslått, overdrevent utsmykket type kunst. ( Chilvers, 2007 , s. 83.)
8. ^ Rokokko dukket opp i Frankrike under regenten til hertugen av Orleans , i mindretall av Louis XV , og overlevde under hans regjeringstid. Begrepet rokokko ble dannet med kombinasjonen av den italienske barokkoen og rocaille , et dekorativt element som ligner på et skjell , mye brukt i ornamentikk i denne perioden. ( Chilvers, 2007 , s. 818.)
9. ↑ Det er ikke sikkert kjent hvem som var modellen brukt av Goya, med tanke på mulighetene til hertuginnen av Alba eller Pepita Tudó , elskerinne og senere kone til Manuel Godoy ; Goyas mål var uansett ikke å fremstille noen spesifikk, men heller en anonym kvinne, en som alle andre. ( Valeriano Bozal (1989). Goya. Mellom nyklassisisme og romantikk (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historia 16. s. 146.  )
10. ↑ I Reflections on the Imitation of Greek Artworks (1755) uttalte Johann Joachim Winckelmann at grekerne nådde en tilstand av total perfeksjon i etterligningen av naturen, slik at vi bare kan etterligne grekerne. På samme måte relaterte han kunst til stadiene i menneskelivet (barndom, modenhet, alderdom), og etablerte en utvikling av kunst i tre stiler: arkaisk, klassisk og hellenistisk. ( Muntekurv, 2000 , s. 150-154.)
11. ↑ I Reyero, Carlos (2009). Avkledd. Kroppen og den virkelige formen . Alliansen, Madrid. 
12. ^ I 1563 ble det første akademiet, det florentinske Accademia del Disegno , grunnlagt, som ble fulgt av Accademia di San Luca i Roma (1577), Académie Royal d'Art i Paris (1648), Akademie der Künste i Berlin ( 1696), Royal Academy of Fine Arts i San Fernando i Madrid (1744), Imperial Academy of Arts i Saint Petersburg (1757) og Royal Academy of Arts i London (1768), blant mange andre. ( Chilvers, 2007 , s. 18)
13. ↑ Bokstavelig talt, "ildkunst", et nedsettende navn som kommer fra det faktum at mange forfattere representerte de klassiske heltene med hjelmer som så ut som brannhjelmer. ( Chilvers, 2007 , s. 752-753)
14. ↑ Umberto Eco inkluderer til og med akademisisme innenfor kategorien kitsch , i sitt verk Historia de la fealdad (2007). ( Echo, 2007 , s. 400)
15. ↑ "Historisk avantgarde" refererer til de som ble produsert siden førkrigsårene av århundret (rundt 1905-1910) og slutten av andre verdenskrig . ( Javier Arnaldo (1993). De historiske avantgardene I (magasinet )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historia 16. s. 6.  )
16. ^ Begrepet art deco er en forkortelse for arts décoratifs ("dekorativ kunst" på fransk ), og kommer fra 1925-utstillingen for dekorativ kunst ( Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes ) i Paris . ( AA.VV., 1991 , s. 59.)

Referanser

1. ↑ Calvo Serraller, 2005 , s. 62.
2. ↑ Newall, 2009 , s. tjueen.
3. ↑ Azcárate Ristori, Pérez Sánchez og Ramírez Domínguez, 1983 , s. 24.
4. ↑ Zuffi og Bussagli, 2001 , s. 11-12.
5. ↑ Aguilera, 1972 , s. 36.
6. ^ "Skrivehistorie" . Hentet 4. september 2010 . 
7. ↑ Zuffi og Bussagli, 2001 , s. 13-15.
8. ↑ Aguilera, 1972 , s. 38-43.
9. ↑ Aguilera, 1972 , s. 44-45.
10. ↑ Azcárate Ristori, Pérez Sánchez og Ramírez Domínguez, 1983 , s. 64.
11. ↑ Azcárate Ristori, Pérez Sánchez og Ramírez Domínguez, 1983 , s. 66.
12. ↑ Echo, 2004 , s. Fire fem.
13. ↑ Newall, 2009 , s. 22.
14. ↑ Clark, 1996 , s. 35-37.
15. ↑ Clark, 1996 , s. 169-171.
16. ↑ Pilar Leon Alonso (1989). Gresk Art II (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 15-18. 
17. ↑ Clark, 1996 , s. 41-45.
18. ↑ Clark, 1996 , s. 175.
19. ↑ Pilar Leon Alonso (1989). Gresk Art II (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 150. 
20. ↑ Clark, 1996 , s. 48.
21. ↑ Clark, 1996 , s. 52-55.
22. ↑ Clark, 1996 , s. 180-184.
23. ↑ Clark, 1996 , s. 56-57.
24. ↑ Clark, 1996 , s. 78-81.
25. ↑ Clark, 1996 , s. 81-85.
26. ↑ Clark, 1996 , s. 88-93.
27. ↑ Clark, 1996 , s. 263-275.
28. ↑ Clark, 1996 , s. 219.
29. ↑ Clark, 1996 , s. 221-224.
30. ↑ Michelangelo Elvira (1989). Gresk Art III (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 124. 
31. ^ "Doidalsas of Bithynia" . Prado-museet . Hentet 23. juli 2011 . 
32. ↑ ab Clark , 1996 , s. 357.
33. ↑ Sanmiguel, 2000 , s. 7.
34. ↑ Aguilera, 1972 , s. 63-64.
35. ^ Antonio Blanco Freijeiro (1989). Imperial Roma (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 27. 
36. ↑ Aguilera, 1972 , s. 68.
37. ↑ Clark, 1996 , s. 95-97.
38. ^ Antonio Blanco Freijeiro (1989). Imperial Roma (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 73. 
39. ↑ Aguilera, 1972 , s. 70.
40. ↑ Azcárate Ristori, Pérez Sánchez og Ramírez Domínguez, 1983 , s. 95.
41. ↑ Revilla, 1999 , s. 141.
42. ↑ Sanmiguel, 2000 , s. 8-9.
43. ↑ Zuffi og Bussagli, 2001 , s. 41-43.
44. ↑ Echo, 2004 , s. 77.
45. ↑ Clark, 1996 , s. 297-298.
46. ↑ Clark, 1996 , s. 225-228.
47. ↑ Aguilera, 1972 , s. 76.
48. ↑ Clark, 1996 , s. 300-301.
49. ↑ Aguilera, 1972 , s. 87-88.
50. ↑ Clark, 1996 , s. 298.
51. ↑ Clark, 1996 , s. 302-303.
52. ↑ Aguilera, 1972 , s. 92-93.
53. ↑ Aguilera, 1972 , s. 106.
54. ↑ Clark, 1996 , s. 303-304.
55. ↑ Clark, 1996 , s. 305-308.
56. ↑ Aguilera, 1972 , s. 106-107.
57. ↑ Clark, 1996 , s. 99.
58. ↑ Aguilera, 1972 , s. 101.
59. ↑ Azcárate Ristori, Pérez Sánchez og Ramírez Domínguez, 1983 , s. 347-348.
60. ^ Tatarkiewicz og 1991, vol. III , s. 291.
61. ↑ Azcárate Ristori, Pérez Sánchez og Ramírez Domínguez, 1983 , s. 360.
62. ↑ Sanmiguel, 2001 , s. femten.
63. ↑ Plaza Escudero og Morales Gómez, 2015 , s. 169.
64. ↑ Newall, 2009 , s. 24-25.
65. ↑ Reau, 2000 , s. 527.
66. ↑ ab Réau , 2000 , s. 526.
67. ↑ Clark, 1996 , s. 37-39.
68. ↑ Clark, 1996 , s. 230-231.
69. ↑ Aguilera, 1972 , s. 101-103.
70. ↑ Clark, 1996 , s. 62-63.
71. ↑ Clark, 1996 , s. 188-191.
72. ↑ Clark, 1996 , s. 193-198.
73. ↑ Clark, 1996 , s. 101-107.
74. ↑ Aguilera, 1972 , s. 119.
75. ↑ Clark, 1996 , s. 63-67.
76. ↑ Clark, 1996 , s. 109-114.
77. ↑ Clark, 1996 , s. 200-201.
78. ↑ Aguilera, 1972 , s. 121.
79. ↑ Aguilera, 1972 , s. 123.
80. ↑ Clark, 1996 , s. 233.
81. ↑ Clark, 1996 , s. 236-243.
82. ↑ Clark, 1996 , s. 67-72.
83. ↑ Clark, 1996 , s. 247-248.
84. ↑ Azcárate Ristori, Pérez Sánchez og Ramírez Domínguez, 1983 , s. 106.
85. ↑ Clark, 1996 , s. 116-119.
86. ↑ Zuffi og Bussagli, 2001 , s. 92.
87. ↑ Clark, 1996 , s. 126-131.
88. ↑ Aguilera, 1972 , s. 152-153.
89. ↑ Aguilera, 1972 , s. 154-155.
90. ↑ Clark, 1996 , s. 132-135.
91. ↑ Echo, 2004 , s. 214.
92. ↑ Clark, 1996 , s. 136-137.
93. ↑ Clark, 1996 , s. 250.
94. ↑ Clark, 1996 , s. 316-323.
95. ↑ Clark, 1996 , s. 311-314.
96. ↑ Aguilera, 1972 , s. 180.
97. ↑ Aguilera, 1972 , s. 166-170.
98. ↑ Aguilera, 1972 , s. 180-181.
99. ↑ Aguilera, 1972 , s. 182-184.
100. ↑ Aguilera, 1972 , s. 188-192.
101. ↑ Azcárate Ristori, Pérez Sánchez og Ramírez Domínguez, 1983 , s. 479-480.
102. ↑ Newall, 2009 , s. 30-31.
103. ↑ Clark, 1996 , s. 207.
104. ↑ Clark, 1996 , s. 139-145.
105. ↑ Aguilera, 1972 , s. 200.
106. ↑ Clark, 1996 , s. 253-255.
107. ↑ Aguilera, 1972 , s. 206.
108. ↑ Clark, 1996 , s. 326-329.
109. ↑ Aguilera, 1972 , s. 214-215.
110. ↑ Aguilera, 1972 , s. 215.
111. ↑ Aguilera, 1972 , s. 217.
112. ↑ Aguilera, 1972 , s. 216.
113. ↑ Aguilera, 1972 , s. 219.
114. ↑ Aguilera, 1972 , s. 190.
115. ↑ Aguilera, 1972 , s. 222.
116. ↑ Aguilera, 1972 , s. 224.
117. ↑ Aguilera, 1972 , s. 224-225.
118. ↑ Aguilera, 1972 , s. 225-226.
119. ↑ Azcárate Ristori, Pérez Sánchez og Ramírez Domínguez, 1983 , s. 605-606.
120. ↑ Clark, 1996 , s. 145-151.
121. ↑ Aguilera, 1972 , s. 230-235.
122. ↑ Aguilera, 1972 , s. 236-237.
123. ↑ Aguilera, 1972 , s. 238.
124. ↑ Aguilera, 1972 , s. 243.
125. ↑ Aguilera, 1972 , s. 246-247.
126. ↑ Calvo Serraller, 2005 , s. 132.
127. ↑ Aguilera, 1972 , s. 249-250.
128. ↑ Aguilera, 1972 , s. 281-282.
129. ↑ Clark, 1996 , s. 151.
130. ↑ Aguilera, 1972 , s. 253-255.
131. ↑ Javier Arnaldo (1989). Den romantiske bevegelsen (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 100. 
132. ↑ Valerian Muzzle (1989). Goya. Mellom nyklassisisme og romantikk (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 80. 
133. ↑ Aguilera, 1972 , s. 240.
134. ↑ Aguilera, 1972 , s. 255.
135. ↑ Aguilera, 1972 , s. 273.
136. ↑ Aguilera, 1972 , s. 276.
137. ↑ Aguilera, 1972 , s. 284.
138. ↑ Azcárate Ristori, Pérez Sánchez og Ramírez Domínguez, 1983 , s. 663-664.
139. ↑ a b c d Carolina Prieto Quirós og Mar Rodríguez Rodríguez (5. oktober 2010). "Den kvinnelige kroppen: Kvinnelige nakenbilder i kunst fra det nittende århundre" . Arkivert fra originalen 14. juni 2015 . Hentet 20. august 2011 . 
140. ↑ Beardsley og Hospers, 1990 , s. 65.
141. ↑ Toman, 2008 , s. 341.
142. ↑ Clark, 1996 , s. 211-212.
143. ↑ Clark, 1996 , s. 151-157.
144. ↑ Aguilera, 1972 , s. 268.
145. ↑ Clark, 1996 , s. 213-212.
146. ↑ Aguilera, 1972 , s. 285-287.
147. ↑ Aguilera, 1972 , s. 289-290.
148. ↑ Aguilera, 1972 , s. 279-280.
149. ↑ Toman, 2008 , s. 412-419.
150. ↑ Aguilera, 1972 , s. 283-284.
151. ↑ Tarabra, 2009 , s. 300.
152. ↑ Paul Valéry , Writings on Art , s. 35.
153. ↑ Clark, 1996 , s. 158-159.
154. ↑ Clark, 1996 , s. 156.
155. ↑ Azcárate Ristori, Pérez Sánchez og Ramírez Domínguez, 1983 , s. 727.
156. ↑ Clark, 1996 , s. 159.
157. ↑ Pilar of Miguel Egea (1989). Fra realisme til impresjonisme (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 23-24. 
158. ↑ Azcárate Ristori, Pérez Sánchez og Ramírez Domínguez, 1983 , s. 748-749.
159. ↑ Aguilera, 1972 , s. 294-296.
160. ↑ Azcárate Ristori, Pérez Sánchez og Ramírez Domínguez, 1983 , s. 757-758.
161. ↑ Calvo Serraller, 2005 , s. 106.
162. ↑ Clark, 1996 , s. 161.
163. ↑ Clark, 1996 , s. 214-216.
164. ↑ Pilar of Miguel Egea (1989). Fra realisme til impresjonisme (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 82. 
165. ↑ Clark, 1996 , s. 161-167.
166. ↑ Duchting, 2019 , s. Fire fem.
167. ↑ Aguilera, 1972 , s. 301-305.
168. ↑ Clark, 1996 , s. 260-262.
169. ↑ Aguilera, 1972 , s. 359.
170. ↑ Aguilera, 1972 , s. 324-329.
171. ↑ Echo, 2004 , s. 329.
172. ↑ Beardsley og Hospers, 1990 , s. 70.
173. ^ Aurora Fernandez Polanco (1989). Fin de Siècle: Symbolism and Art Nouveau (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 40-41. 
174. ↑ Aguilera, 1972 , s. 296-297.
175. ↑ Aguilera, 1972 , s. 373.
176. ^ Aurora Fernandez Polanco (1989). Fin de Siècle: Symbolism and Art Nouveau (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 142. 
177. ^ Aurora Fernandez Polanco (1989). Fin de Siècle: Symbolism and Art Nouveau (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 149. 
178. ^ Gibson, 2006 , s. 226.
179. ↑ Aguilera, 1972 , s. 296.
180. ^ Aurora Fernandez Polanco (1989). Fin de Siècle: Symbolism and Art Nouveau (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 57. 
181. ^ Gibson, 2006 , s. 140.
182. ^ Gibson, 2006 , s. 181.
183. ↑ Chilvers, 2007 , s. 835.
184. ↑ Valerian Muzzle (1993). The Origins of Twentieth Century Art (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 6-13. 
185. ↑ Azcárate Ristori, Pérez Sánchez og Ramírez Domínguez, 1983 , s. 773.
186. ↑ Clark, 1996 , s. 344.
187. ↑ Clark, 1996 , s. 346.
188. ↑ Clark, 1996 , s. 290.
189. ↑ Aguilera, 1972 , s. 360.
190. ↑ Azcárate Ristori, Pérez Sánchez og Ramírez Domínguez, 1983 , s. 810.
191. ↑ María de los Santos García Felguera (1993). De historiske fortroppene II (magasinet )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 12-14. 
192. ^ Fernandez et al ., 1991 , s. 7.
193. ↑ María de los Santos García Felguera (1993). De historiske fortroppene II (magasinet )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 20-21. 
194. ^ Dube, 1997 , s. 203.
195. ↑ Valerian Muzzle (1993). The Origins of Twentieth Century Art (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 94-100. 
196. ^ Crepaldi, 2002 , s. 40.
197. ^ Crepaldi, 2002 , s. 28.
198. ^ Crepaldi, 2002 , s. 3. 4.
199. ^ Crepaldi, 2002 , s. 22.
200. ↑ Dempsey, 2008 , s. 71.
201. ↑ María de los Santos García Felguera (1993). De historiske fortroppene II (magasinet )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. femti. 
202. ↑ Aguilera, 1972 , s. 373-374.
203. ↑ Aguilera, 1972 , s. 364.
204. ↑ María de los Santos García Felguera (1993). De historiske fortroppene II (magasinet )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 52. 
205. ↑ Hamilton, 1997 , s. 453-457.
206. ↑ Clark, 1996 , s. 331-333.
207. ↑ Hamilton, 1997 , s. 451.
208. ↑ Azcárate Ristori, Pérez Sánchez og Ramírez Domínguez, 1983 , s. 776-777.
209. ↑ Clark, 1996 , s. 347.
210. ↑ Clark, 1996 , s. 350.
211. ↑ Javier Arnaldo (1993). De historiske fortroppene I (magasinet )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 92-94. 
212. ↑ Azcárate Ristori, Pérez Sánchez og Ramírez Domínguez, 1983 , s. 784.
213. ↑ Chilvers, 2007 , s. 122.
214. ↑ Azcárate Ristori, Pérez Sánchez og Ramírez Domínguez, 1983 , s. 827.
215. ^ Gibson, 2006 , s. 220.
216. ↑ Azcárate Ristori, Pérez Sánchez og Ramírez Domínguez, 1983 , s. 830.
217. ↑ Aguilera, 1972 , s. 370.
218. ^ Fernandez et al ., 1991 , s. 106.
219. ^ Fernandez et al ., 1991 , s. 99-102.
220. ↑ Amparo Santos (4. mai 2009). ««Den elektroseksuelle symaskinen», Óscar Domínguez» . Arkivert fra originalen 11. januar 2012 . Hentet 20. august 2011 . 
221. ↑ Clark, 1996 , s. 353-355.
222. ↑ "Noen få pickets" . Hentet 20. august 2011 . 
223. ^ "To nakenbilder i en skog" . Hentet 20. august 2011 . 
224. ↑ "The Broken Column" . Hentet 20. august 2011 . 
225. ↑ Neret, 2001 , s. 17-48.
226. ↑ Aguilera, 1972 , s. 318-356.
227. ↑ González, 1991 , s. 3-5.
228. ↑ María de los Santos García Felguera (1993). Kunst etter Auschwitz (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 40. 
229. ↑ María de los Santos García Felguera (1993). Kunst etter Auschwitz (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 44. 
230. ↑ María de los Santos García Felguera (1993). Kunst etter Auschwitz (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 24. 
231. ↑ Combalía, 1990 , s. 10.
232. ↑ María de los Santos García Felguera (1993). Kunst etter Auschwitz (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 53-54. 
233. ↑ Alicia M. Gazo (28. juli 2011). "Lucian Freud, nakenbilder og selvportretter" . Hentet 20. august 2011 . 
234. ↑ Chilvers, 2007 , s. 76.
235. ↑ María de los Santos García Felguera (1993). Kunst etter Auschwitz (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 104. 
236. ↑ María de los Santos García Felguera (1993). Kunst etter Auschwitz (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 97. 
237. ↑ Weitemeier, 2001 , s. 51-55.
238. ↑ Valerian Muzzle (1993). Moderns and Postmoderns (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 37-38. 
239. ↑ Chilvers, 2007 , s. 567.
240. ^ "Kroppskunst" . Hentet 20. august 2011 . 
241. ^ "Urs Luthi" . Hentet 20. august 2011 . 
242. ↑ Echo, 2007 , s. 431.
243. ^ "Kroppskunst eller kroppskunst" . Hentet 20. august 2011 . 
244. ↑ Suzie Mackenzie. "Under huden" . Hentet 20. august 2011 . 
245. ^ Gonzalez (1991), s. 7-61.
246. ↑ Cirlot, 1990 , s. 3. 4.
247. ↑ Cirlot, 1990 , s. 37-39.
248. ↑ Valerian Muzzle (1993). Moderns and Postmoderns (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 16-17. 
249. ↑ Cirlot, 1990 , s. 41.
250. ↑ Cirlot, 1990 , s. 43.
251. ↑ Aguilera, 1972 , s. 109.
252. ↑ Det arabiske bidraget til islamsk kunst: Fra det syvende til det femtende århundre , Wijdan Ali, American Univ in Cairo Press, 1999, ISBN 977-424-476-1
253. ↑ Huera, 1996 , s. 12-17.
254. ^ Garcia-Ormaechea, 1998 , s. 123.
255. ↑ Onians, 2008 , s. 44-45.
256. ↑ Honor and Fleming, 2002 , s. 230.
257. ↑ Honor and Fleming, 2002 , s. 239-240.
258. ^ Garcia-Ormaechea, 1998 , s. 112-113.
259. ↑ Carmen Garcia-Ormaechea (1989). Indisk kunst (magasin )|formato=krever |url=( hjelp ) . Madrid: Historie 16. s. 106. 
260. ↑ Vicente Camarasa. «Zen-estetikken. Ideer til å meditere» . Hentet 15. mars 2009 . 
261. ↑ Clark, 1996 , s. 23.
262. ↑ British Museum . "Katsukawa Shun'ei (tilskrevet), Ti scener med elskov, et håndrull-maleri " . Arkivert fra originalen 30. april 2011 . Hentet 23. juli 2010 . 
263. ↑ Argentinsk Nikkei-senter. "Sex i japanske tegneserier, et sosialt fenomen i Japan" . Arkivert fra originalen 22. august 2014 . Hentet 23. juli 2010 . 
264. ↑ Picasso-museet . «Områder av utstillingen Hemmelige bilder» . Hentet 5. august 2010 . 
265. ↑ Hopkins, 2006 , s. 228.
266. ^ "Casimir Zagourski, L'Afrique Qui Disparait (Forsvinner Afrika) " . Hentet 1. april 2017 . 
267. ↑ «C. Spieser & P. ​​Sprumont, La construction de l'image du corps de l'élite égyptienne à l'époque amarnienne (Formuleringen av kroppsbilde for den egyptiske eliten i Amarna-perioden) » . Hentet 1. april 2017 . 
268. ↑ Michael Hoppen Gallery - Kunstner - Hugo Bernatzik

Bibliografi

• AA.VV. (1991). Encyclopedia of Garzanti Art . Editions B, Barcelona. ISBN 84-406-2261-9 . 
• Aguilera, Emiliano M. (1972). Naken i kunsten . Giner, Madrid. 
• Azcárate Ristori, José María de; Perez Sanchez, Alfonso Emilio; Ramirez Dominguez, Juan Antonio (1983). Kunsthistorie . Anaia, Madrid. ISBN 84-207-1408-9 . 
• Beardsley, Monroe C.; Hospers, John (1990). Estetisk. Historie og grunnlag . Stol, Madrid. ISBN 84-376-0085-5 . 
• Snuteparti, Valerian (2000). History of Estetic Ideas and Contemporary Art Theories (Vol. I) . Seer, Madrid. ISBN 84-7774-580-3 . 
• Cabanne, Pierre (1981). Universell ordbok for kunst, bind II (DH) . Argus Vergara, Barcelona. ISBN 84-7017-622-6 . 
• Calvo Serraller, Francisco (2005). Maleriets sjangere . Tyren, Madrid. ISBN 84-306-0517-7 . 
• Chilvers, Ian (2007). Art Dictionary . Publishing Alliance, Madrid. ISBN 978-84-206-6170-4 . 
• Cirlot, Lourdes (1990). De siste bildetrendene . Utg. Vicens-Vives, Barcelona. ISBN 84-316-2726-3 . 
• Clark, Kenneth (1996). Den naken. En studie av den ideelle formen . Alliansen, Madrid. ISBN 84-206-7018-9 . 
• Combalia, Victoria (1990). Tàpies . Sarpe, Madrid. ISBN 84-7700-106-9 . 
• Crepaldi, Gabriele (2002). Ekspresjonister . Valgt, Madrid. ISBN 84-8156-330-7 . 
• fra Plaza Escudero, Lorenzo; Morales Gómez, tilbedelse (2015). Visual Dictionary of Art Terms . Madrid: Stol. ISBN  978-84-376-3441-8 . 
• Dempsey, Amy (2008). Stiler, skoler og bevegelser . Blumé, Barcelona. ISBN 978-84-9801-339-9 . 
• DePoi, Marco Alberto (1997). Hvordan lage skulpturer . DeVecchi, Barcelona. ISBN 84-315-1716-6 . 
• Dube, Wolf-Dieter (1997). Ekspresjonistene . Destinasjon, Barcelona. ISBN 84-233-2909-7 . 
• Duchting, Hajo (2019). Seurat . Taschen, Köln. ISBN 978-3-8365-8046-5 . 
• Eco, Umberto (2004). Skjønnhetshistorie . Lume, Barcelona. ISBN 84-264-1468-0 . 
• Eco, Umberto (2007). Stygdens historie . Lume, Barcelona. ISBN 978-84-264-1634-6 . 
• Fernandez, Amancio; Martin, Ricardo; Oliven, Martial; Vicens, Francesc (1991). Kunsthistorie. Bind 27: Artistic Vanguards II . Salvat, Barcelona. ISBN 84-345-5362-7 . 
• Fugue, Antonella (2004). Teknikker og materialer for kunst . Utvalgte, Barcelona. ISBN 84-8156-377-3 . 
• Garcia-Ormaechea, Carmen (1998). Indias kunst og kultur . Rowan, Barcelona. ISBN 84-7628-238-9 . 
• Gibson, Michael (2006). Symbolikken . Taschen, Köln. ISBN 978-3-8228-5030-5 . 
• Giorgi, Rosa (2007). Det syttende århundre . Utvalgte, Barcelona. ISBN 978-84-8156-420-4 . 
• Givone, Sergio (2001). Estetikkens historie . Tecnos, Madrid. ISBN 84-309-1897-3 . 
• Gomez Gimeno, Maria Jose (2006). Den hellige familie . World Flip Editions. ISBN 84-933983-4-9 . 
• Gonzalez, Antonio Manuel (1991). Nøklene til kunst. Siste trender . Planet, Barcelona. ISBN 84-320-9702-0 . 
• Grimal, Pierre (1989). Ordbok for gresk og romersk mytologi . Paidos, Barcelona. ISBN 84-7509-166-0 . 
• Hamilton, George Heard (1997). Maleri og skulptur i Europa, 1880-1940 . Stol, Madrid. ISBN 84-376-0230-0 . 
• Ære, Hugh; Fleming, John (2002). Verdens kunsthistorie . Utg. Akal, Madrid. ISBN 84-460-2092-0 . 
• Hopkins, Jerry (2006). Asiatiske afrodisiaka: Fra Bangkok til Beijing – søket etter den ultimate funksjonen . Tuttle Publishing. ISBN 0-7946-0396-3 . 
• Neret, Gilles (2001). Tamara de Lempicka . Taschen, Köln. ISBN 3-8228-0878-4 . 
• Newall, Diana (2009). Setter pris på kunst . Red. Blume, Barcelona. ISBN 978-84-9801-362-7 . 
• Onians, John (2008). Atlas of Art . Red. Blume, Barcelona. ISBN 978-84-9801-293-4 . 
• Parramon, Jose Maria (2002). Hvordan tegne en menneskelig figur . Parramon, Barcelona. ISBN 84-342-1100-9 . 
• Reau, Louis (2000). Ikonografi av kristen kunst. Generell introduksjon . Rowan, Barcelona. ISBN 84-7628-325-3 . 
• Revilla, Federico (1999). Ordbok for ikonografi og symbolologi . Stol, Madrid. ISBN 84-376-0929-1 . 
• Rynck, Patrick de (2009). Hvordan lese mytologi og Bibelen i maleri . Utvalgte, Barcelona. ISBN 978-84-8156-453-2 . 
• San Miguel, David (2001). Kunstnerisk anatomi . Parramon, Barcelona. ISBN 84-342-2331-7 . 
• San Miguel, David (2000). Den naken . Parramon, Barcelona. ISBN 84-342-2060-1 . 
• San Miguel, David (2004). Komplett guide for kunstneren . Parramon, Barcelona. ISBN 84-342-2552-2 . 
• Sougez, Marie-Loup (2007). Generell fotografihistorie . Stol, Madrid. ISBN 978-84-376-2344-3 . 
• Tarabra, Daniela (2009). Kunstens stiler . Utvalgte, Milan. ISBN 978-8156-89396-471-6 . 
• Toman, Rolf (2008). Nyklassisisme og romantikk . Ulmann, Köln. ISBN 978-3-8331-5103-3 . 
• Weitemeier, Hannah (2001). Yves Klein . Taschen, Köln. ISBN 3-8228-5842-0 . 
• Wittkower, Rudolf (2002). Kunst og arkitektur i Italia, 1600-1750 . Styreleder, Milan. ISBN 84-376-0177-0 . 
• Zuffi, Stefano; Bussagli, Marco (2001). Kunst og erotikk . Utvalgte, Milan. ISBN 84-8156-324-2 . 

Eksterne lenker

• Wikimedia Commons er vert for en mediekategori om History of the artistic naken .
• Heilbrunn Timeline of Art History, Geographical and Chronological Atlas of the History of Art, på siden til Metropolitan Museum of Art i New York
• Kort historie om maleri
• Ars Summum: gratis galleri med bilder om hele kunsthistorien
• Historie om erotisk kunst: naken i kunst
• De hemmelige maleriene til Prado