Modern Age kunst er perioden eller tidsmessige underinndelingen av kunsthistorien som tilsvarer moderne tidsalder . Det må ikke forveksles med begrepet moderne kunst , som ikke er kronologisk, men estetisk, og som tilsvarer visse manifestasjoner av samtidskunst .
Den kronologiske perioden av moderne tidsalder tilsvarer XV til XVIII århundrer (med forskjellige innledende og endelige milepæler, som trykkpressen eller oppdagelsen av Amerika , og de franske eller industrielle revolusjoner ), og betydde historisk i Europa konformasjonen og påfølgende krise i det gamle regimet (konsept som inkluderer overgangen fra føydalisme til kapitalisme , et førindustrielt og eiendomssamfunn , og et autoritært eller absolutt monarki utfordret av de første borgerlige revolusjonene ). Siden oppdagelsenes tidsalder har historiske endringer akselerert, med fremveksten av den moderne staten , verdensøkonomien og den vitenskapelige revolusjonen ; innenfor rammen av begynnelsen på en avgjørende europeisk ekspansjon gjennom økonomi, samfunn, politikk, teknologi, krig, religion og kultur. I løpet av denne perioden spredte europeerne seg hovedsakelig gjennom Amerika og de oceaniske rom. Over tid, allerede på slutten av perioden, endte disse prosessene opp med å gjøre den vestlige sivilisasjonen dominerende over resten av verdens sivilisasjoner , og bestemte dermed innføringen av modellene for vestlig kunst , nærmere bestemt vesteuropeisk kunst , som siden den italienske renessansen var identifisert med et estetisk ideal dannet fra omarbeiding av elementer gjenvunnet fra gresk-romersk klassisk kunst , selv om de var utsatt for en pendulær rekke av stiler ( renessanse , mannerisme , barokk , rokokko , nyklassisisme , førromantikk ), som vel de valgte større kunstneriske frihet eller for større underkastelse til kunstens regler institusjonalisert i den såkalte akademiske kunsten . Den sosiale funksjonen til kunstneren begynte å overgå den bare håndverkeren til å bli en individualistisk personlighet , som utmerket seg ved hoffet , eller en vellykket skikkelse på det frie kunstmarkedet. Som på andre kulturområder betydde modernitet anvendt på kunst en progressiv sekularisering eller frigjøring av religionen som nådde sitt klimaks med opplysningstiden ; Selv om religiøs kunst fortsatte å være en av de mest bestilte, om ikke den mest, hadde den ikke lenger den overveldende tilstedeværelsen den hadde hatt i middelalderkunsten .
Gjennom den moderne tidsalder forble imidlertid de viktigste sivilisasjonene i verden lite påvirket, eller til og med nesten helt uvitende om endringene som europeiske samfunn og kunst opplevde, og opprettholder i hovedsak sine egne kulturelle og kunstneriske trekk ( kunst i India , kinesisk kunst , japansk kunst , afrikansk kunst ).
Den islamske sivilisasjonen , definert av dens mellomliggende geostrategiske posisjon, og den viktigste historiske konkurrenten til den vestlige kristne sivilisasjonen , som Middelhavet og Balkan -rommet diskuterte sekulært til , utviklet forskjellige lokale modaliteter for islamsk kunst der påvirkninger fra både vestlig og islamsk kunst kan være sett den av de østlige sivilisasjonene.
Når det gjelder amerikansk kunst , betydde europeisk kolonisering , spesielt for områder som Mexico og Peru , dannelsen av en kolonikunst med noen synkretiske egenskaper.
I Øst-Europa fortsatte den bysantinske kunsten å overleve med russisk kunst eller med noen manifestasjoner av osmansk kunst .
I tillegg til den plastiske kunsten , hadde annen kunst som musikk , scenekunst og litteratur parallelle utviklinger, formelle analogier og en større eller mindre estetisk og fremfor alt intellektuell, ideologisk og sosial tilfeldighet; som har gjort det mulig for historieskriving å merke sin periodisering med lignende valører ( renessansemusikk , barokkmusikk , klassisk musikk ; renessanselitteratur , barokklitteratur , illustrert eller nyklassisk litteratur , etc.) Det samme kan sies om de såkalte mindre kunstene , dekorative eller industrielle, som var en tro gjenspeiling av den kunstneriske smaken fra visse perioder (som de såkalte Henry II , Louis XIII , Louis XIV , Regency , Louis XV , Louis XVI , Directory og Empire -stiler , konvensjonelt oppkalt etter historien til franske møbler [ 1 ] ). [ 2 ]
Det femtende århundre innebar en kontinuitet i gotisk kunst i de fleste europeiske land. Den såkalte internasjonale gotikken representerte påtvingelsen, i den såkalte middelalderens høst , [ 3 ] av en raffinert og høvisk smak, av fransk , provençalsk og burgundisk opprinnelse , som spredte seg blant alle plastiske kunster , spesielt maleri på støtter møbler ( stadig mer komplekse polyptyker [ 4 ] og manuskriptbelysning ) og gullsmedarbeid ( The Golden Steed , 1404). Flamboyant gotikk ble brukt på sivil arkitektur (rådhus og urbane palasser) i tillegg til religiøs arkitektur , som vises av de urbane ensemblene til rike borgerlige byer som Brugge og Gent i Flandern og andre sentre på de kommersielle rutene som strekker seg over hele kontinentet med stor vitalitet etter krisen på det fjortende århundre : messer i Champagne og Medina , raviner i Mesta som krysset Castilla fra sør til nord ( Toledo , Segovia , Burgos ), byer ved Rhinen ( Köln , Mainz , Colmar , Fribourg , Strasbourg ) , Basel ), Sør-Tyskland ( Augsburg , Nürnberg ), Burgund ( Dijon , Hôtel-Dieu de Beaune , 1443) eller de nordlige Hansa -havnene ( Tallinn , Danzig , Lübeck , Hamburg eller selve London ).
Opprettholdelsen av den gotiske tradisjonen, lokale særtrekk eller større eller mindre innflytelse fra flamsk-burgundiske eller italienske kjerner preget mangfoldet av europeisk kunstnerisk produksjon gjennom hele perioden. En god del av den arkitektoniske produksjonen på slutten av 1400- og begynnelsen av 1500 -tallet ble utført med nasjonale stiler som representerer en naturlig evolusjon av gotikken, slik som platersk eller elisabethansk (omdiskutert avgrensning) og Cisneros-stilen i Castilla ; [ 5 ] og Tudor- eller Perpendicular Gothic-stilen i England , som utviklet seg til elisabethansk arkitektur på slutten av 1500- og begynnelsen av 1600-tallet, allerede sterkt påvirket av de nye italienske renessansemodellene. Den gotiske spissbuen og de blomstrende ribbeina ble erstattet av den halvsirkelformede buen , kuppelen og arkitraveelementene som minner om Roma ( frontonner , friser , gesimser , klassiske ordener ). Utsmykning ble til og med pålagt basert på groteskene som nylig ble oppdaget i Neros Domus Aurea .
Innen maleri og skulptur vant den nordiske smaken over den italienske frem til begynnelsen av 1500 -tallet i det meste av Vest-Europa, noe som forklarer suksessen til kunstnere som Colonia , Egas , Gil de Siloé , Felipe Bigarny , Rodrigo Alemán eller Michel Sittow (fra så langt borte som Hanseatiske Baltikum ); Selv om innflytelsen fra Italia også ble følt, som vist av den europeiske reisen til italienske skulptører som Domenico Fancelli og Pietro Torrigiano (mindre betydelig var utvandringen av italienske malere, siden det er lett å importere maling, men det er lettere å importere skulptør enn skulpturene) og læreplasser i Italia av franske og spanske malere som Jean Fouquet , Pedro Berruguete eller Yáñez de la Almedina . Men ikke engang i de første tiårene av 1500 -tallet kan det sies at det var en identifikasjon av renessanse-italienismen som kunne kjøpes eller etterlignes med den florentinsk-romerske kanon eller "vasarisk paradigme" (som var det som endte opp med å fikse det klassisistiske smak foreviget i århundrene senere). [ 6 ] Det meste av den lokale produksjonen, innen alle kunster, hadde en gradvis overgang mellom gotiske og renessanseformer. I kastiliansk skulptur ble denne overgangen utført av gruppen som ble dannet rundt Egas , med Juan Guas og Sebastián de Almonacid ), [ 7 ] mens Damián Forment spilte en lignende rolle i Aragoniens krone og i Frankrike Michel Colombe .
Selv i Italia selv på slutten av 1400-tallet var det muligens større interesse for flamsk maleri enn det kunne ha vært for italiensk maleri i Flandern, noe som vises av virkningen av Portinari Triptych (1476), som ikke hadde noen motsvarighet på italiensk verk eksportert til USA. Nederland. [ 8 ] Når det gjelder den private smaken av en monark fra andre halvdel av 1500-tallet, beskrevet som en prins av renessansen , [ 9 ] som Felipe II av Spania , de oneiriske og moralistiske fantasiene til El Bosco eller verkene til slike arkaiske malere som Marinus og Pieter Coecke overgikk de italienske mesterne eller andre mer nyskapende, som El Greco . Imidlertid hadde generasjonen av monarker i første halvdel av århundret blitt forført av de italienske geniene til Leonardo da Vinci ( Frans I av Frankrike ) eller Titian ( Carlos I av Spania -keiser Carlos V-).
The Very Rich Hours of the Duke of Berry , av Limbourg-brødrene (1411–1416)
Diptych of Melun av Jean Fouquet (1450)
Rødehavspassasjen , av Jaume Huguet (1456-1460)
Graven til Doncel de Sigüenza , tilskrevet Sebastián de Almonacid (ca. 1492)
Viftehvelv av King 's College Chapel , Cambridge (1441–1554)
Royal Chapel of Granada , med skulpturer av Bartolomé Ordóñez og Domenico Fancelli (1505-1517)
Klosteret til Jerónimos-klosteret i Belém , Juan de Castillo (1516)
Fasade til universitetet i Salamanca (1529-1533) [ 10 ]
Når det gjelder Flandern og Italia, den ubestridte glansen og originaliteten til hver enkelt kunstner og lokale skoler; så vel som flyten av gjensidige kontakter, både verk ( Portinari Triptych ) og mestere ( Justus av Gent , Petrus Christus , Roger van der Weyden , Mabuse -de reiser fra Flandern til Italia - Jacopo de'Barbari , Antonello da Messina -de reiser fra Italia til Flandern— Antonellos reise, sitert av Vasari, stilles spørsmål ved moderne historieskriving, som bare gjenkjenner hans sammentreff med Petrus Christus i Milano [ 11 ] ); de tvinger oss til å snakke om en delt rolle som verken prioriterer eller forvirrer egenskapene til hvert fokus, som er markant forskjellige. [ 12 ]
Den flamsk-burgundiske regionen og dens naturlige forbindelse med Italia, det tyske området ved Rhinen og den øvre Donau , var av enestående dynamikk i alle grener av kultur og kunst, spesielt innen maleri, med den avgjørende nyvinningen av oljemaleri. maleri ( brødrene van Eyck ) [ 13 ] og utviklingen av gravering som nådde ekstraordinære høyder med Albrecht Dürer eller Lucas van Leyden , samt oppfinnelsen av trykkpressen ( Gutenberg , 1453). Det flamske og tyske maleriet var preget av intens realisme og skarphet, og smaken for detaljer ble presset til sine grenser. Malerskolen fra 1400-tallet kalt Flemish Primitives består av en omfattende liste over mestere: Roger van der Weyden , Thierry Bouts , Petrus Christus , Hans Memling , Hugo van der Goes , og noen anonyme hvis attribusjon er etablert eller fortsatt er gjenstand for av debatt ( Master of Flemalle ― Roberto Campin ―, Master of Moulins ― Jean Hey ―, Master of the Legend of Saint Lucia , [ 14 ] Master of Brodered Foliage , [ 15 ] Master of Alkmaar , Master of Frankfurt , Master of the Legend av Saint Barbara , Master of the Jomfruen inter Virgines , Master of the View of Saint Gudula , Master of Mary of Burgundy , Master of the Brunswick Monogram [ 16 ] ); og at det på slutten av 1400-tallet og begynnelsen av 1500-tallet fortsatte med figurer av størrelsen El Bosco , Gerard David , Jan Joest van Calcar , Joaquín Patinir , Quentin Metsys eller Pieter Brueghel den eldre . Kraften til tysk maleri på den tiden var ikke begrenset til Dürer , som ble sett i produksjonen av kunstnere som Grünewald , Altdorfer eller Lucas Cranach den eldre . Det var også fruktbare reiser fra tyske mestere til Italia ( Dürer , Michael Pacher ), [ 17 ] mens bevegelsen av tyske mestere, spesielt rhenske mestere, til Flandern var mye mer omfattende.
Portrett av en gentleman , av Robert Campin (1425)
Arnolfini ekteskap , av Jan van Eyck (1434)
Descent , av Roger van der Weyden (1436)
Portinari Triptych , av Hugo van der Goes (1476–1478)
Knight, Death and the Devil , gravering av Albrecht Dürer (1513)
Isenheim-alteret , av Grünewald (1512–1516)
The Passage of the Styx Lagoon , av Joachim Patinir (1520)
Dødens triumf , av Pieter Brueghel den eldste (1562)
Gjennom middelalderen hadde Italia utviklet kunstneriske produksjoner som var vesentlig forskjellig fra resten av Vest-Europa, som, selv om de ble klassifisert som romansk eller gotisk , presenterte sine egne markerte kjennetegn, som vanligvis tilskrives overlevelsen av den klassiske gresk-romerske arven. og til kontakter med den romanske, bysantinske kunsten (spesielt i Venezia ― venetiansk gotisk arkitektur ―, [ 18 ] men også i såkalt romersk naturalisme ― Pietro Cavallini ― [ 19 ] ). I tillegg til de litterære forløperne til renessansen ( Dante , Petrarca og Bocaccio ), skulptører som Pisanos , malere fra den Sienesiske skole ( Duccio di Buoninsegna , Simone Martini ) og den florentinske skolen ( Giotto , Cimabue ), og komplette kunstnere som f.eks. som Arnolfo di Cambio er de de umiddelbare presedensene for den kreative eksplosjonen av Quattrocento (1400 på italiensk), som begynte med freskene til Fra Angelico og Masaccio , relieffene til Jacopo della Quercia og de runde formene til Donatello . På begynnelsen av århundret holdt Firenze kommune to konkurranser for spesifikke verk for ferdigstillelsen av katedralen som ble milepæler i kunsthistorien: Brunelleschis strålende løsning på kuppelen til Santa Maria del Fiore (1419), og bronsedørene til dåpskapellet , som Ghiberti laget (1401). [ 20 ]
Utvisning fra paradis , av Masaccio (1426-1427)
Slaget ved San Romano , av Paolo Ucello (1430)
Noli me tangere i klosteret til det dominikanske klosteret San Marco i Firenze , av Fra Angelico (1434)
Sacra conversazione med Federico de Montefeltro ber , av Piero della Francesca (1472)
Død Kristus, støttet av en engel , av Antonello da Messina (1476-1479)
Klagesang over den døde Kristus , av Mantegna (ca. 1480-1490)
The Birth of Venus , av Sandro Botticelli (1482-1484)
På midten av århundret møttes et heldig sett av omstendigheter i samme by, spesielt utviklingen av humanistisk filosofi (som utviklet nye begreper om mennesket og naturen i antroposentriske termer , hvis mimesis -etterligning - ville være kunstens funksjon ) og tilstedeværelsen av en gresk legasjon ved konsilet i Firenze (1439-1445, som søkte enhet av kristne i de siste øyeblikkene av motstanden til Konstantinopel mot tyrkerne), som satte klassisk antikken , dens tekster og refleksjon over kunstteori , i sentrum for intellektuell oppmerksomhet. Samtidig opplevde kunstnere et avgjørende sosialt fremskritt: de ble humanister eller renessansemenn , det vil si komplette profesjonelle ikke bare i ett kunstnerisk yrke, men i dem alle på samme tid, så vel som kultiverte og litterære, som det tillot dem å også være diktere og filosofer, verdig til å gni albuer med lekmenn og kirkelige aristokrater, fyrster, konger og paver, som bestred dem og ikke skammet seg over å beundre dem og behandle dem med omtanke.
Medici- domstolen brukte patronage som en mekanisme for prestisje i en skala som gjorde at det kunne bli et kunstnerisk senter som kan sammenlignes med Roma i Augustus eller Athen i Perikles : malere som Paolo Uccello , Andrea del Castagno , Pollaiuolo , Sandro Botticelli , Pinturicchio , Luca Signorelli , Ghirlandaios , Cosimo Rosselli eller Benozzo Gozzoli , skulptører som Luca della Robbia eller Andrea Verrocchio og arkitekter som Michelozzo , Bernardo Rossellino og Leon Battista Alberti . Det klassiske vokabularet og oppdagelsen av lovene i lineært perspektiv bygde det selvbevisste teoretiske grunnlaget for en kunst med en sterk personlighet, den florentinske skolen til quattrocento , som etter nedgangen til Sienesen (dens rival i duecento og trecento ) hadde blitt den dominerende i Italia, preget av overvekt av disegno ( tegning , design ). Bevis på hans prestisje var utvalget av mestere til billedprogrammet for sideveggene til Det sixtinske kapell (1481-1482). Det var vanlig at mange av de florentinske malerne kom fra andre lokale italienske skoler, for eksempel Piero della Francesca , som kom fra Ferrara-skolen ( Francesco del Cossa , Cosme Tura ), Mantegna , som kom fra Padua-skolen ( Francesco Squarcione , Melozzo da Forli , Filippo Lippi ) eller Perugino , fra Umbria eller Marche -skolen ( Melozzo da Forli , Luca Signorelli ). Den venetianske skolen ble på sin side påvirket av Veronese Pisanello og den sicilianske Antonello da Messina (som er kreditert for å ha introdusert den flamske teknikken for oljemaleri i Italia) [ 21 ] for å utvikle veldig særegne egenskaper sentrert om fargedomenet. synlig i Alvise Vivarini og Carlo Crivelli og som vil nå sitt høydepunkt med Bellini. [ 22 ]
Dome of Santa Maria del Fiore , av Brunelleschi (1420-1436)
Paradisporten fra dåpskapellet i Firenze , av Ghiberti . [ 23 ]
Fasade av Santa Maria Novella , av Alberti (1458-1478)
Pienza- plassen , planlegging og bygninger av Bernardo Rossellino (1459)
Palazzo Medici Riccardi , av Michelozzo (1444) [ 24 ]
Arbeidet til de tidlige fedrene i Porta Magna i San Petronio i Bologna , av Jacopo della Quercia (1425-1434)
Donatellos David (ca. 1440)
The Condottiero Bartolomeo Colleoni , av Andrea Verrocchio (1475) [ 25 ]
Madonna med barn, Saint Sebastian og Saint Anthony the Abbed , av Andrea della Robbia (1500)
Den strålende skikkelsen til Leonardo da Vinci , som førte et omflakkende liv ved de italienske og franske domstolene, markerer overgangen til Cinquecento (1500-tallet på italiensk). Den såkalte høyrenessansen eller den klassiske renessansen åpner : [ 26 ] Firenze (som hadde lidd av Savonarolas ikonoklastiske raseri ) ble erstattet som et kunstnerisk senter av Roma, under pavelig beskyttelse, som tiltrakk seg Bramante , Michelangelo og Raphael Sanzio , og utviklet selve ambisiøst kunstnerisk program for Vatikanet (hvis enorme kostnader var en av årsakene til misnøyen generert av den protestantiske reformasjonen ), som man kan snakke om en florentinsk-romersk skole (den nevnte og Fra Bartolommeo , Andrea del Sarto , Giulio Romano , Benvenuto Cellini , Baldassarre Peruzzi , Giovanni Antonio Bazzi (Il Sodoma) og andre, hvis status som emulatorer overskygget av herrenes genialitet, til tross for deres egne verdier, gjør dem svært ofte klassifisert som manerister). [ 27 ] I mellomtiden utviklet det seg i Venezia en venetiansk skole med sine egne egenskaper , preget av dens mestring av farger ( Bellini , Giorgione , Titian ).
I forhold til renessansen på midten av 1400-tallet , preget av eksperimentering på lineært perspektiv , var høyrenessansen preget av modenheten og balansen som ble funnet i Leonardos sfumato ; i marmorvolumene til miguelangelesca terribilità ; i fargene, teksturene og chiaroscuroen til venetianerne eller Raphaels madonnaer , som gir lys og skygge en ny rolle, sammen med deres karakteristiske morbidezza (mykhet, mykhet); i fremføringen av armen i portretter (som i Gioconda ); i den klare komposisjonen , spesielt den trekantede, preget av figurenes forhold til utseende og stillinger, spesielt i hendene. [ 28 ]
Mona Lisa , av Leonardo da Vinci (1503-1506)
Madonna del Prato , av Giovanni Bellini (1505)
Venus , av Giorgione (1508-1510)
Hellig kjærlighet og profan kjærlighet , av Titian (1512-1515)
Jomfruens trolovelse , av Raphael Sanzio (1504)
San Pietro-helligdommen i Montorio , av Bramante (1502-1510)
David av Michelangelo (1501-1504)
Dome of Saint Peter , redesignet av Michelangelo i 1547.
Siden plyndringen av Roma i 1527 har renessansen gått utover sin klassisistiske fase for å eksperimentere med mer formell frihet og mindre underkastelse av balanse og proporsjoner, overdrive trekk, introdusere brudd og inversjoner av den logiske orden, gigantiske ordener , dynamiske former som f.eks. serpentinata , og viker for sofistikerte intellektuelle og ikonografiske blunk eller humor . De langlivede Michelangelo og Titian fortsatte sitt enorme arbeid, mens nye generasjoner av kunstnere imiterer deres måte (nesten guddommeliggjort av tidlige kunsthistorikere som Vasari ) eller utvikler sin egen kreativitet: [ 29 ] Pontormo ― Descent , 1528 ―, Correggio ― Adoration av hyrdene , 1530-, Parmigianino - Madonna med den lange halsen , 1540-, Bronzino - portrett av Lucrezia Panciatichi , 1540-, Tintoretto - toalett , 1549- , Veronese - bryllup i Cana , 1563, Sebastian, Arco del Piombo , Sebastian Bassano , Palma (malere), Juan de Bologna ― Hercules og kentauren Neso , 1550 ―, Benvenuto Cellini ― Saltkjeller til Frans I av Frankrike , 1543 ― (skulptører), Serlio ― De syv arkitekturbøkene , utgitt mellom 1537 og 1551-, Palladio ― Teatro Olimpico , 1580-, Vincenzo Scamozzi , Vignola , Giacomo della Porta (arkitekter), eller komplette kunstnere som Giulio Romano (bygning og fresker av Palazzo Te , 1524-1534), Jacopo Sansovino (intervensjon ). Markusplassen i Venezia fra 1529, som Marciana-biblioteket , 1537-1553), Bartolomeo Ammannati ( Neptuns fontene , forlengelse av Palazzo Pitti , 1558-1570) og Federico Zuccari ( Zuccari-palasset , et ekstravagant og personlig prosjekt for sin egen bolig i Roma, 1590).
Jupiter og Io , av Correggio (1530)
Madonna med den lange halsen , av Parmigianino (1534-40).
Allegory of the Triumph of Venus , av Bronzino (1540-1545)
Funn av Markus kropp , av Tintoretto (1562)
Ekteskapet i Cana , av Veronese (1563)
Våren , av Arcimboldo (1573)
Palazzo Te , av Giulio Romano (1524-1534)
Perseus , Benvenuto Cellini (1554)
Villa Rotunda , Palladio (1566)
Church of the Gesù i Roma, interiørlayout av Vignola (1568) og fasade av Giacomo della Porta (1575).
En italiensk stil spredt over hele resten av Europa, som i hvert område får særegne kjennetegn: i Frankrike Fontainebleau-skolen , malere som François Clouet , skulptører som Jean Goujon , Ligier Richier eller Germain Pilon og utsmykningen av de elegante slottene i Loire (utvidelse av Château de Blois og bygging av Château de Chambord , begge av Domenico da Cortona ; Serlio og Gilles le Breton i selve Fontainebleau-palasset ; Pierre Lescot i Louvre ; Filiberto Delorme i Tuileriene ); [ 31 ] I Spania, skulptørene Alonso de Berruguete , Diego de Siloé , Juan de Juni eller Gaspar Becerra , malerne Luis de Morales , Juan de Juanes , Navarrete el Mudo , Alonso Sánchez Coello eller Juan Pantoja de la Cruz , og arkitektene Pedro Machuca , Rodrigo Gil de Hontañón , Alonso de Covarrubias eller Vandelviras ; i Flandern delt av revolusjonen som brakte den protestantiske reformasjonen , Quentin Metsys , Antonio Moro eller Karel van Mander ( Nordens Vasari ); og i Tyskland Lucas Cranach den yngre eller Hans Holbein den yngre (som avsluttet sin karriere i England); i England, Inigo Jones .
Grotesque Crone , av Quentin Metsys (1525-1530)
Ambassadørene , av Hans Holbein den yngre (1533)
Samson og Delilah , av Lucas Cranach den yngre (1537)
Sjakkkamp , av Antonio Moro (1549)
Piedad , av Luis de Morales (ca. 1560) [ 32 ]
Nattverden , av Juan de Juanes (ca. 1562)
Lady at the Bath , av François Clouet (1571)
Scipio's Continence , av Karel van Mander (1600)
Palace of Carlos V , av Pedro Machuca (1527)
Escalier du Fer-à-cheval ved Palace of Fontainebleau , av Philibert Delorme og Jean Bullant (ca. 1550)
Sacrifice of Isaac , av Alonso de Berruguete (1526) [ 33 ]
Holy Burial , av Juan de Juni (1539-1540) [ 34 ]
Den såkalte lavrenessansen i Spania faller sammen med begynnelsen av kunstens gyldne århundrer . [ 35 ] Etter Alto der de puristiske eller klassisistiske modellene til romeren [ 36 ] ( Palasset til Carlos V , Granada -katedralen , Jaén- katedralen , Baeza-katedralen , Sevilla rådhus ) ble innlemmet, i den siste tredjedelen på 1500 -tallet , Det ble utviklet et ambisiøst program med markert originalitet, sentrert om klosteret El Escorial ( Juan Bautista de Toledo , Gian Battista Castello , Francesco Paciotto , Juan de Herrera - hvis sterke personlighet vanligvis gjør at han regnes som hovedforfatteren - og Francisco de Mora , 1563-1586), som ga arbeid til italienske malere som Pellegrino Tibaldi og Federico Zuccaro , men hvor det ikke var plass, til tross for hans geni, for en kunstner som ikke ble verdsatt av Philip II : El Greco .
El Escorial-klosteret , Juan de Herrera (1563-1586)
Forvaring av katedralen i Sevilla , av Juan de Arfe (1576)
Cenotaph of Felipe II i basilikaen El Escorial , av Leone Leoni og Pompeo Leoni (1587)
The Plunder , av El Greco (1590-1595)
I Italia av 1600 viker maneristisk intellektualisme for en mer populær kunst: barokken , som appellerer direkte til sansene, og der en grunnleggende verdi gis til spill av lys og skygge, til sofistikerte geometriske former (som f.eks. ellipse og spiralformede ), til bevegelse, til vold i kontraster og til motsetningen mellom utseende og virkelighet. Siden oppstarten har det skjedd samtidig med en synlig motsatt klassisistisk trend.
Periodiseringen av barokken gjør det mulig å identifisere flere faser: en dyster barokk på begynnelsen av 1600 -tallet , en full eller moden barokk i midten av århundret, og en triumferende eller dekorativ barokk på slutten av 1600 -tallet , som varte inn på 1700 - tallet med den såkalte senbarokken , upresist differensiert fra rokokko , en stil som også kan defineres under svært forskjellige parametere. [ 37 ]
De viktigste italienske malerne på det syttende århundre med en barokk-tendens var Caravaggio , hvis korte og skandaløse karriere startet en veritabel billedrevolusjon (og hvis stil noen ganger blir referert til som Caravaggism , som Tenebrism eller Naturalisme ); etterfulgt av il Spagnoleto José de Ribera (Valencianer hvis arbeid ble utført i sin helhet i Napoli), Pietro da Cortona (også arkitekt) og Luca Giordano (kalt Luca fa presto på grunn av utførelseshastigheten). Hovedpersonen i triumfen til barokkstilens vridde former i det klassisistiske Roma (hvor akademikerne i San Lucas opprettholdt domenet til den akademiske smaken i maleriet) var en sann komplett kunstner : Bernini , som brukte en ny sensitiv på skulptur og arkitektur. unnfangelse, nesten sensuell ( Ecstasy of Saint Teresa , Baldachin of Saint Peter ); selv om andre som Borromini , Maderno og Fontana også satte sitt preg på en stadig mer blendende evig stad , bekreftet som sentrum for europeisk kunst. Kunsten til dem alle var et effektivt middel for propaganda (midt i Propaganda Fide of the Counter -Reformation ) til tjeneste for den katolske kirke, som hadde til hensikt å okkupere alle offentlige og private rom. Kolonnaden på Petersplassen i Roma åpner seg bokstavelig talt som en omfavnelse "til byen og verden" ( urbi et orbi ) . [ 38 ] Andre italienske byer utviklet mer beskjedne, men ikke mindre interessante programmer, som det fremvoksende Torino of the Savoys , med bygningene til Guarino Guarini , eller andre som Lecce , Napoli , Milano , Genova , Firenze og Venezia . [ 39 ]
Se også: Barokkmaleri fra Italia , spansk barokk , og barokkmaleri fra Nederland .The Calling of Saint Matthew , av Caravaggio (1601)
Madeleine , av Georges de La Tour (1625-1650)
Rembrandts dr . Nicolaes Tulp anatomi leksjon (1632)
Spillselgeren , av Frans Snyders . Motsetningen mellom overstrømmende flamske og spanske stilleben er velkjent.
Portrett av Charles I av England , av Van Dyck (1635)
Judgment of Paris , av Rubens (1638)
Allegory of Justice , freskomaleri i galleriet til Palazzo Medici-Riccardi, av Luca Giordano (1684-1686)
De lokale kirkelige institusjonene og det katolske latinamerikanske monarkiet , spesielt med det kunstneriske og samlende programmet til Felipe IV ( Palacio del Buen Retiro , Salón de Reinos , Torre de la Parada ), [ 40 ] dekadanse og den vanskelige situasjonen under Carlos IIs regjeringstid , vil være hovedkundene til en ugjentakelig konstellasjon av malergenier : Ribera (i Napoli); Ribalta , Velázquez , Murillo , Zurbarán , Alonso Cano , Valdés Leal , Claudio Coello (i Spania); Rubens , Jordaens (i Flandern). Selv ledende italienske skikkelser som Tiépolo og Lucas Jordán vil bli rekruttert . Polykrome trebilder nådde høyder uten sidestykke av Gregorio Fernández , Alonso de Mena , Pedro de Mena og Martínez Montañés .
Casa de la Panadería på Plaza Mayor i Madrid , av Juan Gómez de Mora (1619), med rytterstatuen av Felipe III , av Pietro Tacca (1616) [ 41 ]
Elliptisk kuppel av San Carlo alle Quattro Fontane , av Borromini (1634-1637)
San Marcello al Corso -kirken , av Carlo Fontana (1682-1683)
Grand Place i Brussel (1695-1699). Innlemmelsen av barokke egenskaper i bygninger i det offentlige rom i andre byer var karakteristisk, spesielt Wien , Amsterdam eller Venezia (i tillegg til de allerede nevnte Madrid eller Roma ).
Recumbent Christ , av Gregorio Fernández (1620-1625) [ 42 ]
Baldakin av St. Peter , av Bernini (1624-1633)
Piazza Navona , et eksempel på romersk barokk byplanlegging, inkludert fontener av Bernini (1651)
Cornaro-kapellet i kirken Santa Maria della Victoria i Roma, med Ecstasy of Saint Teresa av Bernini (1647-1652)
Milo av Crotona , av Pierre Puget (1671-1682)
I protestantiske land var barokken en borgerlig kunst, av privat initiativ, med nederlandske malere som Rembrandt , Johannes Vermeer , Frans Hals eller Ruysdael , som arbeidet for det frie markedet.
I England, hvis særegne sosio-politisk-religiøse situasjon var en mellomting mellom datidens to alternativer, ville en maler av Anton van Dycks statur finne sitt publikum .
I Frankrike, selv om noen malere, som Le Nain-brødrene eller Georges de La Tour , og skulptører, som Pierre Puget eller François Girardon , lett kan passe innenfor barokkens parametere, holdt den dominerende strømmen seg til klassisismens kanoner.
The Martyrdom of Saint Philip , av José de Ribera (1639)
Peasants Drinking , av Louis Le Nain (1642)
The Spinners , av Velázquez (1657)
Kunsten å male , av Vermeer (1666)
Mølle på Duurstede , Ruysdael (1670). Landskapsmaleriet i seg selv, uten behov for en religiøs unnskyldning, utvikler seg som en autonom sjanger.
In ictu oculi , en av allegoriene til Hospital de la Caridad (Sevilla) , av Valdés Leal (1672)
Akademiene som ble opprettet, først i renessansens Italia, og senere i Spania, England og Frankrike, etablerte en estetisk smak som satte normene kodifisert av kunstavhandlingsforfattere over kreativ fantasi . I andre halvdel av 1600-tallet ble Frankrike sentrum for denne klassisistiske bevegelsen , selv om Italia inspirerte den i sin første halvdel ( Annibale Carracci , Guido Reni , Domenichino , Guercino , Accademia di San Luca ). Franskmenn var maleren Nicolas Poussin , som tilbrakte mesteparten av sitt kunstneriske liv i Roma, eller billedhuggeren Jacques Sarazin . [ 43 ]
Det høyeste uttrykket for fransk klassisisme var det kunstneriske programmet designet rundt slottet i Versailles , bygget i utkanten av Paris som en nøkkeldel av et bredere program for politisk og sosial ingeniørkunst for etableringen av det absolutte monarkiet til Ludvig XIV (malere som f.eks. Hyacinthe Rigaud eller Charles Le Brun , arkitekter som Luis Le Vau eller Mansarts , skulptører som Coysevox eller Puget, og til og med hagedesigneren Le Nôtre ).
Gjenoppbyggingen etter den store brannen i London i 1666 tillot urban design og unike bygninger der klassisistiske kriterier dominerte, mens villaene på landet ble designet med palladisk smak . En smak blir etablert som over tid vil bestemme forskjellene mellom den kunstig naturalistiske engelske hagen og den formelle renheten til linjene i den franske hagen .
Pietà , av Annibale Carracci (1603)
Atalanta og Hippomenes , av Guido Reni (1615-1625)
Bacchanal , av Poussin (1634-1635)
Havn med ombordstigning av dronningen av Saba , av Claudius av Lorraine (1648)
Palace of Vaux-le-Vicomte , av arkitekt Louis Le Vau og hagedesigner Le Nôtre (1658-1661)
Palace of Versailles , av det samme (1661-1692)
St Paul's Cathedral, London , Christopher Wren (1676-1710)
Selv om opprinnelsen til begrepet er nedsettende, og forsøkte å latterliggjøre den vridde dekorasjonen av rocailles og coquilles som er typiske for den såkalte Louis XVI-stilen , som med mannerisme, endte rokokko opp med å bli definert som en autonom stil, og slik ble det organisert en utstilling. av Europarådet ga ham definitivt historiografisk prestisje (München, 1958). [ 44 ]
Gjennom de første to tredjedelene av det attende århundre , palassene som ble bygget i etterligning av Versailles i hele Europa til større ære for absolutte monarkier i ferd med å bli opplyste despotismer ( Palacio Real de Madrid og La Granja i Spania, Palacio Vinterpalass og Katarinapalasset i St. Petersburg, Schönbrunn i Wien, Sanssouci i Preussen, Zwinger i Dresden, Ludwigsburg i Württemberg, Amalienborg i København, Caserta i Napoli – i England var det ingen Versailles-palasser, den viktigste av 1700 -tallets bygninger var John Vanbrugh 's Blenheim Palace , en forlengelse av den engelske klassisistiske barokken og foregriper av nyklassisismen - [ 45 ] ) fylte sine indre rom med en intim, privat og til og med hemmelig kunst av stor sensualitet, representert i fransk maleri av Watteau , Maurice Quentin de La Tour , Boucher og Fragonard ; og i den utsøkte omsorgen lagt i forberedelsen og installasjonen av porselen (den store teknologiske nyheten på den tiden, som sysselsatte noen av de beste skulptørene: Meissen - Johann Joachim Kändler -, Augarten , Nymphenburg - Franz Anton Bustelli -, Berlin , Vincennes , [ 46 ] Sèvres ― Étienne-Maurice Falconet ―, [ 47 ] Lomonosov , [ 48 ] Chelsea , [ 49 ] Buen Retiro , Alcora , [ 50 ] osv.), krystaller ( La Granja ), klokker ( Royal Clock Factory ), møbler , etc. Stucco ble et mye brukt materiale for å lage komplekse arkitektonisk-skulpturelle rom ( Giacomo Serpotta ); mens pastell i maleri ( Chardin ) og terrakotta i skulptur ( Clodion ) ble de foretrukne teknikkene for forbruket av et stort marked som krever små og elegante stykker. Den italienske vedutistien , spesielt venetianerne Canaletto og Guardi , ble stimulert av fortsatt etterspørsel fra de tidlige aristokratiske turistene som turnerte i den europeiske kunstkretsen ( Grand Tour ).
St. Charles Borromeo-kirken (Wien) , av Johann Bernhard Fischer von Erlach (1716-1737)
Sanssouci-palasset av Von Knobelsdorff (1745-1747)
Wies kirke , av stukkaturistene og arkitektene Dominikus og Johann Baptist Zimmermann (1745–1754)
Asamkirche i München, av brødrene Egid Quirin Asam og Cosmas Damian Asam (1733-1746)
Obradoiro-fasade i katedralen i Santiago de Compostela , av Fernando de Casas Novoa (1740)
Palace of the Marquis of Dos Aguas , av Ignacio Vergara og Hipólito Rovira (ca. 1740)
Samtidig, i mer offentlige settinger, ga engelsk maleri lignende estetiske forslag med samtalestykkene og det satiriske maleriet til Hogarth (som også teoretisk reflekterte over The dominant curve of beauty in Rococo art - the serpentine , serpentinata eller sigmoidea- ). [ 51 ] den elegante nonsjalansen til Gainsboroughs portretter og landskap ; forlengelsen i tid av den såkalte høytyske barokken brøt ned kirkenes indre rom (prekestoler, altere, søyler, hvelv), noe som førte til at den ekstravagante dekorasjonen ble det eneste synlige strukturelle elementet; [ 52 ] mens den spanske churriguereske vridd barokkfantasi til det ytterste og Salzillo fortsatte billedtradisjonen. Goyas tegneserier , til tross for at de stammer fra andre halvdel av århundret, er inkludert i en kunstnerisk smak som ligner på rokokko, et bevis på deres overlevelse i en tid da krisen i det gamle regimet konfronterte den aristokratiske smaken med rasjonalitet og nøkternhet . som rådde i den franske revolusjonen (1789).
Festen for forlovelsen mellom Venezia og havet , av Canaletto (1729-1730)
Marriage in Fashion , av Hogarth (1745)
Lord and Lady Andrews , av Gainsborough (1748-1749)
The Parasol , av Goya (1777)
Transparent av Toledo-katedralen , av Narciso Tomé (1729-1732)
Hagebønnen , av Salzillo (1754)
Amour menaçant , av Étienne-Maurice Falconet (1757)
Ved midten av 1700 -tallet hadde en veritabel arkeologisk feber brutt ut, som kulminerte med oppdagelsen av ruinene av Pompeii i 1748. Kunnskapen om den antikke verden ble revidert med nye kriterier intellektuelt etablert av forskere, akademikere, kritikere og kunsthistorikere . Noen orienterte smak i klassisk forstand ( Milizia , Mengs , Winckelmann , Diderot , Quincy's Quatremère ) og andre i en forstand som forutsier romantikk , nygotisk og 1800 -tallshistorisisme ( Walpole , Lessing , Goethe ) . Motsetningen mellom nyklassisistisk og romantisk sensibilitet har blitt et kulturelt tema, forsterket av prangende generasjonssammenstøt som den som førte til det såkalte slaget ved Hernani ( Comédie-Française , 28. februar 1830, da offentligheten av Victors verk Hugo møtte hverandre, delt mellom Chevelus " langhårede , romantiske unge menn" og Genoux " gamle skallede menn, nyklassisistiske" eller Paris-salongen fra 1819 der tilhengerne av den sykelige romantikken til The Raft of the Medusa ( Géricault ) kolliderte med de av den nyklassiske ryddigheten til Pygmalion og Galatea ( Girodet -som var den som vant prisen -).
The Oath of the Horatii , Jacques-Louis David (1784)
Pygmalion og Galatea , av Girodet (1819)
Medusas flåte , av Géricault (1819)
Slaget ved Hernani (28. februar 1830). Satirisk trykk av JJ Grandville .
I virkeligheten er imidlertid nyklassisismen også en revolusjonær estetikk, og den hadde sitt eget ungdommelige generasjonsbrudd i Jacques Louis Davids fremvisning av Horatii-eden i salongen i 1785 (skandalen med nedrykk fra akademikerne tvang endringen dens plass i utstillingen; og dens politiske lesning ble utvidet, i en pre-revolusjonær nøkkel). Litterær romantikk var på sin side det estetiske alternativet for de reaksjonære ( Chateaubriand ). Sameksistensen av nyklassisistisk og romantisk sensibilitet var mulig i en slik grad at det, for å betegne den nyklassisistiske arkitekturen fra første halvdel av 1800 -tallet , har blitt foreslått å bruke begrepet romantisk klassisisme , til tross for oksymoron (motsetning av termer), gitt at, I tillegg til å sammenfalle i tid stilistisk, deler den trekk med den romantiske estetikken, og tilfører en viss uttrykksfullhet og opphøyet ånd til enkelheten og klarheten til de klassiske gresk -romerske strukturene . [ 53 ]
Stilleben av Luis Eugenio Meléndez (1772)
Frøken Anna Ward med hunden sin , av Joshua Reynolds (1787)
Wedgewood porselenspanel designet av John Flaxman (1775-1787)
Temple of Ancient Virtue , i en engelsk hage designet av William Kent (1735)
Puerta de Alcalá i Madrid, av Francesco Sabatini (1778)
Rotonde de la Villette i Paris, av Ledoux (1788)
Interiør av Pantheon i Paris , av Soufflot (1764-1790)
Brandenburger Tor i Berlin, av Carl Gotthard Langhans (1791)
I andre halvdel av 1700 -tallet var design for urbane haller i barokktradisjonen vanlig, men underlagt nye konvensjoner. Ødeleggelsen av Praça do Comércio i Lisboa ved jordskjelvet i 1755 tillot dens gjenoppbygging som et åpent rom underlagt klassiske kanoner. I Madrid samlet Paseo del Prado (siden 1763) et imponerende arkitektonisk og skulpturelt kompleks designet hovedsakelig av Juan de Villanueva ( Prado-museet , Cibeles- fontenen , Neptun-fontenen , Botanisk hage , Retiro-observatoriet ). Byplanleggingen av Bath ( Royal Crescent , John Wood , 1767-1774) ble utarbeidet under kriteriene for georgisk arkitektur . Med en mye mer nyklassisk oppfatning ble Königsplatz og dens bygninger designet i München av Karl von Fischer og Leo von Klenze (siden 1815). Mens tysk og engelsk arkitektur valgte en nygresk historisisme, valgte fransk arkitektur, spesielt med Napoleon , romerske modeller ( Madeleine-kirken , unnfanget av keiseren selv for Grande Armée 's Temple of Glory , og som reproduserte modellen for Maison Carrée de Nîmes , Pierre Contant d'Ivry , 1806). [ 53 ]
I den angelsaksiske verden spredte palladianismen , villaarkitektur som har triumfert i England siden slutten av 1600- tallet , seg til det nylig uavhengige USA. Josiah Wedgwoods keramikk hadde stor innvirkning på å popularisere nyklassisistiske former gjennom John Flaxmans rene silhuetter og basrelieffer . I Frankrike foreslo visjonære arkitekter som Étienne-Louis Boullée og Claude-Nicolas Ledoux bygninger basert på den spektakulære kombinasjonen av geometriske former, mens den dominerende strømmen etablerte en mer nøktern nyklassisisme ( Ange-Jacques Gabriel , Jean Chalgrin , Jacques-Germain Soufflot ) . I Spania ble akademisk kritikk ( Antonio Ponz , Royal Academy of Fine Arts of San Fernando ) fylt med fornærmelsen fra barokkarkitekturen, hvis forvridde former viker for renheten til linjene til Ventura Rodríguez eller Juan de Villanueva .
Canova og Thorvaldsen tolker den nye smaken av den såkalte empirestilen i en nyklassisk skulptur med høy formell perfeksjon. Når det gjelder utviklingen av maleri, i Tyskland Runge og Friedrich ; i England Joshua Reynolds , Henry Fuseli , William Blake , Constable og Turner ; i Frankrike Jacques Louis David , François Gérard og Ingres , og i Spania avsluttet den eksepsjonelle Goya -figuren 1700 -tallet og åpnet 1800 -tallet .
The Ancient of Days , farget akvarellgravering av William Blake (1794)
The Sleep of Reason Produces Monsters , gravering fra serien Los Caprichos de Goya (1799)
Calais Dock , av Turner (1803)
Kenotaf av Maria Cristina av Østerrike , Canova (1805)
Napoleon , av Ingres (1806)
Vandreren over tåkehavet , av Friedrich (1815)
Swiss Guards Monument , av Thorvaldsen (1818)
Amor og psyke , av Gérard (1822)
Spansk - amerikansk kolonikunst eller indisk kunst [ 54 ] presenterer i moderne tidsalder den samme rekkefølgen av stiler som europeisk kunst, gitt at den spanske koloniseringen av Amerika markerte slutten på produksjonen av kunstneriske representasjoner av før- kolumbiansk kunst , og ved mange anledninger til og med fysisk ødeleggelse av tidligere kunstverk. Til og med den urbane utformingen av byene ble pålagt en ny plan, med en ortogonal plan der Plaza de Armas huset de viktigste sivile og religiøse bygningene. Imidlertid overlevde de autoktone karakteristikkene, om så bare som et underlag (noen ganger bokstavelig talt, som på Plaza de las Tres Culturas i Mexico eller i Inka-veggene som fungerer som sokkel for senere konstruksjoner). I mange tilfeller var det en ekte kulturell synkretisme , akkurat som i populær religiøsitet. En syntese mellom europeiske stiler og gamle lokale tradisjoner ble produsert, og genererte en symbiose som ga kolonikunsten et veldig spesielt og karakteristisk aspekt.
Hovedprøvene ble produsert i de to mest relevante viceregal -sentrene : Viceroyalty of New Spain ( Novo- Hispanic Baroque ) og Viceroyalty of Peru ( Cuzco malerskole ). Innen maleri og skulptur, i de første fasene av koloniseringen, var importen av europeiske kunstverk, hovedsakelig spanske, italienske og flamske, hyppig, men deres egen produksjon startet umiddelbart, og inkorporerte utvetydig amerikanske trekk i konvensjonene for de forskjellige kunstneriske sjangrene.
Vår Frue av Guadalupe (Mexico) (1531 eller 1555)
Innenrikskapell til klosteret Tepotzotlán (Mexico)
Arquebucero engel , mester i Calamarca , Collao skole , Bolivia (1600 -tallet )
Adoration of the Magi , Cuzco malerskole (1740-1760)
Elfenbensfarget kvinneskikkelse, for tiden på et meksikansk museum
Kristus korsfestet , for tiden i et valenciansk kloster (1600 -tallet )
De transoceaniske kontaktene mellom Mexico og Filippinene ( Manila Galleon fra Acapulco ) ga opphav til en annen spesiell synkretisme som kan påvises i noen verk på begge sider av Stillehavet , spesielt i keramikk, skjermer eller korsfestede Kristuser og andre skikkelser i elfenben med orientalske trekk. Hispano-filippinske elfenben , selv om noen ble laget i selve Mexico. Luso-indiske elfenben ble også produsert, i en tilsvarende sammenheng . [ 55 ]
Katedralen i Santo Domingo (1523–1541)
Temple of Santa Prisca de Taxco , Mexico (1751–1758)
Church of the Company , Quito, Ecuador (1605-1765)
Basilica of Congonhas , Brasil, med figurene til profeter av Antonio Francisco Lisboa , "the Aleijadinho" (1796-1799)
Russisk kunst og kultur , i likhet med de slaviske kulturene på Balkan og Ukraina , ble definert gjennom middelalderen av en sterk innflytelse fra bysantinsk kunst , og den innflytelsen fortsatte selv etter Konstantinopels fall , sammenfallende med byggingen av den russiske staten rundt figur av tsaren som en fortsettelse av figuren av basileus og bildet av Russland som et tredje Roma .
Ikonproduksjon og manuskriptbelysning fortsatte inn i de tidlige moderne århundrene med lignende konvensjoner og stereotype trekk som de i middelalderens Byzantium. Med Peter I den stores vestliggjøringsprogram ble lokale malere fra slutten av 1600- tallet sendt for å lære i Italia, Frankrike, England og Holland, og malere fra de samme landene ble ansatt.
Arkitekturen, selv om den fortsatt hovedsakelig var påvirket av bysantinsk arkitektur i de første århundrene av moderne tid, så introduksjonen av renessansetendenser av italienske kunstnere som Aristoteles Fioravanti (1415-1486), som tidligere hadde jobbet for Matthias Corvinus i Ungarn . Datidens konstruksjoner hadde en stor kapasitet til å inkludere flere elementer ( fellingtak av asiatisk opprinnelse, bulbuske kupler av bysantinsk opprinnelse), alle omtolket med stor fantasi og farge, som i katedralen Saint Basil og «stilflammen» i ornamentikk av Moskva og Yaroslavl i det XVII århundre . Rundt 1690 er det snakk om en muskovittbarokk ( Francesco Bartolomeo Rastrelli ). I løpet av 1700 -tallet ble vestliggjøringen mer og mer dyptgripende, og kulminerte i byggeprogrammet til St. Petersburg med nyklassisistiske kriterier. [ 56 ]
Det gamle testamentets treenighet , av Andrei Rublev (1422-1428)
Dormition Cathedral (Moskva) , en av de eldste bygningene i Kreml , modellert etter Assumption Cathedral i Vladimir (1475–1479)
Saint Basil's Cathedral , av Postnik Yakovlev [ 57 ] (opprinnelig konstruksjon 1555-1561, endret på et senere tidspunkt)
Christ Acheiropoyetos , av Simon Ushakov (ca. 1660)
Orientalsk kunst har blitt definert som et konsept i motsetning til vestlig kunst og gjennom studier utført av vestlige kunsthistorikere , forført nettopp av dens alteritet . Romantisk eksotisme utartet seg til en stort sett mystifiserende orientalisme .
Som et generelt prinsipp, og til tross for dens mangfoldighet, anses østlig kunst som mer stabil over tid enn vestlig kunst i moderne tid, underlagt kontinuerlige slingrer i rekkefølgen av stiler. Spesielt stabil var kunsten i Fjernøsten, gjentakelse av faste modeller i den eldgamle kunsten til deres sivilisasjoner; mens islamsk kunst (i stor grad den fra en synkretisk og overførende sivilisasjon, både vestlig og østlig , som hadde sin gullalder i middelalderkunsten ) og kunsten i India var mer følsomme for alle slags påvirkninger, som kom fra både fra Øst og Vest. [ 58 ]
Det afrikanske rommet, til tross for sin vestlige geografiske plassering , var i stor grad i den kulturelle og kunstneriske bane i det nære østen og den arabisk-islamske sivilisasjonen, spesielt Egypt og Maghreb (et begrep som nettopp betyr Vesten på arabisk). Det samme gjaldt store deler av Øst-Afrika, med unntak av Etiopia , som forble et kristent rike.
Timbuktu var hovedsenteret for islamsk kultur i rommet sør for Sahara siden slutten av middelalderen, med Songhay Empire , etterfulgt av den marokkanske okkupasjonen siden 1500 -tallet .
Andre områder i det vestlige og sørlige Afrika fortsatte med sin forfedres kulturelle dynamikk, selv om de ble utsatt for den negative virkningen av europeisk og arabisk ekspansjon (direkte kolonisering av de viktigste havnene og fremme av slavehandelen, som dypt endret de politiske enhetene og sosiale og kulturelle innfødte nettverk).
Djingareyber-moskeen , original fra 1300 -tallet . [ 59 ]
Sankore Madrasa , gjenoppbygd i 1581.
Ottomansk kunst ble hovedsakelig produsert i Lilleasia og på Balkan , i tillegg til å spre sin innflytelse over hele den muslimske middelhavsverdenen .
Den klassiske perioden med osmansk arkitektur ( 1400- til 1600-tallet ) er dominert av skikkelsen til den armenske Mimar Sinan , som kombinerte den bysantinske tradisjonen med etniske elementer fra forskjellig opprinnelse. 334 bygninger i forskjellige byer skylder ham ( Moskeene Sehzade , Suleiman og Rustem Pasha i Istanbul , Selim i Edirne , mausoleumene til Sultan Suleiman den storslåtte , av hans kone Roxelana og av Sultan Selim II , etc.). Topkapi - palasset (1459-1465) var sammenlignbart i indre overdådighet med de viktigste palassene i verden.
Innflytelsen fra vesteuropeisk kunst hadde vært følt siden slutten av det femtende århundre , da den venetianske maleren Gentile Bellini dro til Istanbul for å jobbe for Sultan Mehmed II (1479). I tulipanperioden (1718-1730) er det en fornyelse av interessen for vesteuropeisk kunst, og en fransk arkitekt, Mellin , vil jobbe for det osmanske hoffet. I den følgende perioden, preget av former som ligner på barokken, skiller arkitekten Mimar Tahir seg ut . [ 60 ]
Sehzade-moskeen i Istanbul, av Mimar Sinan (1543-1548)
Siege of Vienna , av Nakkas Osman (1588)
Den blå moskeen i Istanbul, av Sedefhar Mehmet Ağa (1609-1617)
Laleli eller Tulip Mosque, av Mehmet Tahir Ağa (1760-1763)
I løpet av 1600 -tallet ble de store safavidiske moskeene Khorasan , Isfahan og Tabriz bygget ; og plassen til Naghsh-i Jahan-plassen i Isfahan, en av de mest spektakulære urbane milepælene i islamske byer. Bruken av glasert keramikk gir overflatene deres tekstur og fargeegenskaper. Tidligere hadde Golestan-palasset (1524-1576) blitt bygget i Teheran , et kunstnerisk program orientert mot fremtoning av makt og luksus, med intime og hyggelige rom som fremkaller Alhambra og den orientalistisk - romantiske stereotypen av palasset til tusen og en natt ; det ble grundig renovert på 1700- og 1800-tallet . [ 61 ]
Persiske miniatyrer unngikk det islamske forbudet mot å avbilde menneskelige figurer på grunn av den spesielle tolkningen av den forskriften i sjiaismen , [ 62 ] og utviklet en spesielt raffinert stil som ble delt, gjennom nære kontakter med Sentral-Asia , med kunsten i India. De var preget av den utsøkte behandlingen av marginene og den konvensjonelle bruken av elementer av poetisk-mystisk tolkning, som vin (et annet islamsk forbud) og hager, som fremkaller paradis.
De viktigste produksjonssentrene for persiske tepper var Tabriz (1500-1550), Kashan (1525-1650), Herat (1525-1650) og Kerman (1600-1650).
Tradisjonelt teppe fra Tabriz , laget av ull og silke
Khalvat-e-karimkhani i Golestan-palasset
Råd for den asketiske Moraqqa'-e Golshan , bevart i Golestan-palasset, Teheran (1. halvdel av 1500 -tallet )
Abbas den store med en side som tilbyr ham vin , av Muhammad Qasim (1627) [ 63 ]
Naghsh-i Jahan-plassen i Isfahan
Kuppelen til Sheikh Lotf Allah-moskeen i Isfahan (1615)
Innerdør til den blå moskeen i Tabriz
Mughalriket fremmet islamiseringen av Nord- India , og gjorde moskeen om til en religiøs bygning i konkurranse med hinduistiske , jainistiske eller buddhistiske templer . Fatehpur Sikri , en by bygget mellom 1569 og 1585, kombinerte islamske elementer (hvelv, buer og brede gårdsrom) med tradisjonelle hinduistiske materialer og dekorasjon. Shah Jahan , fra den restaurerte hovedstaden i Delhi , fremmet bygninger som det røde fortet og Taj Mahal .
Maleri, til tross for koranforbudet, ble også oppmuntret av maktens beskyttelse. Akbar (analfabet, men hvis bibliotek inneholdt 24 000 illustrerte manuskripter) grunnla Mughal-maleriet i India, og introduserte malere som Mir Saiyide Ali og Abdus Samad , som etablerte billedskoler i Gujarat , Rajasthan og Kashmir , preget av formalisme og livlig ornamentikk og fargerik. Jahangir fortsatte beskyttelsen, men vendte smaken mot en ny realisme sentrert om planter og dyr, uten interesse for menneskeskikkelsen (maleren Ustad Mansur ).
I Sør-India, ikke underlagt Mughal-riket , fortsatte den kunstneriske tradisjonen i det gamle India, spesielt kulturen til Vijayanagara-imperiet , med hovedstaden Hampi , og andre rivaliserende stater, som Madurai .
Mot nordvest, i Punjab -området , begynte en ny religion, sikhismen , som har sin viktigste kunstneriske bygning i Det gylne tempel .
Det gylne tempel (1588–1604)
Itimad-Ud-Daulah-mausoleet , Agra (1622-1628)
Taj Mahal (1631–1654)
Moti Masjid (perlemoskeen) i det røde fortet i Delhi (1659)
Sentral søyle i Diwan-i-Khas (privat publikumssal) til Akbars fort ved Fatehpur Sikri (1569-1585)
Gopuram fra Meenakshi Amman-tempelet i Madurai (1559-1659) [ 64 ]
Dodo , av Ustad Mansur (ca. 1625)
Idealisert portrett av Nur Jahan , kone til keiser Jahangir (ca. 1725-1750)
Krishna og Râdhâ i en paviljong (ca. 1750)
Den forbudte by i Beijing ble unnfanget av arkitekten Kuai Xiang . Byggingen av det gigantiske komplekset begynte i 1405 og ble fullført i 1410. Det keiserlige palasset er den største trebygningen i verden. Fremragende malere fra Ming-dynastiet (14. til 17. århundre ) var Tang Yin , Wen Zhengming , Shen Zhou , Qiu Ying , Xu Wei eller Dong Qichang . Fremragende malere fra begynnelsen av Qin-dynastiet (1700 -tallet ) var Bada Shanren , Shitao eller Jiang Tingxi . [ 65 ]
Ming -dynastiets porselen
Himmelens tempel (ca. 1420)
Mur av de ni dragene i den forbudte by (opprinnelig bygget mellom 1406-1420)
Paviljong i den forbudte by
Etter snø på et fjellpass , av Tang Yin (1507)
Pao-en Temple , av K'un-ts'an (1664)
Riverbank of Peach Blossoms , av Shitao (slutten av 1600- tallet )
Eleven Doves , av Jiang Tingxi (første tredjedel av 1700 -tallet )
Det forfedres skjønnhetsbegrep i Japan er knyttet til sabi (livets syklus og tidens gang), og dette har ikke endret seg gjennom de påfølgende historiske epoker. Den moderne tids århundrer tilsvarte periodene Muromachi (1336-1573), Azuchi-Momoyama (1568-1603) og Edo (1603-1868). Det var imidlertid svært markante økonomiske, sosiale, politiske og ideologiske endringer. Utvidelsen av Zen -buddhismen ga sin smak for det lille og hverdagslige, syntetisert i syv karakteristikker av dyp kunstnerisk innvirkning: asymmetri, enkelhet, elegant strenghet, naturlighet, dyp subtilitet, frihet og ro . Følelsen av service til samfunnet førte ikke japanske kunstnere til individualismen til vestlig kunst, og tilsynelatende gir de mest subtile kreasjonene bort til lite mer enn dekorativ kunst . Hagene, naturlige former perfeksjonert av mennesker, og kalligrafi, uttrykket for den manuelle gesten i blekk på papir, var det ideelle kjøretøyet for denne spesielle uttrykksevnen. Shinto- og buddhistiske slott og helligdommer er blant de viktigste arkitektoniske formene, men selv disse store konstruksjonene er preget av bruk av organiske og flyktige materialer som må vedlikeholdes og fornyes gjennom generasjoner. Den traumatiske kontakten med Vesten fra 1543 og den totale nedleggelsen av all utenlandsk kontakt i 1641 ( sakoku ) bestemte kontinuiteten i japansk kunstnerisk liv gjennom utviklingen av dets tradisjonelle modeller. [ 66 ]
Japansk fan (ca. 1702).
Katsura Imperial Villa Garden (1615)
Kalligrafi og skildring av Bodhidarma , av Hakuin Ekaku (midten av 1700- tallet )
Skuespillerne Nakamura Shichisaburô II og Sanogawa Ichimatsu , av Ishikawa Toyonobu (ca. 1740)
kunst historie:
Andre steder: