Notasjonshistorien i vestlig musikk strekker seg over rundt 2200 år, [ 1 ] fra de tidligste alfabetiske symbolene i den gresk-latinske verden til de siste trendene innen abstrakt notasjon som brukes i dag. [ 2 ]
Musikknotasjon har alltid vært et delikat og komplekst element, siden det ikke bare skal indikere høyden på lydene , men også de andre parametrene til musikken: varighet , tempo , lydintensitet , karakter , artikulasjon , etc. [ 3 ] Gjennom historien har forskjellige notasjonssystemer dukket opp, ikke bare påvirket av kunstneriske spørsmål, men også av politiske, sosiale og religiøse aspekter. Det er kjent at former for notasjon har eksistert siden antikkens Hellas ; det er imidlertid fra middelalderens musikk , hovedsakelig gregoriansk sang , når det musikalske notesystemet som ville utvikle seg til det nåværende begynner å bli brukt. [ 1 ] I renessansen utkrystalliserte det seg med de mer eller mindre definitive trekkene som vi kjenner det i dag, selv om det – som alle språk – har endret seg i henhold til brukernes uttrykksbehov. [ 2 ]
De forskjellige formene for notasjon og støttene som er brukt har vært svært forskjellige gjennom historien, og er for tiden gjenstand for studier av musikkforskere og musikkhistorikere . De ulike notasjonssystemene vitner om øyeblikkets kunstneriske og kulturelle virkelighet, og er et tegn på menneskets interesse for å bevare kunsten for ettertiden. [ 2 ] [ 4 ]
Så godt som ingenting er kjent om hva som ble komponert eller fremført før det 3. århundre f.Kr. C. og vitnesbyrdene som gir oss informasjon om musikk i Hellas er av forskjellige typer: litterære, historiske, filosofiske eller vitenskapelige skrifter, som beskriver eller refererer på en eller annen måte til musikkens natur, dens regler og dens nyttige krefter; en samling av rundt førti musikalske fragmenter, blant dem skiller Seikilos Epitafiet seg ut , en inskripsjon gravert på en gravstein datert mellom det 2. århundre f.Kr. C. og det 1. århundre e.Kr. C. (representert i margen); [ 5 ] en serie virkelige instrumenter i en svært prekær tilstand samlet i arkeologiske utgravninger, og en rik ikonografi av instrumenter og musikere representert hovedsakelig i vaser , relieffer og mosaikker . [ 6 ]
Fra studiet av fragmentene av musikk som er bevart, er det kjent at rytmen til gresk musikk var svært fleksibel og variert, og ikke søkte isokronisme. Den poetiske meteren bestemte den musikalske rytmen. [ 6 ]
Det første beviset på bruken av en notasjon i Hellas dukker opp i Aristoxenus fra Tarentum , som utviklet sine teorier mellom slutten av det 4. århundre og begynnelsen av det 3. århundre f.Kr. C. Hans hentydninger viser ikke til en aktuell bruk av musikalsk skriving i komponistens praksis, men snarere til dens bruk av teoretikere, så vel som i musikkundervisningen. [ 7 ] Faktisk viser bilder fra antikkens Hellas sjelden en utøver som leser fra en rulle eller et nettbrett mens han spiller. Fra dette og fra de skriftlige dokumentene er det klart at grekerne, til tross for en velutviklet notasjon, lærte musikk hovedsakelig på gehør og improvisasjon var hyppig. [ 8 ]
Musikalsk notasjon i Hellas har nådd våre dager fundamentalt på to forskjellige måter. Den første består av dokumenter med tegn som refererer til musikk og musikalske avhandlinger. Det eldste bevarte fragmentet med notasjon er en papyrus fra 1. århundre f.Kr. C. , der det er en korpassasje fra tragedien til Orestes , hvis original ble skapt av Euripides . [ 9 ]
Den andre dokumentkilden er de såkalte Alipio-tabellene , fra midten av det 4. århundre e.Kr. C. , som gir oss den systematiske, vokale og instrumentelle notasjonen av alle skalaene (modusene) som ble brukt av gresk-romerne. [ 6 ]
I Hellas var det to alfabetiske notasjoner, en for korsang og en for instrumenter. [ 7 ] Instrumentalen var eldre enn vokalen [ 7 ] og dateres trolig tilbake til auletas på 700- og 600 - tallet f.Kr. C. [ 6 ]
De alfabetiske tegnene tjente like mye for stemmen som for instrumentene. Men når det gjaldt vokalmusikk med akkompagnement av instrumenter, ble det joniske alfabetet på tjuefire bokstaver brukt for stemmen, som ikke bare hovedlydene ble oversatt med, men også de kromatiske. [ 6 ]
Alfabetet ble brukt på følgende måte: hver bokstav, plassert vertikalt, tilsvarte en fast note. I tillegg til den opprinnelige posisjonen til karakteren - som en lyd korresponderte med - var det to andre måter å representere bokstaven på: disse tre posisjonene bestod av tre lyder hver. [ 6 ] Grekerne hadde ikke et tonetemperingssystem som det nåværende, og å ikke ha nok historiografisk materiale til å bekrefte hva disse lydene var, er det svært vanskelig å trofast gjenskape disse notene. [ 6 ] Det antas at hver av disse tre posisjonene ble brukt for å fullføre de tre forskjellige tetraakkordene som fungerte som grunnlaget for skalaene: diatonisk tetrachord (toner uten tilfeldigheter ), kromatisk tetrachord (toner endret av halvtoner ) og den enharmoniske tetrakorden ( hevet tonen på en slik måte at den var nærmere den nedre tonen enn tonen som tilfeldigheten kom fra). [ 6 ] Dette systemet kjente ikke selve skalaene, men var basert på repetisjonen av disse tetrakordene for å utdype den komplette greske skalaen av to oktaver. Den originale instrumentale notasjonen bestod av femten bokstaver, tilsvarende to oktaver. [ 7 ]
Med alfabetet ble aspektet ved å representere tonehøyden til lyder løst. For problemet med varigheten deres ble det laget en serie konvensjonelle tegn basert på lange og korte toner, som senere skulle bli de rytmiske modusene. [ 6 ]
Den greske notasjonen ble adoptert av Romerriket , i hvis hovedstad, Roma , den har blitt bevart i et dusin dokumenter, transkribert flere ganger av forskjellige spesialister. [ 6 ]
Etter oppløsningen av Romerriket (i 476) og oppkomsten av det store østlige skisma (i 1054), etablerte det bysantinske riket sin hovedstad i Konstantinopel , og tok definitivt avstand fra Romas makt , både politisk og religiøst. [ 10 ]
Denne politisk-religiøse separasjonen hadde en avgjørende effekt på kulturen og kunsten i det bysantinske samfunnet, noe som forsterket dets eksklusive egenskaper. På denne måten skilte det musikalske notesystemet som ble brukt i Byzantium seg gradvis fra det romerske, selv om begge hadde gresk opprinnelse. På den annen side inkorporerte den bysantinske notasjonen, også av alfabetisk karakter, østlige elementer, på en slik måte at tegnene som ble brukt allerede var svært forskjellige fra de greske originalene på midten av 1100-tallet . [ 10 ]
Bysantinsk notasjon var ment som et minnehjelpemiddel, mens overføringen av sanger ble utført muntlig. Det er ekfonetiske tegn for lesningene og neumes for sangene, som ikke angir faste tonehøyder, men intervaller, og også rytmer og utførelsesmåter. Tolkningen av primitive neumer er vanskelig, spesielt fra 900-tallet . [ 10 ]
Disse bysantinske skiltene fortsetter å bli brukt i notasjonen til sangene fra den liturgien , men i en forenklet versjon, takket være reformen som ble utført i 1821 av biskop Crisanto. [ 10 ]
Det er bevis på at den romerske liturgien , innenfor den tidlige kirken , ble etablert på begynnelsen av 800-tallet fordi tekstene på den tiden ble skrevet ned. Imidlertid ble melodiene overført muntlig, uten å etterlate en skriftlig plate, på en slik måte at bare ett fragment av kristen musikk er bevart før Karl den Store : en hymne til den hellige treenighet fra slutten av det tredje århundre , funnet i en papyrus fra Oxyrhynchus ( Egypt ) og skrevet i gammelgresk notasjon. Imidlertid hadde denne notasjonen blitt glemt før det 7. århundre , da den hellige Isidore av Sevilla (560-636) skrev at "med mindre lyder huskes av mennesket, går de til grunne, fordi de ikke kan skrives ned". [ 11 ]
Hvordan sangmelodier ble skapt og overført uten å bli skrevet ned har vært gjenstand for dedikerte studier og mye kontrovers. Noen av de enkleste og mest sungede melodiene var i stand til å spre seg bokstavelig talt. Men korpuset av gregoriansk sang består av hundrevis av forseggjorte melodier, noen av dem synges bare en gang i året. [ 12 ] Noen forskere antyder at mange sanger ble improvisert uten strenge konvensjoner, etter en gitt melodisk kontur og ved å bruke formler for åpning, lukking og ornament, passende for en bestemt tekst eller til et bestemt øyeblikk av liturgien. En viss parallellisme finnes i den jødiske kantillasjonen og i den bysantinske centoniseringen, begge muntlige tradisjoner før de ble fastsatt skriftlig. [ 11 ]
Individuell variasjon var ikke bra hvis sangene måtte tolkes på samme måte i alle kirkene i et enormt område, slik paven og de frankiske kongene ønsket. I løpet av 800-tallet , i Roma , ble det gjort forskjellige forsøk på å standardisere melodiene og trene frankiske sangere som var i stand til å gjengi dem med total nøyaktighet. Men fordi denne prosessen var avhengig av hukommelse og læring på gehør, endte melodiene opp med å bli modifisert over tid, som rapportert av tiden. Derfor ble oppfinnelsen av en notasjon for musikk avgjørende. [ 12 ] [ 13 ] [ 14 ] [ 15 ]
Det jødiske samfunnet i Europa hadde sine egne musikalske tradisjoner. I synagoger ble salmesangen vanligvis gjort på en responsorisk måte mellom en leder og menigheten. Lesingen av de hebraiske skriftene ble toner av en solist som brukte et system med kantillasjon . Melodiene ble ikke skrevet ned, selv om en notasjon kalt te'anim ble utviklet på begynnelsen av 900-tallet for å indikere aksenter, tekstinndelinger og passende melodiske mønstre. Det ble forventet at sangere improviserte fra denne notasjonen, ved å stole på melodiske formler arvet av muntlig tradisjon og fritt legge til ornament. [ 16 ]
De eldste bevarte sangbøkene med musikalsk notasjon er fra slutten av 900-tallet , men deres betydelige overlapping har antydet for forskere at notasjon allerede kan ha vært i bruk på Karl den Stores tid eller kort tid etter. [ 12 ] Notasjonen oppsto som en måte å oppnå ensartethet og et middel til å opprettholde denne ensartetheten. [ 18 ] [ 19 ]
I tidlig notasjon ble tegn kalt neuma ( latin for "gest") plassert over teksten for å indikere antall toner i hver stavelse og om melodien steg, falt eller gjentok samme tonehøyde. [ 12 ] [ 13 ] [ 20 ] [ 21 ] Disse neumene kan ha vært avledet fra tegn på bøyning og aksent, [ 20 ] og stavemåten deres er basert på håndens bevegelser når du styrer musikken (kironymisk bevegelser). I dag har muligheten for at den pneumatiske notasjonen ble født for å fikse repertoaret til den latinamerikanske mozarabiske ritualen blitt studert . [ 22 ] [ 23 ] Neumene indikerte ikke tonehøyder eller intervaller, men fungerte som mnemoniske regler som indikerte riktig profil av melodien, så disse måtte fortsette å læres på gehør: [ 12 ] [ 20 ] Denne typen løs notasjon kalles "adiastamatisk" (se gjengivelse av høyre marg). [ 13 ] [ 24 ]
På 900- og 1000 -tallet plasserte kopistene neumes i forskjellige høyder for å indikere den relative størrelsen og retningen til intervallene . [ 13 ] [ 21 ] Disse nemmene ble kjent som "nøymer med nøyaktig høyde" eller "distematiske neum". [ 20 ] [ 22 ] [ 25 ] De viktigste var: [ 13 ]
Andre avledet fra disse to tegnene, for eksempel pes , som tilsvarer to stigende lyder; clivis , to synkende lyder; torculus , to stigende lyder og en lav, og porrectus , i motsetning til den forrige; [ 13 ] Custos , en liten lapp uten tekst, som indikerer høyden på begynnelsen av neste linje, ble også brukt. [ 21 ] Dette systemet med pneumatisk notasjon ser ikke ut til å ha blitt utviklet før på 800-tallet , men på 900-tallet kom det i vanlig bruk. [ 13 ] [ 24 ] [ 18 ]
I skriftene til Al-Mamun (786-833) og Ishaq Al-Mausili (d. 850) ble det brukt en musikalsk notasjon basert på bokstavene i det arabiske alfabetet :
| arabiske bokstaver | ﻡ mīm | ﻑ fāʼ | ﺹṣād | ﻝ lam | ﺱ ja | ﺩ dāl | ﺭ rāʼ |
|---|---|---|---|---|---|---|---|
| Musikalske noter | meg | fa | sol | de | Ja | gjøre | re |
I løpet av denne perioden med islamske bidrag i middelalderens Europa , komponerte den friuliske benediktinermunken Paul the Deacon (720-800) salmen Ut queant laxis (også kalt Hymne to Saint John the Baptist ). I den innledende stavelsen til hvert vers satte han det arabiske navnet på notatene, selv om han brukte do som startnoten , som han ga nytt navn til ut . Frasene i denne salmen, på latin , er som følger:
| Merk | original latinsk tekst | Oversettelse |
|---|---|---|
|
Ut queant laxis |
For at
disse tjenerne dine kan |
Dette durr-i-mufassal-systemet ('atskilte perler') ble brukt i verkene til Al-Kindi (d. 874), Yahia Ibn Ali Ibn Yahia (d. 912), Al-Farabi (870-950), Ibn Sina (d. 1037), Al-Hussain ibn Zaila (d. 1048) og andre.
Manuskriptavskriveren av Gradual Viderunt omnes (kopiert i andre halvdel av 1000-tallet ) tegnet en horisontal linje på pergamentet som tilsvarer en bestemt note og orienterte neumene rundt den linjen, som i manuskriptet tilsvarte noten la . I andre manuskripter ble linjen markert med bokstaven som tilsvarer noten den representerte, nesten alltid F ( fa ) eller C ( do ), som senere utviklet seg til nøklene som brukes i dag. [ 15 ] [ 22 ] [ 25 ] [ 27 ]
Den italienske benediktinermunken Guido de Arezzo (992-1050) "betraktet som faren til musikalsk notasjon fordi han utviklet en notasjon innenfor et mønster på fire linjer ( tetragrama ), og ikke bare én som ble gjort tidligere - utarbeidet en tilnærming til notasjonsstrømmen , og populariserte navnene som ble brukt i diakonens salme til døperen Johannes . Imidlertid unntok han den syvende tonen, si , som var en variabel tone og kunne gi opphav til tritonen , som på hans tid ble ansett som et diabolsk intervall ( diabulus i musikk ) .
Guido av Arezzo brukte et spesielt mnemonisk skjema i form av en hånd, kjent som den " guidonske hånden " (se illustrasjon i margen). I tillegg foreslo han et arrangement i linjer og mellomrom, ved å bruke en linje med rødt blekk som tilsvarte fa og en annen med gult blekk for do . [ 20 ] Dette opplegget var ganske vellykket og ga opphav til tetragrammet , forløperen til det moderne pentagrammet . [ 21 ] [ 22 ] I tillegg ble formen på nemmene endret og skiltene ble markert med større kraft, på grunn av at spisse skrivepenner ble erstattet med andre med skråkanter. Alle disse neumes ble transformert til de ga opphav til kvadratnotasjonen . [ 15 ] [ 20 ] [ 22 ] [ 24 ]
I 1680 antok Franciszek Meninski (1623-1698), i sin Thesaurus linguarum orientalum , at solfeggio-stavelser (do, re, mi, fa, sol, la, si) kunne ha blitt avledet fra stavelsene i det arabiske systemet durr-i -mufassal ('atskilte perler'): dāl, rā', mīm, fā', ṣād, lām, tā' , under tiden med islamske bidrag til middelalderens Europa .
I 1780 fremsatte Jean-Benjamin M. de Laborde (1734-1794) det samme i sin Essai sur la musique ancienne et moderne . [ 28 ] [ 29 ] [ 30 ]
Guillaume Andre Villoteau (d. 1839), [ 26 ] en fransk lærd som var en del av Napoleons ekspedisjon til Egypt, antydet at Guido D'Arezzo var påvirket av muslimsk notasjon . [ 31 ]
Rundt 1500-tallet la Anselm av Flandern til musikknoten si , avledet fra de første bokstavene i Sancte I oannes . På 1700-tallet erstattet den italienske musikkforskeren Giovanni Battista Doni –for å unngå kompleksiteten forårsaket av bokstaven “t” i ut , og på jakt etter en stavelse som slutter på en vokal for å lette solfeggio – navnet på ut med originalen. navn på den arabiske noten: dāl . Han modifiserte det litt for å ligne begynnelsen på sitt eget etternavn: do (som også har blitt laget for å komme fra Dóminus eller ' Herre '). I Frankrike brukes navnet ut fortsatt for tekniske eller teoretiske termer (for eksempel trompette en ut eller clé d'ut ), selv om enstavelsen do brukes om solfeggio .
Også i denne prosessen ble en femte linje lagt til de fire som ble brukt til å skrive musikk, og kom frem til den formen vi kjenner den i i dag, kalt en stav .
Etter disse reformene og modifikasjonene ble notatene de som for øyeblikket er kjent:
Eksemplet ovenfor viser en C -dur skala . For tiden består den diatoniske musikalske skalaen (uten endringer eller endringer i tonalitet ) av syv lyder. Når det gjelder den nevnte C - dur-skalaen , er notene som følger:
Når det gjelder måten å angi notenes varighet på, er det noen manuskripter som inneholder tegn som indikerer rytmiske verdier, selv om det er svært sannsynlig at sangen var relativt fri i forhold til metrikk. [ 22 ] [ 32 ] [ 33 ] Uansett, det største problemet i forhold til plainchant angår dens rytmiske tolkning, på grunn av unøyaktigheten i den pneumatiske notasjonen i denne forstand, motivert av det faktum at kopistene la mer vekt til den melodiske vendingen, og neglisjerer de rytmiske indikasjonene. Dette problemet kan til en viss grad løses med en god deklamasjon av teksten. [ 15 ] [ 18 ] [ 24 ] [ 34 ]
På slutten av 1800-tallet og begynnelsen av 1900-tallet utarbeidet benediktinermunkene i klosteret Solesmes ( Frankrike ), spesialister i gregoriansk sang, moderne utgaver av plainchant, proklamert i 1903 som offisielle utgaver av Den hellige stol av paven Pius X. _ I disse utgavene brukte de en modernisert form for pneumatisk notasjon. [ 15 ] [ 35 ] [ 36 ]
På slutten av 1100-tallet utviklet komponister fra Notre Dame -skolen , for første gang siden antikkens Hellas, en notasjon som indikerer lengden på noter, som ble brukt på all polyfonisk musikk til langt ut på 1200 -tallet. beskrevet i en avhandling tilskrevet Johannes de Garlandia . [ 37 ] I stedet for å bruke formen på noter for å indikere deres relative varighet, brukte de kombinasjoner av grupper av noter, kalt slurs, for å indikere longa (lang note) eller breve (kort note) mønstre. Det var seks grunnleggende mønstre, kalt "moduser" av Garlandia, som ble identifisert med et tall: [ 37 ] [ 38 ] [ 39 ]
Navnene på de metriske føttene til fransk eller latin versus ble også brukt på det : trocheo , yambo , dactylus , anapesto , spondeus og tribrachio. [ 37 ] Den grunnleggende tidsenheten (kjent som en tempus ), transkribert her som en åttendenote , ble alltid notert i grupper på tre. Modus 1 og 5 var de vanligste og tilsynelatende de eldste. Modus 4 ble sjelden brukt og kan ha blitt inkludert for å fullføre systemet. [ 39 ] På den annen side ble mindre rytmer tenkt som en "fraksjonering" (fractio) av de vanlige modale verdiene, og ble indikert med tilleggsnoter ispedd slurrer, eller ved tilføyde diamanter (currentes) . [ 38 ]
I teorien besto en melodi komponert i en bestemt modus av repetisjoner av mønsteret, hvor hver frase endte med en pause . Men en slik melodi kunne være monoton, så i praksis var rytmen mer fleksibel. [ 39 ] [ 40 ]
De polyfone motettene på slutten av 1200-tallet var for det meste stavelsesformede, det vil si at hver stavelse krevde en egen note. Dermed kunne slurre ikke lenger brukes til å indikere rytme, noe som nødvendiggjorde oppfinnelsen av et nytt system for notering av musikk. [ 18 ] [ 41 ]
Franco av Köln , en komponist og teoretiker, kodifiserte det nye systemet, kalt frankisk notasjon etter ham, i sin avhandling Ars cantus mensurabilis . [ b ] For første gang ble relative varigheter sendt av notatskjemaer. [ 42 ] Det var fire tegn: [ 43 ] [ 44 ]
Frankisk notasjon var basert på ternære grupper som startet fra den grunnleggende enheten, tempus : tre tempora utgjør en perfeksjon, lik en tretakts takt. [ 18 ] [ 43 ] [ 44 ]
Notasjon tillot komponister større frihet og rytmisk variasjon, noe som gikk et skritt videre med Petrus de Cruce (1270-1300), som de tre stemmene til motettene begynte å utvikle seg med i hastigheter som var ganske forskjellige fra hverandre. [ 43 ] [ 45 ]
Ars Nova , en fransk musikalsk stil som ble innviet av Philippe de Vitry ( 1291-1361) på 1310-tallet og fortsatte inn i 1370 -årene , skiller seg fra tidligere stiler ved utseendet til to nyvinninger innen rytmenotasjon, beskrevet i avhandlingen Ars nova de Vitry og i avhandlingene til Jehan des Murs . Den første innovasjonen tillot dobbel ("imperfekt") divisjon i motsetning til tradisjonell trippel ("perfekt") divisjon; den andre muliggjorde inndelingen av halvbrevet , inntil da den lavest mulige verdien av en seddel, i minima . [ 46 ] [ c ] Det resulterende systemet tilbød nye taktarter og tillot mye større rytmisk fleksibilitet, inkludert, for første gang, synkopering . [ 46 ] Rundt 1340 vurderte Des Murs en ytterligere innovasjon, «mensurasjonstegnene», forgjengere til dagens kompasstegn. [ 18 ] [ 47 ]
Den flamske teoretikeren James av Liège (1260-etter 1330) forsvarte energisk den "gamle kunsten" ( ars antiqua ) på slutten av 1200-tallet i sin avhandling Speculum musicae [ d ] mot nyere nyvinninger: [ 48 ] "In where this lewdness of song er så behagelig, denne overdrevne raffineringen, som, som noen tror, ord går tapt, harmonien i konsonanser reduseres, verdien av noter endres, perfeksjon forringes, ufullkommenhet opphøyes og målestokken forvirres?» [ 49 ]
I Ars Nova - notasjon kunne tidsenheter danne grupper på to eller tre toner, med forskjellige varighetsnivåer, noe som muliggjør en mye bredere variasjon i rytmene som kan skrives. Longa , breve og semibreve kan deles inn i to eller tre toner med den nest minste verdien. Inndelingen av longa ble kalt «modus» (modus) , den for den korte «tiden» (tempus) og den for den halvkorte « prolasjonen » (prolatio) . Divisjonen var perfekt eller dur (maior) hvis den var trippel, ufullkommen eller moll (moll) hvis den var dobbel. [ 18 ] [ 50 ]
De fire mulige kombinasjonene av tid og proporsjon gir opphav til fire ulike mål. Over tid ble tid og prolasjon indikert med en rekke måletegn: en sirkel for den perfekte tiden eller en ufullstendig sirkel for den uperfekte, med en prikk for den større prolasjonen og uten den for den mindre prolasjonen. [ 18 ] [ 51 ] Noen ganger ble et system med seks linjer eller heksagram brukt. [ 52 ]
I notasjonen til Ars Nova kan formen på hver tone indikere dens spesielle varighet, som forble uendret av notene rundt den. [ 18 ] [ 51 ]
Formen på notene i Ars Nova -notasjonen er den samme som i frankisk notasjon, med tillegg av minima. I begge systemene fortsatte ligaturer å bli brukt for visse kombinasjoner av lang og kort, slik tilfellet hadde vært siden Notre Dame-notasjonen. [ 18 ] [ 53 ]
På 1400-tallet fortsatte Ars Nova - notasjonen å bli brukt , selv om det ble gjort noen endringer i skrivemåten til notatene. Således, rundt 1425, begynte avskrivere å skrive notater med hule hoder (denne notasjonen kalles noen ganger "hvit notasjon") i stedet for å fylle hvert hode med blekk ("svart notasjon"). [ 46 ] Denne forvandlingen kunne ha funnet sted fordi kopistene på den tiden gikk fra å skrive på pergament, skrapet på saueskinn eller geiteskinn , til å skrive på papir ; å fylle inn svarte notater på den grove overflaten av papiret økte risikoen for at blekk sprutet eller renner nedover papiret, og ødelegger hele siden. [ 54 ]
Renessansekomponister la til enda kortere noteverdier, hver halvparten så lang som noten rett over den, fylte hodet på en minima for å lage en " semiminima " og la til en eller to markører til semiminima for å lage " fusa " og " semifusa " . [ 54 ] [ 55 ]
På slutten av 1500-tallet forvandlet den romboide formen til noter i renessansenotasjon til de runde hodene som brukes i dag, mens ligaturer falt ut av bruk. Tastene ble brukt for å tilpasse lesingen til hver vokal tessitura , med sikte på at leseområdet ikke skulle gå for langt utenfor personalet. Selv om nøkler har blitt brukt siden 1100-tallet , var det på 1500-tallet at bruken ble regulert. [ 55 ] Barlinen ble lagt til på 1600-tallet . [ 54 ] [ 56 ]
Renessansen så også utseendet til tablatur , en måte å grafisk representere håndens posisjoner når man tolker de forskjellige akkordene på et plukket strengeinstrument (se eksempel på venstre marg), for eksempel lut eller teorbo , eller tastatur ( se eksempel i høyre marg). Tabellene var veldig enkle å forstå og gjorde det mulig for amatører å opptre. [ 57 ] [ 58 ]
Orgeltabeller var praktiske reduksjoner av stemmene i et mønster og med bokstaver eller figurer . Det var flere typer tabeller, avhengig av land: [ 59 ]
Når det gjelder luttabulaturen, besto disse av en skrift av posisjoner: Tabulaturen representerte et system på seks linjer som var bildet av instrumentets strenger, med den laveste plassert øverst, tilsvarende posisjonen til gripebrettet. . Tallene mellom taktlinjene indikerte båndet som skulle tråkkes på, og stilkene på notene indikerte varigheten. [ 59 ] Disse tablaturene ble spesielt populære på 1600 -tallet i England , i lutsanger eller lutsanger. [ 60 ] [ e ]
Så tidlig som i barokken begynte både den berømte franske orgelskolen og franske lutenister å bruke agréments , ornamenter designet for å understreke viktige toner og gi melodier karakter. Disse ble et grunnleggende element i fransk musikk og ble lagt til av tolkene på en fri og improvisert måte. Kort tid etter gikk bruken av agrémenter over i vokalmusikk. [ 61 ]
På 1600-tallet ble bruken av den kontinuerlige bassen (på italiensk , basso continuo ) også popularisert , et system der komponisten skrev melodien eller melodiene og basslinjen, men overlot utfyllingen av akkordene og stemmene til utøverne egnet interiør. Når akkordene som skulle spilles var forskjellige fra de vanlige treklangene i deres rottilstand, eller det var nødvendig å legge til ikke-akkordtoner eller tilfeldigheter, pleide komponisten å legge til figurer over eller under bassnotene for å indikere de nødvendige tonene. Denne notasjonen er kjent som figurbass . [ 62 ] [ 63 ]
I skrivingen av den figurerte bassen var det noen konvensjoner: en tone uten figur indikerte at en tredje og en kvint skulle legges til, når bare en 3 eller en 4 dukket opp, skulle den femte også spilles, en 6 eller en 7 også antydet en terts, de tilfeldige tilfeldighetene ble indikert med det tilsvarende tegnet ved siden av figurene, en tilfeldig tilfeldig uten figur påvirket tredjedelen av akkorden (se figurene og deres ekvivalenser i margtabellen). [ 64 ]
Gjennom andre halvdel av 1700-tallet fortsatte den tradisjonelle rundhodenotasjonen å bli brukt, med knapt noen nyvinninger i denne forbindelse. Det var imidlertid en periode hvor bruken av tilleggstegn og uttrykk som indikerte dynamikken i hver passasje spredte seg. På sin side fortsatte den barokke figurbasen å bli brukt i continuoen, men avtalene fra forrige etappe ble gradvis forlatt . [ 3 ]
På 1800-tallet fortsatte tradisjonell notasjon å bli brukt i instrumentalmusikk, men barokkpraksis ble definitivt forlatt, for eksempel skriving av figurerte basser, motivert av ubruken instrumenter som cembalo hadde falt i siden slutten av 1700-tallet , da de ble ansett som utdaterte. I tillegg endret de dominerende teksturene og formene seg , det store orkesteret dukket opp og figuren til den profesjonelle dirigenten dukket opp , uavhengig av utøvernes. [ 65 ]
Parallelt oppsto på dette stadiet en økende interesse for tidlig musikk, spesielt fra renessansen og barokken . I denne sammenhengen fant urfremføringen av lidenskapene til Johann Sebastian Bach av Berlin Singakademie sted , samt publiseringen i mange utgaver av gregorianske sangstykker. Den katolske kirke fremmet aktivt, fra midten av århundret, komposisjonen av en akkompagnert kormusikk, i en stil inspirert av Palestrina . Anglikanske musikere gjenopplivet klassikerne i sin tradisjon, de russisk-ortodokse gjenopplivet sin hellige musikk, og afroamerikanske kirker utviklet sine egne musikkstiler. [ 66 ]
På denne måten, spesielt i amerikanske protestantiske kirker, dukket det opp et nytt notasjonssystem som reflekterte den nye stilen til vokalmusikk, preget av sin enkelhet og av homofoni . Korledere publiserte nye og gamle sanger i slike samlinger som Kentucky Harmony (1816), The Southern Harmony (1835) og The Sacred Harp (1844). Tradisjonen med å tolke denne musikken er kjent som form-notesang eller 'synge i henhold til notens form', i kraft av notasjonen som brukes i disse samlingene, der formen på hodet til notene indikerte stavelsene til solmization , og dermed tillater en enkel siktlesing av stemmene. [ 67 ]
Dette notasjonssystemet er en genial amerikansk gjenoppfinnelse av stavelsene introdusert på 1000-tallet av Guido av Arezzo (se ovenfor). Vanlige mennesker sang ved å bruke disse samlingene i kirken og på lokale og regionale sammenkomster, og brukte solm-stavelsene første gang i hver sang og deretter sang dem gjennom versene . [ 68 ]
Notasjonssystemet ble imidlertid bare brukt til religiøs vokalmusikk fra noen amerikanske kristne samfunn. I resten av musikken som ble produsert på den tiden ble den tradisjonelle runde notasjonen brukt, den som brukes i dag, og fikk også stor betydning for tegn og symboler som indikerer dynamikk , tempo og agogikk . [ 68 ]
I det århundret begynte nye avantgardestrømninger å dukke opp i musikken, som ofte førte til endringer i notasjon, normalt knyttet til eksperimentering og søken etter nyhet, samt manglende evne til å reflektere de nye musikalske effektene gjennom musikk. notasjon. [ 69 ] På denne måten har det siden 1950 -tallet dukket opp forskjellige grafiske notasjonssystemer, alt fra en serie symboler som ligner de som tradisjonelt brukes til sofistikerte fullfargenotasjoner (symbolsk notasjon) der den grafiske transformasjonen er total, uten referanser til det konvensjonelle notesystemet og som i mange tilfeller søkte mer å overraske visuelt enn å nøyaktig reflektere musikken som skulle fremføres. [ 4 ] [ 70 ] [ 71 ] [ 72 ] [ 73 ]
På den annen side er det ingen konvensjoner angående symbolene eller tegnene som brukes, så hver komponist eller skole har sitt eget notasjonssystem; Parallelt med fremveksten av disse nye stavemåtene har det dukket opp tolker og musikalske grupper spesialiserte på studier og tolkning av grafiske partiturer. Til dags dato er det få, men viktige, forsøk fra noen forfattere på metodisk å klassifisere denne nye grafiske trenden i dagens komposisjonsteknikker, for å legge grunnlaget for en ny notemetode. [ 4 ] [ 70 ] [ 71 ] [ 72 ] [ 74 ]
Den amerikanske komponisten John Cage var banebrytende for det han kalte ubestemthet, en tendens der komponisten lar visse aspekter av musikken være uspesifisert. Han hentet noe av denne ideen fra arbeidet til vennen Morton Feldman , som i stykker som Projection 1 for cello (1950) brukte grafisk notasjon for å indikere klangfarge , register og varighet i generelle termer, i stedet for å spesifisere nøyaktig. noter og varigheter nøyaktig. [ 75 ] Cages Concerto for piano og orkester (1957-1958) viser seksti-tre sider med ulike typer grafisk notasjon, beregnet på å fremføres av utøverne i henhold til instruksjonene i partituret; de nøyaktige lydene som genereres varierer betydelig fra ytelse til ytelse. [ 75 ] [ 76 ] Et annet eksempel på Cages bruk av grafisk notasjon er Variations IV (1963), der han bruker gjennomsiktige plastark med linjer, prikker og andre symboler, som legges tilfeldig over hverandre og leses senere som notasjon. [ 77 ]
Mange komponister adopterte en form for ubestemthet under påvirkning av Cage. Dermed skrev Earle Brown Available Forms I (1961) for atten spillere og Available Forms II (1962) for stort orkester; i dem tolker tolkene fragmenter ferdig skrevet i partituret, men med en viss valgfrihet i tonene, i rekkefølgen og tempoene bestemt av orkesterets dirigent. [ 78 ]
Et annet eksempel er partituret til Klavierstücke XI [ f ] (1956) av Karlheinz Stockhausen , som består av et enkelt, stort ark med nitten korte musikkstykker som skal spilles etter hverandre etter hvert som utøverens blikk fanger det. kom opp med ett. etter en annen. Det er gitt veibeskrivelse for valg og kobling av segmentene; det er ikke nødvendig å spille alle, alle kan gjentas, og stykket avsluttes etter at pianisten har spilt et hvilket som helst segment en tredje gang. [ 78 ]
Krzysztof Penderecki brukte også en type grafisk notasjon i noen passasjer av sitt verk Treno a las Victimas de Hiroshima (1960) [ 78 ] for femtito strengeinstrumenter, basert på teksturer og prosesser, der få pulser eller pulser er gitt. noter verdier og måler i stedet tiden i sekunder. [ 79 ]
Verdt å nevne er også den greske komponisten, arkitekten og ingeniøren Iannis Xenakis , som baserte musikken sin på matematiske konsepter. I Metastaseis [ g ] (1953–1954) ga han hver strykespiller i orkesteret en egen del å spille og plottet musikken i en rekke diagrammer, som antydet de resulterende lydene. [ 80 ]
Innen elektroakustisk musikk har noen artister laget visuelle partiturer for å illustrere forskjellige stykker som faller innenfor denne trenden. Dermed skapte den tyske kunstneren Rainer Wehinger på syttitallet et partitur for verket Artikulation [ h ] av György Ligeti , der visse ukonvensjonelle aspekter er angitt, som foredragsholderne som er aktive i hvert øyeblikk. Denne typen noter søker imidlertid ikke å tjene som støtte for musikken, for å kunne fremføre den senere, men prøver heller å reflektere et allerede skapt stykke. [ 76 ] [ i ]
I det 21. århundre har det dukket opp komponister som har vært positive til bruken av denne typen grafisk notasjon. I den aktuelle sammenhengen er det verdt å nevne de spanske komponistene Manuel Castillo , Jesús Villa Rojo og Ramón Roldán , som benytter seg av notasjonssystemer basert på suggestion, ved hjelp av hvilke de søker å gi tolken en viktigere rolle i det musikalske resultatet endelig. [ 69 ] [ 72 ] [ 76 ]