Historien til vestlig kunst er redusert, i henhold til den historiografiske tradisjonen, til historien til europeisk kunst [ 1 ] siden middelalderen , så vel som dens opprinnelse i klassisk gresk-romersk kunst og dens umiddelbare presedenser, Egypt og det nære østen ... Den redder en samling verk som for den vestlige verden «har estetisk betydning». [ 2 ]
Som følge av akademiets posisjon har de kunstneriske produksjonene til andre sivilisasjoner som kineserne eller japanerne, og til og med de fra perifere områder av den samme vestlige sivilisasjonen (som det koloniale Amerika selv ) blitt utelatt fra denne store historien. En slik avgjørelse blir ofte anklaget for eurosentrisme av tilhengere av et globalt perspektiv. [ 3 ]
Periodisering er karakteristisk for bibliografien, det vil si inndelingen i påfølgende studieenheter. For å definere periodene brukes ord av svært forskjellig kaliber, for eksempel navn på land, byer, territorier, kulturer, sivilisasjoner, skoler eller rett og slett etiketter vilkårlig påført i etterkant av kunsthistorien selv. [ 4 ] Som Erwin Panofsky erkjenner, er denne tendensen til å dele seg inn i perioder eller «megaperioder», som han kaller dem, nødvendig da den lar dem differensieres og forstås. [ 5 ]
Inndelingen som følger er et eksempel på denne rekkefølgen, tydelig kronologisk og delvis evolusjonær.
Selv om konseptet kunst er moderne, er det perfekt brukbart i antikkens arkitektur, skulptur, maleri og smykker, mange av dets prestasjoner er autentiske kunstverk og ikke enkle utilitaristiske håndverk. Formuleringen av vestlig klassisk estetikk begynner med den greske og romerske kulturen.
I antikken var kunst assosiert med de formelle behovene til religiøse ritualer: de fleste av monumentene og elementene med ubestridelig kunstnerisk verdi som har bestått ( maleri , skulptur , arkitektur ), var ment å symbolisere kongemakt og mytene om den himmelske verden. Dette kunstsynet finnes spesielt blant egypterne og babylonerne .
I egyptisk kunst er det en opphøyelse av evig liv, som i tidlige tider manifesterte ideen om at farao fortsatte å leve etter sin fysiske død. I Egypt, fra de første dynastiene, ble farao unnfanget som ansvarlig for Maat , Order og Universal Justice, og dette vil gjenspeiles i kunsten.
Egyptisk arkitektur, med en sterk symbolsk karakter og stor monumentalitet, brukte for første gang hugget stein, i store blokker, med et flatt konstruksjonssystem og solide søyler. De mest karakteristiske konstruksjonene av egyptisk religiøs arkitektur er "pyramidekompleksene", templene og gravene (mastabas og hypogea). Få rester av sivil arkitektur er bevart, da de ble bygget med adobe . (se: Gammel egyptisk arkitektur )
Skulpturen når under det fjerde dynastiet den absolutte mestring av teknikken i elegante og realistiske representasjoner av skriftlærde og statuer av faraoer av majestetisk bærende. "Frontalitetsloven" seiret. (se: Gammel egyptisk skulptur )
Veggmaleriene, i bas -relieff eller malerier, representerer med symbolske og hierarkiske kriterier mytologiske bilder, av kongelige og senere scener av dagliglivet (i adelsgraver). " Profilkanonen " dominerte . (se: Gammelt egyptisk maleri )
Grekerne er ansvarlige for et kunstbegrep som gjennomsyrer praktisk talt all vesteuropeisk kunstnerisk produksjon i mer enn 2000 år. Det greske ordet for kunst, tekné , som også betyr teknikk eller håndverk , vil være assosiert med ideen om mimesis , som mener at i den virkelige verden må den kunstneriske manifestasjonen representere søket etter idealet. Idealet, for grekerne, ble representert av naturens perfeksjon , på denne måten må kunst være perfekt. Derfor, i henhold til det klassiske synspunktet, er kunst en imitasjon av naturen, men den er ikke redusert til et enkelt portrett av den, men søker snarere en ideell og universell natur. Jakten på dette universelle naturidealet er, for klassisk kunst, søket etter universell skjønnhet , siden naturen er vakker, den er perfekt. Det er ingen skille, ifølge dette synet, mellom kunst , vitenskap , matematikk og filosofi : all menneskelig kunnskap er bestemt for jakten på perfeksjon.
Grekerne er også ansvarlige for en rekke fremskritt fra det tekniske synspunktet til kunstnerisk produksjon. Den greske kunsten par excellence var skulptur : grekerne vil utvikle den på en imponerende måte, og den vil bli ansett som en modell som skal følges av andre kulturer i samme periode. Jakten på perfekte naturlige proporsjoner [ 6 ] førte også til at gresk skulptur etablerte visse skjønnhetskanoner som, selv om de var absolutt naturalistiske, var langt fra hverdagens virkelighet. Proporsjonene av ideelle menneskekropper fulgte stive normer, slik at skulpturell produksjon var et søk etter og en konsekvens av disse kanonene: for eksempel skulle høyden på den mannlige kroppen tilsvare omtrent syv og en halv ganger høyden på hodet. Denne proporsjonaliteten nådde våre dager hovedsakelig takket være bevaringen av de vitruvianske tekstene i middelalderen, selv om det er sannsynlig at forskjellige traktater reflekterte forskjellige regler.
Innenfor arkitektur er de mest karakteristiske bygningene for gresk kunst templene, som vanligvis er klassifisert i henhold til typologien til plantene deres og rekkefølgen eller stilen til søylene. Romerne vil reprodusere mange av de greske arkitektoniske planene, men også introdusere nye elementer som buen, samt nye byggeteknikker og materialer. I Roma vil sivilarkitekturen derimot få større betydning.
Kunst i middelalderen var nesten utelukkende knyttet til religion, nærmere bestemt kristendommen . I denne perioden, da det store flertallet av bøndene var analfabeter, var billedkunst det viktigste middelet for å formidle religiøse ideer sammen med prekener. Den katolske kirke var en av de få institusjonene som var rike nok til å betale for kunstnernes arbeid, og derfor var de fleste verkene i denne perioden av religiøs karakter (betinget utseendet til det som er kjent som hellig kunst ).
Siden Romerrikets fall gikk mange av de kunstneriske teknikkene i antikkens Hellas tapt, noe som førte til at middelaldermaleri stort sett var todimensjonalt. Siden det ikke var noen forestilling om perspektiv i kunst, ble personene som ble portrettert malt større eller mindre i henhold til deres betydning. Sammen med maleriet var billedvev den viktigste formen for middelalderkunst, tatt i betraktning at billedvev var nødvendig for å holde på den indre varmen i slottene (bygget i stein) om vinteren. Det mest kjente middelalderteppet er syklusen til The Lady and the Unicorn .
De to viktigste arkitektoniske stilene (hovedsakelig knyttet til byggingen av katedraler ) var romansk og gotisk .
Det romanske var preget av tykke vegger og solide strukturer, knapt lettet av åpninger. Gotikken, preget av konstruksjoner med større høyde og med et stort antall åpninger, førte til fremkomsten av nye byggeteknikker, som kunne slippe tykke vegger takket være bruken av ribbehvelv der ribbestrukturen ble uavhengig av klutene . I byggingen av katedralene var målet å skape en "mystisk" sensasjon inne i dem, det vil si at det ble søkt interiør som skulle gjenskape en "himmelsk" atmosfære, en effekt som er mer merkbar i gotikken.
Et faktum å ta i betraktning er utseendet til laug i denne perioden, og samler håndverkere som hadde monopol på praktisk kunnskap om en viss produksjonsgren.
Det skal bemerkes at folket under middelalderen ikke hadde for vane å lese, og det var svært få som hadde tilgang til å skrive og kunne lese. Derfor var kunst en måte å spre kristendomslæren i samfunnet på .
Det er vanskelig å identifisere enkeltkunstnere i denne perioden, bortsett fra enkelte byggmestere i arkitektoniske konstruksjoner, og de fleste verkene er av anonyme forfattere.
Periode : VI århundre - XV århundre
Hovedartikkel: Renessanse
I løpet av den europeiske middelalderen hadde malerier og skulpturer en tendens til å være sentrert om religiøse emner , spesielt kristendommen. Men etter hvert som renessansen dukket opp, flyttet fokuset for kunstnernes oppmerksomhet til den klassiske fortiden , og søkte påvirkning fra antikkens Hellas og Roma , noe som førte til dyptgripende endringer både i tekniske aspekter og når det gjelder motiver og temaer, maleri og skulptur. Malerne begynte deretter å øke realismen i verkene sine ved å bruke de nye perspektivteknikkene (nylig gjenoppdaget og ganske utviklet), som representerte tre dimensjoner på en mer realistisk måte. Manipulasjonen av lys og skygge, tilstede i Ticcianos arbeider med kontrasterende toner, ble utmerket oppnådd gjennom chiaroscuro- og sfummato-teknikkene utviklet av Leonardo da Vinci . Skulptører vil også gjenoppdage mange eldgamle teknikker som contrapposto .
Mange elementer av gresk og romersk arkitektur vil også bli tatt i bruk, men den store nyvinningen av renessansearkitektur vil være forbedringen av konstruksjonen av kupler, som fremhever kuppelen til Santa Maria del Fiore , i Firenze.
Etter periodens humanistiske ånd , vendte kunsten seg til mer sekulære temaer, søkte motiver i klassisk mytologi, og la dem til kristne temaer. Denne kunstsjangeren omtales ofte som renessanseklassisisme . De tre mest innflytelsesrike renessansekunstnerne er Leonardo da Vinci , Michelangelo Buonarroti og Raphael Sanzio , som tilhører den italienske renessansen .
En annen like viktig, men mindre kjent figur fra renessansen (i dette tilfellet av flamsk maleri) er Jan van Eyck , en nederlandsk maler .
Perioder :
Hovedartikler: Manierisme , barokk , rokokko
I europeisk kunst ga renessanseklassisismen suksessivt opphav til to forskjellige bevegelser: manerisme og barokk . Den første, en reaksjon mot klassisismens idealistiske perfeksjon, brukte forvrengningen av lys og rom i verket for å understreke dets emosjonelle innhold og kunstnerens følelser. Barokkkunst tok renessansens representasjonsteknikker til nye høyder, og la vekt på detaljer og bevegelse i sin søken etter skjønnhet. De kanskje mest kjente barokkmalerne er Rembrandt , Rubens og Velázquez .
Manierisme er en overgangstid og kunstens dyp krise. Unge artister, oppvokst i ærbødighet for håndverket til sine store forgjengere (Michelangelo, Leonardo og Raphael), tror stort sett at deres prestasjoner er uten sidestykke. Ulike alternativer forsøkes for å fortsette i kjølvannet: etterligne stilen -la maniera , som gir navn til manerismen-, ved å komplisere enda flere forkortninger og kontraster, eller lete etter merkelige farger og harmonier, eller representere rare allegorier som selv i det var på tide at de var uklare for de uinnvidde.
Barokken har i ettertid blitt foraktet for å være en utsmykket kunst, hvor det legges spesiell vekt på uttrykksevne, ofte overdrevet.
Men det er også tiden for den største prakten av visuell kunst, musikk, litteratur og arkitektur i mange europeiske land. Malere som Rembrandt, Rubens eller Velázquez brukes ofte som et paradigme og er mye omtalt som toppen av teknisk perfeksjon innen maleri.
Barokkkunst blir ofte sett på som en del av en strategi for motreformasjonen eller den katolske reformen: det kunstneriske elementet i fremveksten av den katolske kirkes åndelige liv . For noen kunsthistorikere blir vekten som barokkkunst gir storhet sett på som en refleksjon av absolutisme . Ludvig XIV av Frankrike sa: "Jeg er inkarnasjonen av storhet" [ referanse nødvendig ] , og mange barokkkunstnere vil tjene kongene som søker det samme målet. Imidlertid blir barokkens kjærlighet til detaljer ofte sett på som et resultat av overdreven og noe vulgær ornamentalisme, spesielt når barokken utvikler seg til den dekorative stilen til rokokko . Etter Ludvig XIVs død blomstret rokokkoen i en kort periode, for så å avta raskt. Som en effekt av motviljen mot den overdrevne utsmykningen av rokokkoen, vil nyklassisismens fødsel finne sted .
Perioder :
Hovedartikler: Nyklassisisme , Romantikk , Akademiisme , Realisme
Ettersom tiden gikk, tok mange kunstnere unntak fra ornamentalismen til tidligere stiler, og forsøkte å vende tilbake til den tidligere, enklere kunsten fra renessansen, og dannet stilen som ble kjent som nyklassisisme . Det nyklassiske var den kunstneriske komponenten i den intellektuelle bevegelsen kjent som opplysningstiden , som var like idealistisk . Ingres , Canova og Jacques-Louis David er blant de mest kjente nyklassisistene.
I arkitekturen vil teoretikerne igjen ta i bruk formene for romersk kunst og renessansekunst, men forsvare rasjonaliteten og funksjonaliteten til konstruksjonene og forkaste dynamikken og de dekorative elementene som hadde preget det forrige stadiet. Et annet karakteristisk element i nyklassisistisk arkitektur er dens monumentalitet, brukt for å sammenligne datidens riker og imperier med det romerske imperiets storhet .
Det kan ikke ignoreres, i opprinnelsen til nyklassisismen, viktigheten av en mentalitetsendring - ikke ved en tilfeldighet det oppstår i opplysningstiden , et århundre også etter leksikonet , den franske revolusjonen og den første industrielle revolusjonen , så vel som fødselen av arkeologien , og de viktige funnene i Pompeii og Herculaneum , og den økende betydningen av reisebøker, som brakte et nytt syn på klassisk kultur og noe gjorde den moteriktig .
På samme måte som manerismen avviste klassisismen, avviste romantikken opplysningstanker og nyklassisk estetikk. Romantisk kunst brukte farger og gester for å skildre følelser, men i likhet med klassisismen brukte den klassisk mytologi og tradisjon som en viktig kilde til symbolikk. Et annet viktig aspekt ved romantikken var dens vektlegging av naturen, på å skildre kraften og skjønnheten i den naturlige verden, alltid idealisert i henhold til et selv . Romantikken var også en stor litterær bevegelse, spesielt innen poesi . Blant de største romantiske artistene er Eugène Delacroix , Francisco Goya og William Blake .
Mange kunstnere fra denne perioden vil ha en tendens til å presentere en sentraliserende posisjon som førte til at de samtidig adopterte ulike karakteristikker av de romantiske og nyklassisistiske stilene, som en måte å syntetisere dem på. De ulike forsøkene vil ta form i det franske akademiet, og samles i kunstakademiet . William Adolphe Bouguereau anses å være i forkant av denne nye kunstneriske trenden.
På begynnelsen av 1800-tallet ble Europas utseende og samfunn radikalt endret av industrialiseringen . Fattigdom, elendighet og fortvilelse så ut til å være skjebnen til det nye proletariatet skapt av den industrielle revolusjonen . Som svar på disse endringene i samfunnet oppsto den realistiske bevegelsen . Realismen prøver å nøyaktig skildre levekårene og vanskelighetene som folkeklassene går gjennom i håp om å endre samfunnet. For denne bevegelsen må kunstneren representere sin tid, uten å måtte posisjonere seg for et definert parti: han må skildre de punktene han anser som passende, fordømme samfunnet. I motsetning til romantikerne, som i hovedsak var optimistiske med tanke på menneskets skjebne, skildret realismen livet dypt inne i et urbant land uten orden. I likhet med romantikken utviklet også realismen seg som en litterær bevegelse. Blant de store realistiske malerne er Gustave Courbet og Edouard Manet (som ville bane vei for impresjonismen).
Det er interessant å merke seg at nyklassisismen ble overlatt til begynnelsen da den, med oppkomsten av nye stiler, fortsatte å eksistere punktlig, og enkelte steder varte nyklassisistisk arkitektur til begynnelsen av 1900-tallet .
Periode :
Hovedartikler: impresjonisme , postimpresjonisme
Etter å ha kommet ut av realismens naturalistiske etikk, men samtidig tatt av fra den, vokste det frem en stor kunstbevegelse: impresjonismen . Fotografi oppstår og dette tar plassen til portrettmaleri, og kunstnere vil vende seg til søket etter det grunnleggende elementet i maleriet og fotografiets høydepunkt. Det vil bli funnet i lys og bevegelse. Impresjonistene var banebrytende for bruken av lys i maleriet som en måte å fange livet sett gjennom menneskelige øyne. Edgar Degas , Edouart Manet , Claude Monet , Camille Pissarro og Pierre-Auguste Renoir var assosiert med impresjonistbevegelsen.
På jakt etter nye uttrykksformer og dialog med virkeligheten, vil det dukke opp kunstnere som, selv om de har en impresjonistisk opprinnelse, vil skille seg fra bevegelsen, i påvente av det moderne . Generisk kalt postimpresjonister , medlemmene av denne gruppen (som ikke hadde noen formell forbindelse, ofte fremmede for hverandre) inkluderte Vincent van Gogh , Paul Gauguin og Paul Cézanne .
Å definere moderne kunst er en komplisert sak siden ulike synspunkter har blitt tatt i forhold til periodene den dekker. Det er imidlertid konsensus i å vurdere at det begynner med impresjonisme og de europeiske kunstneriske avantgardene på begynnelsen av 1900-tallet , siden det deretter er sterke transformasjoner i representasjonen av bildet. Det var viktige brudd med hensyn til regelverket for akademisk kunst. [ 7 ] Dette skjedde suksessivt fra impresjonistene, og gikk gjennom bidragene til blant andre Vincent Van Gogh , Paul Gauguin og Paul Cézanne , som fungerer som en referanse og refleksjon for kunstnerne fra umiddelbart etterfølgende generasjoner. Ideen om modernitet er generelt knyttet til en ny måte å anta det estetiske problemet på, og etterlater tradisjonens regler. De har til felles en større bevissthet om sin tid og om de viktige endringene som fant sted, som for eksempel større dynamikk og mobilitet i hverdagen på grunn av nye teknologier for kommunikasjon samt innovasjoner innen transport, blant annet. Alt dette hadde betydning for en mye mer dynamisk og noe flyktig virkelighetsoppfatning. Flere kunstnere, poeter og intellektuelle forsøkte å opprettholde en korrespondanse med "den moderne tidsånden" som forsøkte å være "i harmoni med sin tid". Arbeidene hans måtte på en eller annen måte uttrykke endringene som fant sted på den tiden. Det første trinnet var å knekke det imiterende bildet av den omgivende eller kontekstuelle virkeligheten. Utviklingen av fotografiet og kinoens utseende påvirket utvilsomt kunsten til å slutte å være etterligning. Som et resultat avløste de ulike avantgardene som dukket opp fra det første tiåret av 1900-tallet hverandre på relativt korte tider med markante forskjeller fra hverandre i henhold til stilene og målene man søkte. De ønsket alle å innovere.
De historiske avantgardene, som de også er kjent, begynner med ulike ekspresjonistiske bevegelser. I Frankrike med fauvisme (eller fauvisme, som det også er skrevet). Det var som et resultat av arbeidene som ble presentert på Høstsalongen i 1905 at han ble kjent med dette navnet. Maleriene ble kjent for å uttrykke "villmann" gjennom farger. Navnet stammer fra det franske ordet fauve som refererer til 'dyr', og det var kritikeren Vauxcelles som laget det da han så en skulptur i renessansestil ved siden av malerier av Matisse , Roualt og Derain . [ 8 ] Gruppen Die Brücke (Broen) var derimot den første i Tyskland. Det ble dannet i Dresden, som Fovistas, i 1905, selv om medlemmene kjente hverandre på forhånd. Kunstnerne Ernst Ludwig Kirchner , Bleyl, Heckel, Schmidt-Rottluff, Nolde og andre var en del av denne gruppen. I 1911 grunnla Vasili Kandinsky og Franz Marc gruppen Der Blaue Reiter (Den blå rytteren) i München. Deretter dukket det opp andre innovative bevegelser som ekspresjonisme , kubisme (analytisk og syntetisk), orfisme , futurisme , dadaisme , surrealisme og selvfølgelig abstrakt kunst .
Disse nye bevegelsene vil forstyrre de tradisjonelle forestillingene om kunst og endringene som produseres samsvarer med transformasjonene som igjen skjedde i samfunnet, i teknologien og, selvfølgelig, i tankene.
Periode : første halvdel av det 20. århundre
Artikkel: Samtidskunst .
Selve naturen til samtidskunst er kompleks og er svært forskjellig fra de kunstneriske manifestasjonene som gikk forut for den. Fra antikken til moderne kunst er kunstverk materielle produkter som er basert på forholdet mellom deres uttrykkselementer, på stiler og, selvfølgelig, på deres åndelige verdier som varierer i henhold til tid og motivasjon til kunstnerne. . I samtidskunsten er det ikke lenger det samme.
Det 20. århundre var århundret med store kunstneriske endringer produsert i en veldig rask tid. Begynnelsen av moderne kunst – som dateres tilbake til impresjonistene på slutten av 1800-tallet og deretter fortsatte med avantgardene – hadde forårsaket et stort brudd i måten å representere bildet på. Nå, både i figurativ kunst og i abstrakt kunst, unnfanget kunstneren alltid et materialprodukt (kunstverket) laget med visse teknikker og materialer. Men fra og med sekstitallet endret kunstens «materielle» kriterium seg, og selv om bruk av konvensjonelle materialer ikke er utelukket i mange tilfeller, har samtidskunstneren tatt i bruk andre materialer og nye, utradisjonelle uttrykksmidler. Panoramaet som oppstår er så variert at det kan gå fra det materielle til det immaterielle (når det i hovedsak er basert på konseptet), med dette kan det gi avkall på det fysiske, materielle arbeidet og arbeid på idénivå. På den annen side kan han gripe inn verk i ulike skalaer: gripe inn i et naturlandskap eller et byrom, samt arbeide med installasjoner av ulike slag i lukkede rom, eller uttrykke seg gjennom kroppsbevegelser i forestillinger eller bruke de nye massemediene som internett og lage et virtuelt verk. Alt avhenger av de spesifikke søkene til artistene og omstendighetene de opererer under. Samtidskunst er så bred og heterogen at det allerede er et problem å prøve å definere den. Dette er på grunn av dens komplekse natur, så det er flere tilnærminger som varierer i henhold til tilnærmingene til forskjellige forfattere.
I dag er ikke lenger New York og Paris de eneste kulturelle aksene som polariserer fremskrittene innen samtidskunst. Ikke bare har romlige horisonter blitt utvidet, men også kulturelle sammenløp er verdsatt, både i kunst fra Vesten og fra Østen , Afrika , Asia , Amerika og andre regioner.
Samtidskunstbevegelser inkluderer:
Periode : andre halvdel av det 20. århundre
EN