Cello

Cello
Karakteristisk
Klassifisering buet strengeinstrument
Relaterte instrumenter
område
musikere
  • cellister

Cello eller violoncello (ofte forkortet til begrepet cello ) er et musikkinstrument med buet streng , som tilhører fiolinfamilien . Innenfor denne familien av orkesterinstrumenter, på grunn av sin størrelse og register , inntar celloen en plass mellom bratsjene , kontrabassene og oktabassen . Det er et av de grunnleggende og grunnleggende instrumentene til orkesteret innenfor gruppen av strenger, som normalt fremfører bassdelene, selv om dens allsidighet også lar instrumentalistene som spiller det tolke melodiske deler. Celloen kan også spilles i salsa . Det regnes tradisjonelt som et av strengeinstrumentene som ligner mest på den menneskelige stemmen . [ 1 ]​ [ 2 ]

Gjennom musikkhistorien har mange verk blitt komponert for cello på grunn av dens store betydning innenfor musikkscenen da dette er et grunnleggende instrument i mange instrumentalformasjoner (spesielt i kvartetter ).

I følge RAE kalles utøveren av en cello "cellist", [ 3 ] "cellist" [ 4 ] eller "cellist". [ 5 ]​ Cellisten spiller cello sittende på en stol eller krakk, holder instrumentet mellom bena (støtter det på bakken ved hjelp av en metallstamme kalt en gjedde, strut, tenon eller pivot) og gnir strengene med en bue .

Etymologi og korrekt terminologi i det spanske språket

Begrepene "cello" og "cello" kommer fra det italienske navnet violoncello . [ 6 ] Det er vanlig å omtale instrumentet med aferesen «chelo», men i skriftspråket må det staves etter det spanske språkets stavemåte («chelo»). Stavemåten " cello " (også uttalt som "chelo") er typisk for det italienske språket og utgjør en feil i det spanske språket.

Derfor er begrepene "cello", [ 7 ]​ "cello" [ 6 ]​ og "cello" korrekte. [ 8 ] De er feil, blant annet begrepene "violoncello", "violoncello" eller "cello".

På den annen side bør ikke celloen kalles en "fiolin". Begrepet "fiol" er et synonym for et større instrument: kontrabassen . [ 9 ]

Beskrivelse

Generelt

Når det gjelder dens fysiske egenskaper, er delene som utgjør en cello de samme som resten av fiolinfamilien, klassifisert innenfor buede strengeinstrumenter .

Klangplaten, eller kroppen til celloen, består av et øvre lokk, et nedre lokk og en fascia , som er en treseksjon som forbinder begge lokkene og skaper en hul boks. Inne i denne kroppen, på toppen, ved siden av bassstrengene, er den harmoniske stangen hvis funksjon er strukturell forsterkning, mens den tjener til å kontrollere og distribuere vibrasjoner (lyd), og overføre lyder til toppen; og sjelen , en tverrgående trestang som forbinder de to toppene av celloen på siden av diskantstrengene, som tjener til å modifisere og balansere responsen til de fire strengene. I det øvre lokket er det to hull - kalt "efes" (på grunn av formen som ligner på denne bokstaven) eller "ører" - på begge sider (med hensyn til strengene) som en del av lyden kommer ut gjennom . Sett forfra ligner hoveddelen av kroppen en "8", på grunn av to hakk, som er konkaviteter som gir et bedre grep om instrumentet med knærne, og fremfor alt gir baugen bevegelsesfrihet slik at den kolliderer ikke med kroppen når de mest laterale strengene spilles, i dette tilfellet C og A.

En forlengelse kalt mast eller nakke er festet til kroppen. Startende fra toppen, først er det hodet med rullen (også kalt en snegl ) og knaggboksen, hvor tappene er satt inn , som tjener til å holde strengene og regulere spenningen deres; På toppen av dette og som strekker seg nesten til broen er gripebrettet , en båndløs hardtreplate (på samme måte som resten av instrumentene i fiolinfamilien, og i motsetning til gitaren ) som brukes til å "tråkke på" strengene, og oppnå forskjellige toner . Plassert litt under midten av instrumentkroppen, er broen og litt under halestykket (som holder strengene og hjelper til med å stemme celloen, siden tangentene er inkludert der ( microtuner ), små metalldeler med samme fungerer som pinnene). Knappen er innebygd i den nedre delen, hvorfra piggen eller stiveren (også kjent som piggen) kommer ut, som er et metallstykke, hvis funksjon er å støtte instrumentet på bakken og regulere dets høyde for cellistens komfort.

Selv om standard profesjonell cellostørrelse er 4/4, finnes det andre instrumenter i mindre størrelse som 3/4, 1/2, 1/4 eller 1/8. Celloer hadde opprinnelig, i barokken, en kortere hals, en tynnere harmonisk takt og en kortere klangbunn enn moderne celloer.

Bridge

Broen er et trestykke som ligger mot midten av toppen av celloen og som de fire strengene hviler på. Den må være i en litt skrånende posisjon mot halestykket og i samme avstand fra de to f-ene. Den er ikke limt eller spikret til toppen, men holdes fast takket være trykket som utøves av strengene. Dens øvre del er buet, noe som betyr at de fire strengene langs halsen og gripebrettet ikke er i samme plan. Barokkcellobroer var mindre og hadde mindre buede topper. [ 10 ] Det finnes ulike modeller av broer, blant dem skiller den belgiske broen og den franske broen seg ut. Den franske broen gir en mindre lys og tykkere lyd, mens den belgiske broen gir en lysere lyd og større lydprojeksjon.

Strenger og stemming

Strengene er navngitt i henhold til stemningen: den første strengen (teller fra den høyeste til den laveste og fra høyre til venstre i bildet) er A , den andre strengen er D , den tredje strengen er G og den fjerde strengen er do ( Cello strings.ogg ( ? · i ) ). Samme som bratsj , men en oktav lavere. [ 11 ]  

Celloens generelle register opptar litt mer enn syv oktaver : den går fra C 2 , to oktaver under den sentrale C -en på pianoklaviaturen og genereres ved å vibrere — med fingeren eller buen — den laveste strengen til luften, som betyr uten å hvile noen fingre på strengen på halsen, opp til C 7 (i den høyeste posisjonen på den første strengen de 3 ), selv om høyere toner (høyere) kan oppnås, da det ikke er noen fysisk begrensning. En annen metode for å få veldig høye toner er med harmoniske . Det er to typer harmoniske: Den første, kalt naturlige harmoniske, produseres ved å spille — og ikke trykke — på strengen i brøkene (1/2, 1/3 eller 2/3, 1/4...). Sekundene, kalt kunstige harmoniske, er en kombinasjon av å trykke på strengen og spille den på et annet punkt. Sistnevnte er de vanskeligste å få tak i.

Når cellostrengene avgir alvorlige lyder, skrives partiturene vanligvis ikke i diskantnøkkelen, men det vanligste er å skrive og lese dem i bassnøkkelen i fjerde linje av staven, som er symbolet som vises i bilde til venstre for notatene . Men det er relativt vanlig at andre nøkkel brukes til høye registre, spesielt nøkkelen til C i fjerde og diskantnøkkel .

Til å begynne med var strengene tarmstrenger, mindre motstandsdyktige enn metall, men som ga en renere og varmere klang. Disse strengene ble brukt frem til 1900  -tallet . Som et resultat av andre verdenskrig ble bruken av metallstrenger, mer motstandsdyktige og høyere enn de andre, utbredt. Det finnes også nylonstrenger og andre materialer. Tarmstrenger fortsetter å lages, siden mange spillere som har barokkinstrumenter eller som spiller barokkmusikk anser at klangen med denne typen strenger er mye nærmere komponistens opprinnelige idé.

Stillinger

Cellisten plasserer fingrene i forskjellige høyder på nakken av instrumentet for å spille forskjellige toner. Høydene som utøverens hånd kan anta i henhold til tonene han spiller kalles posisjoner (på samme måte som i andre strengeinstrumenter). Disse sorteres ved å tildele nummer. I celloen er det 7 normale posisjoner og resten av de høyere posisjonene bruker tommelen (det er derfor de kalles tommelposisjoner).

De første syv posisjonene bruker indeks-, midt-, ring- og lillefinger på venstre hånd. I tommelposisjonene spilles det med tommel-, pekefinger-, lang- og ringfinger på samme hånd (bruk av lillefingeren i tommelposisjonene er sjelden).

Buen

Celloen spilles vanligvis med en bue som består av en trepinne som bust laget av hestehår eller akryl-imitasjoner er strukket på . Buen består av et hode , et skaft og bust .

På hodet er mutteren ( ibenholt stykke med perlemordekorasjoner for å holde busten) og skruen som brukes til å regulere strammegraden til busten . Stangen er normalt en pernambuco trestang , selv om den blir erstattet av karbonfiber ; den ene enden kalles tåen og den andre kalles hælen (der hodet er).

Bustene er vanligvis rundt 250, selv om antallet kan variere. De tilhører vanligvis hannhester, fordi mankene deres er sterkere og renere. Det mest verdsatte hestehåret er hester fra nordiske områder eller kaldere klima, siden dets motstand og hardhet er større, spesielt den til den mongolske hesten , som er avlet spesielt for å lage buer. I prinsippet påvirker ikke fargen, selv om det ser ut til at de hvite bustene er noe finere. Noen cellister og kontrabassister foretrekker svart bust fordi de sier at de gir mer karakter til forestillingen. Busten i seg selv gir ingen form for grep om tauet når det gnis, siden de er veldig glatte. Av denne grunn påføres en klebrig harpiks kalt bek eller kolofonium . Harpiksen er også nyttig for å oppnå god klang og for å gjøre varigheten av buestrengingen lønnsom.

Buen har utviklet seg gjennom århundrene. Den var allerede kjent i de mest primitive kulturene og nådde Europa rundt 1000 -tallet  . Først var det bare en stang som ble bøyd av stramningen av busten utover og ble grepet i midten (som en jaktbue). Det var praktisk talt ingen endring før på 1600  -tallet , da mutteren ble innlemmet i hælen for å øke vekten på baugen, samt la spenningen endres og akselen bøye seg innover, noe som forbedrer den akustiske kvaliteten. Konveksiteten til buen ble endret til sin nåværende form på 1700  -tallet . Det var Tourte og Villaume på 1800  -tallet som etablerte buen slik vi kjenner den i dag.

Materialer

Som fioliner er klangbunnstoppen vanligvis konstruert av gran og lønnetre brukes for resten, men andre tresorter brukes også, som bøk , bøk , selje eller sedertre . Broen er lønn. Noen celloer av lav kvalitet er laget av laminater, og celloer er allerede bygget av komposittmaterialer, for eksempel karbonfiber. Halsen og hodet er vanligvis også laget av en eller annen type tre som er nevnt ovenfor, vanligvis veldig kornet lønn for de fine. Pinnene, gripebrettet og halestykket er laget av ibenholt tre , selv om det nå lages mer og mer av en eller annen form for beiset tre eller plast , spesielt halestykket. Tensorene eller tunerne som finnes i halestykket er vanligvis laget av stål , det samme er gjeddene, selv om sistnevnte i noen tilfeller er laget av karbonfiber, og til og med noen gjedder er fortsatt laget av tre.

Historikk

Opprinnelse

I motsetning til det mange tror, ​​dukket celloens forløpere opp i første halvdel av 1500-tallet i Italia , ikke som etterkommere av viola da gamba ('leg viola'), men som tilhørende fiolinfamilien, og de ble født fra viola da braccio ('arm bratsj') [ referanse nødvendig ] , rundt 1530 , bare noen få år etter fiolinen . For produksjonen av disse nye instrumentene brukte de egenskaper til andre, for eksempel rebec , selv om den bare hadde tre strenger. Det vises også at det ikke hadde noe med familien til gamle bratsj å gjøre (som for eksempel viola da gamba ), verken i konstruksjon, eller i teknikk, eller i tolkning.

I de tidlige dagene var det flere instrumenter som ligner på cello, for eksempel violone , som ble brukt som en basso continuo. I tillegg var det andre som violonzino eller basset , som ville tilhøre samme familie, men som ville bli spilt på forskjellige måter eller ville ha andre størrelser eller antall strenger. Det var også viola d'amore ( viola of love ), for eksempel, hvis opphav er annerledes, men som minner om celloen når det gjelder tolkning (med sløyfe) og støtte. Først ble den holdt ved å holde den med et tau rundt midjen, eller over skulderen (da spalla) , eller mellom knærne eller på bakken. Det var mange forskjellige typer celloer, fra tenor, til andre av større størrelser, med forskjellige tessituras og forskjellige måter å holde på.

Første modifikasjoner

På 1600-tallet fantes det italienske luthiers , som Maggini, Amati (fra Cremona , en av de eldste kjente er en skapelse av Andrea Amati, fra 1572 , kalt Kongen , til ære for kong Charles IX av Frankrike , og som har ekte motiver, og som ligner veldig på dagens celloer) eller Gasparo da Salò (fra Brescia ) som endret form og størrelse på de gamle celloene.

Mange av disse celloene var bare dekorative, som noen som fortsatt eksisterer (som Amatis), men de fleste av dem ble bygget for å brukes. På begynnelsen av 1700-tallet normaliserte Stradivarius størrelsen, og endret den fra 80 til 76 cm, veldig lik den nåværende størrelsen. Stradivarius-celloer er noen av de dyreste som finnes i dag, og selv på hans egen tid kan fiolinmakere som også laget celloer ha tjent mye mer penger på å bygge disse instrumentene enn de gjorde å lage fioliner.

Som et tegn på dens raske popularitet ble det allerede i 1680 inkludert som et fast instrument i Wiens keiserorkester , og i 1709 hadde Dresdens symfoniorkester allerede fire celloer. De første verkene som ble laget spesielt for celloen var av Domenico Gabrielli og Giuseppe Maria Jacchini ( ca. 1663-1727 ) rundt 1689 .

I løpet av de første årene, frem til første halvdel av 1700-tallet, konkurrerte den om repertoar med viola da gamba , da de hadde en lignende klang og ble brukt fremfor alt som en continuo . Noen av datidens store komponister, som Marin Marais eller Henry Purcell , nektet å bruke den nye celloen, men brukte i stedet viola da gamba og skrev uttrykkelig i partiturene at fremføringen skulle være for dette instrumentet.

Luigi Boccherini brukte det mye i det århundret i en katalog med nesten fem hundre verk, inkludert symfonier, konserter, strykekvartetter og 184 kvintetter (hvorav 113 er for to celloer). [ 12 ]

Barokk

Celloens storhetstid begynner under barokken . Mange komponister bruker det tilbakevendende som basso continuo av verk, sammen med cembalo , og det begynner allerede å bli brukt for mindre ensembler, duetter, trioer og kvartetter.

Violoncello da spalla

Johann Sebastian Bach har lenge vært kreditert for den ukontrollerbare skapelsen av viola di fagotto eller "violoncello piccolo da spalla" [liten skuldercello], brukt av Bach for hans Leipzig Cantatas ), som i sin femdelte versjon brukes til å fremføre strenger. hans solocellosuite nr. 6 . Denne violoncello piccolo da spalla ble laget for å bli spilt av fiolinister (små eksperter i å spille da gamba , med instrumentet vertikalt og holdt mellom bena), siden det ble spilt plassert på skulderen og brystet, og hadde en størrelse større enn den nåværende bratsj. Noen forskere mener at de 6 solo-cellosuitene faktisk ble laget for dette instrumentet. [ 11 ]

Barokkcelloen

Vivaldi komponerte allerede 27 cellokonserter , og i andre halvdel av 1700  -tallet dedikerte Luigi Boccherini , som også var en virtuos cellist , 12 konserter til dette instrumentet.

Med den store populariteten den hadde som kontinuerlig bass , endte den opp med å fortrenge viola da gamba totalt i denne perioden , og den ble konsolidert som et tilbakevendende instrument i kammerensembler .

Celloen som ble brukt gjennom denne tiden, kalles barokkcelloen , og er praktisk talt identisk med den moderne celloen. Mange eksempler på denne typen cello er fortsatt bevart, og de produseres også fortsatt, siden musikerne som fremfører barokkverk anser at klangen til disse instrumentene er mye mer egnet for denne typen musikk. Barokkcelloen hadde ikke en gjedde, metallstangen som moderne celloer har for å holde den til bakken, som er mye mer behagelig til å gi venstre hånd nok frihet for de tekniske komplikasjonene til post-barokkverk.

Denne effekten ble produsert fordi når man holder celloen med bena og med venstre hånd, som skaper de forskjellige lydene når strengene på halsen strammes, økte spenningen i denne hånden og smidigheten til fingrene ble redusert. I tillegg ble det på denne tiden brukt tarmstrenger, ikke metallstrengene som brukes nå, noe som ga den en helt annen lyd. A av barokkinstrumentene ble innstilt til 415  Hz i stedet for dagens 440 Hz, delvis på grunn av disse ikke-metalliske strengene og den lavere spenningen de led. Broen var litt lavere og toppkurven var mindre, halsen var mer robust og halsen hadde mindre helling og var kortere. Dessuten var den indre rammen mindre. Denne barokkcelloen gjorde lydprosjektet mindre. [ 13 ]

Se også: Barokkmusikk

Klassisisme

I denne perioden var Haydn og Beethoven to av de store komponistene som hyllet cellofiguren og komponerte et stort antall verk for den, allerede som soloinstrument. I tillegg ble celloen konsolidert som et grunnleggende stykke, som bass, i de aller fleste kvartetter og trioer komponert på denne tiden, og ble brukt av praktisk talt alle komponister . [ 11 ]

Store konsertsaler

Fra år 1800 begynte alle de fysiske endringene som resulterte i den moderne celloen å bli gjort. På denne tiden ble små kammersaler erstattet av store konsertsaler og operahus. Celloen hadde allerede et stort repertoar som solist, og trengte mer lydprojeksjon slik at den uten problemer kunne høres over resten av orkesteret på en mer definert måte og nå et mye større publikum enn tidligere tider.

Romantikk

Allerede på 1800  -tallet ble en av de største egenskapene til den moderne celloen, gjedda, introdusert. Til å begynne med var dette laget av tre, og fikset, men det tillot cellisten å komme til en virtuos teknikk som uten støtte fra gjedda var mer komplisert, som også celloverkene ble stadig mer komplekse med.

Musikalsk romantikk kan betraktes som celloens gullalder. Schumann , Brahms , Dvořák eller Mendelssohn komponerte cellokonserter, for ikke å snakke om sonater og ulike verk for cello og piano. Med etableringen av symfoniorkesteret ble cello definitivt det tredje mest tallrike instrumentet, etter fiolin og bratsj. [ 14 ]

20.  århundre

I løpet av 1900  -tallet fortsatte det å komponere mye cellomusikk, med komponister som Ravel , Debussy eller Shostakovich . I tillegg, fra 1920 -tallet , klarer den katalanske cellisten Pau Casals , med sin nye oppsetning av Bachs cellosuiter , å bringe celloen tilbake til en privilegert posisjon. Store utøvere som Rostropovich eller Jacqueline du Pré dukket opp , samt Anner Blysma med sin barokkcello.

Siden 1900-tallet begynner kvinner å bli cellospillere, noe som ikke hadde skjedd før. I lang tid var det bare overklassekvinner som kunne ha tilgang til musikkinstrumenter , og posisjonen til å holde celloen mellom bena var ikke godt sett av samfunnet, da den ikke var særlig aristokratisk. Det er dokumentasjon på andre typer stillinger som noen kvinnelige cellister har tatt, mens de holder instrumentet på siden. I tillegg kom fordommene som fantes mot kvinnelige instrumentalister. Men applauderte og verdsatte kvinnelige cellister har dukket opp siden 1920-tallet, som Guilhermina Suggia eller Raya Garbousova .

På 1990 -tallet ble celloen også brukt til pop , rock og til og med heavy metal- musikk , for eksempel den finske gruppen Apocalyptica , med sine tre (tidligere fire) celloer, og med utseendet til den elektriske celloen.

Teknikkens utvikling

1700  -tallet

I løpet av 1600-tallet er det praktisk talt ingen data om hvordan celloteknikken utviklet seg, bare posisjonen den ble spilt i er kjent fra datidens ikonografi , med celloen hvilende på bakken, og atskilt fra instrumentalisten. Det er ganske mange bildeprøver fra perioden de viser det, men det finnes ikke noe skriftlig dokument.

På 1700-tallet er det allerede bevis på endringen i posisjonen i forhold til celloen, som går fra å bli støttet på bakken, til å bli holdt mellom knærne, slik gamba-violistene gjorde. Dette gjorde det mulig å legge venstre hånd på nakken på en mye mer naturlig måte, og å nå alle strengene mye lettere. I tillegg, når celloen ble hevet, var det mye lettere å bruke baugen, som på denne måten kunne brukes i sin helhet.

Ja, det er snakk om den italienske klassiske skolen i Boccherini, med et grunnleggende teknisk system som han tok i bruk i sine verk for cello.

Tidlige metoder

Cellist Michel Corrette var den første som publiserte en metode for teknikk og teknikkforbedring for cellister. Det var i år 1741 , og han ga den tittelen Méthode théorique et pratique pour apprendre en peu de temps le violoncelle dans sa perfection (på spansk: Teoretisk og praktisk metode for å lære celloen i sin perfeksjon på kort tid ). Det var det første mer eller mindre samvittighetsfulle forsøket som er bevart på den kelistiske teknikken. Hvis en tidligere metode fantes, har den ennå ikke dukket opp eller har gått tapt. Det finnes en metode, av Francesco Scipriani, men den har ingen dato, så det er ikke kjent om den er tidligere eller senere. Corette var den første til å fange, i sin metode, tommelposisjonen (tommel) for posisjonene nærmest broen, noe som var mulig nettopp på grunn av endringen som hevet celloen fra bakken. Finger også for alle strenger i første posisjon, og snakk også om midtposisjon.

I Italia tok de ikke hensyn til metodene og teknikkene for studiet, i Tyskland ble det antatt at den eneste måten å lære teknikkene til instrumentet var selve øvelsen. Mens det i disse to landene ikke ble publisert noe relatert til metodene, ble det i Frankrike , etter Correttes manual, publisert mange andre, for eksempel de til Tillier eller Mutzberger.

Fiolinteknikk

Men frem til da, i alle land, hadde modellen når det gjelder instrumentteknikk vært fiolinteknikken , uten å ta hensyn til forskjeller i holdning og størrelse. Det som ble gjort, var en overgangsstilling, der for å imitere fiolinen, ble den første, andre og fjerde fingeren brukt til å dekke den samme avstanden som de fingrene dekker på en fiolin (en fjerde ), og senere ble det igjen den diatoniske system av et semitonalt system, som man kan omfatte, med de samme fingrene, enten en fjerde eller en tredje . Det er også på dette tidspunktet når Tourte- forandringene oppstår i baugen, som slutter å ha en konveks krumning og blir lengre, og når holdningsendringene i høyre hånd oppstår, går fra å holde buen nedenfra med håndflaten. opp, for å gjøre det ovenfra med håndflaten ned.

Mot moderne teknikker

I 1789 dukket det opp en manual av den engelske cellisten John Gunn, med tittelen The Theory and Practice of Fingering the Violoncello . I den vises et første sammendrag av celloens historie og teknikker. I tillegg gir han råd av den typen at for å gi smidighet til fingrene, var det ikke nødvendig å holde nakken med venstre hånd, så hele celloen måtte holdes med bena. I tillegg tilsvarer fingersettingen av fragmentene av metoden hans en moderne fingersetting, og introduserer allerede komplekse fragmenter og i svært høye posisjoner av celloen.

Jean Louis Duport , fransk cellist  fra 1700 -tallet , forfattet en av de tidligste kjente cellometodene. Med tittelen Essai sur le doigté du violoncelle et la conduite de l'archet, dédié aux professeurs de violoncelle , inneholdt den ganske viktige nyvinninger innen celloteknikk. Et av de mest interessante bidragene til arbeidet hans var etableringen av fingerteknikken og digitale teknikker. Den snakker også om extensions, doble strenger, intervaller , det er totalt fingered og det er muligens den som legger grunnlaget for celloteknikken på 1800  -tallet .

Andre cellister i dette århundret, som Dotzauer eller Kummer, tar også til orde for å definitivt forlate fiolinposisjoner og ta i bruk moderne fingersetting.

1800  -tallet

I 1846 er det første registrering av bruken av gjedda. Det var den belgiske cellisten og komponisten Adrien François Servais , selv om det allerede ser ut til å være dokumenter fra tidligere år som anbefaler bruk av et stativ for nybegynnere å bruke.

Cellisten Piatti flyttet til London , hvor han begynte å lage en skole med flere andre utøvere, som Leo Stern eller Robert Lindley. Den franske skolen, med base i Paris , reduserte sin innflytelse og betydning som den hadde tidligere år, selv om den hadde noen skikkelser som Auguste Franchomme og Chevillard. Nicolas Platel, en disippel av Duport, var skaperen av Brussel -skolen , hvor Servais begynte å undervise og hvor han begynte å skille seg ut. Arving til Servais og Franchomme er celloskolen i Madrid , initiert av Víctor Mirecki og som bærer sine beste frukter allerede i det følgende århundre.

Men det var i Tyskland , gjennom dette århundret, hvor de viktigste kunstneriske og tekniske strømningene ble skapt, og hvor moderne fremføringsteknikker begynte å utvikle seg.

20.  århundre

Gjennom hele 1900  -tallet har cellister klart å øke registeret til instrumentet, og konkurrere i glans med fiolinen . For å oppnå bedre lyder begynner noen cellister å bruke lengre plukk, eller bøyde plukk, som Paul Tortelier eller Mstislav Rostropovich gjør , for å oppnå bedre klangstyrke ved å heve instrumentet, noe som gjør at høyre hånd, med buen, er i en mer naturlig posisjon , og at venstre, kan gå ned langs gripebrettet for å få høyere toner med bedre projeksjon. I dette århundret har venstresidens teknikk blitt forfinet til det punktet at man kan tolke stykker så virtuose som en fiolin kunne. Bruken av metallstrenger påvirket også i stor grad hvilken type konserter som skulle gis, og teknikkene som ble brukt for å oppnå stadig mer strålende lyder.

Det er i dette århundret da teknikk endelig betraktes som det grunnleggende grunnlaget for tolkningen, ikke bare av cello, men generelt av alle instrumenter, og utgjør en vesentlig del av studiet av instrumentet, og undervisningen begynner å bli standardisert i alle verdens vinterhager.

Pau Casals var ikke bare en av de store cellistene i historien, men han klarte å sette likhetstegn mellom fiolin og cello som soloinstrumenter. Takket være hans tekniske arbeid ble celloens muligheter økt betraktelig. Han understreket spesielt viktigheten av nyanser i verkets samlede musikalitet. Hans gjenoppdagelse av Bachs 6 solocellosuiter , og hans nytolkning av dem, la grunnlaget for en ny generasjon cellister.

Eisenberg, en disippel av Casals, var en annen av de siste store celloteoretikere. Hans store bidrag var hans konsepter om forventning i tolkning, ettersom i det øyeblikket du spiller en tone, må hånden din forberede seg på den neste.

Tolkningsteknikker

For en god tolkning av celloen er det nødvendig å ha kontroll over teknikken til de mest relevante aspektene ved dette instrumentet. De mest aktive delene av kroppen i tolkningen av cello er venstre hånd og høyre arm, som er de som modifiserer og skaper lyden, det er grunnen til at spesiell oppmerksomhet må rettes mot dem når man studerer teknikken til dette instrumentet .

Posisjonsteknikk

Riktig posisjon til celloen holdes mellom utøverens knær, mens utøveren er i sittende stilling. Avstanden eller høyden den må ha, justerbar med den mobile piggen, avhenger av utøverens fysiske egenskaper og personlig smak. Bortsett fra knærne har den et tredje støttepunkt på brystet, ca. 15 cm fra toppen av brystbenet, men dette varierer også mellom cellister .

Halsen skal gå gjennom venstre på musikerens nakke, og den nedre tappen på venstre side sett forfra, den som tilsvarer tonen C , skal være omtrent på høyde med venstre øre. Hele cellokroppen må også roteres litt til høyre. Cellistens skuldre skal være avslappede og i samme høyde, og ryggen skal være rett. Det mest tilrådelige er at du ikke sitter lent mot stolryggen, men sitter på kanten.

Tonene sendes ut ved å trykke fingrene på venstre hånd mot strengene og halsen mens du vibrerer den strengen med buen, eller produserer den vibrasjonen på en annen måte, for eksempel pizzicato . Det dette trykket produserer på strengene er at lengden deres er forkortet, og produserer høyere tonehøyde lyder jo kortere den er. Venstre tommel er plassert på baksiden av nakken, og de fire andre på forsiden, og danner en slags C med hånden. I høyere posisjoner (det vil si nærmere broen) brukes tommelposisjonen, hvor tommelen plasseres i fremre del av gripebrettet sammen med resten av fingrene.

Buen holdes med høyre hånd, holder den i hodet. Høyre tommel er plassert på baksiden av hodet, litt inn mellom de to delene av adamseplet, og resten av fingrene plasseres foran på hodet. Fremfor alt er de som er viktigst pekeren og lillefingeren, å holde den og styre den.

Venstrehåndsteknikk

For en god utførelse av venstre hånd er det nødvendig å starte med en god plassering av venstre arm og underarm. For å spille i lave posisjoner (i den øvre delen av nakken) må albuen holdes unna stammen , og danner en vinkel nær 45° med kroppen. Arm og underarm må være ganske bøyd slik at hånden når ønsket område. I dette området av nakken skal underarmen plasseres vinkelrett på strengene. Hvis du ønsker å spille i høye posisjoner (lavt område av nakken), hold albuen hevet slik at armen ikke kolliderer med klangbunnen og flytt skuldrene litt fremover for å lette armforlengelsen.

Når armen er godt plassert, må du se på håndleddet, som må plasseres slik at underarmen og hånden beskriver en rett linje, og til enhver tid må den være avslappet slik at den ikke forårsaker smerte senere av en lang periode med tolkning. Når dukken er plassert, må du være oppmerksom på plasseringen av hånden. Som tidligere nevnt, skal hånden plasseres i en C-form , med tommelen på baksiden av nakken og de andre fire fingrene på toppen. Disse skal nå gripebrettet vinkelrett, og tommelen skal være på høyde med langfingeren (øverst i nakken). For å avgi forskjellige lyder er det nødvendig å trykke på strengene med fingrene og jo nærmere broen du trykker på, jo høyere blir lyden.

Stillinger

Når du spiller på en enkelt streng og du ønsker å få høyere tonehøyde lyder, må du trykke fingrene nærmere broen , for å gjøre dette må du plassere hånden på forskjellige steder på halsen, høyere opp (eller lavere om du vil for å få høyere tonehøyde lyder). Disse forskjellige stedene hvor hånden er plassert langs halsen kalles posisjoner og hver av disse er kjent med et ordenstall. Før man går inn i analysen av hver posisjon, må to typer posisjoner differensieres: de lave posisjonene, som er de som er lengst fra broen og i dem er tommelen plassert på baksiden av nakken, og de høye posisjonene , som er de som er nærmest broen og i dem er tommelen plassert på strengen, vinkelrett på den og påfører trykk.

De lave posisjonene er første, andre, tredje og fjerde. Den mest komfortable og enkleste av alt der er den første posisjonen, nærmest pinnene og lengst fra broen, det vil si den laveste. I denne posisjonen trykkes pekefingeren på det nøyaktige stedet for å få tonen som danner et større sekundintervall med den riktige tonen til strengen den spilles på. For eksempel, hvis strengen spilles a , skal den trykkede indeksen få en si . Den andre posisjonen oppnås ved å flytte hver av fingrene opp et intervall på et større sekund, med hånden litt nærmere broen og i en høyere posisjon der høyere tonehøyde lyder vil oppnås. Den tredje posisjonen oppnås ved å flytte alle fingrene opp et intervall på et større sekund i forhold til den andre posisjonen, og bringe tommelen nærmere lydplanken. Den fjerde posisjonen oppnås ved å heve alle fingrene et intervall på et større sekund i forhold til den tredje posisjonen, det er den høyeste posisjonen der tommelen kan holdes på baksiden av nakken, siden tommelen allerede i denne posisjonen kolliderer med klangbunnen. Bortsett fra disse fire posisjonene er det en femte som ofte unngås og kalles midtposisjon. Dette er egentlig den laveste av alle, altså lengst fra broen. I den skaper den pressede indeksen en tone en halv tone høyere enn den riktige tonen til strengen.

Høye posisjoner kalles tommelen , eller capo-posisjoner. I disse posisjonene er tommelen plassert på strengene, vinkelrett på dem og presser dem, og fungerer som en femte finger. Hver av disse posisjonene oppnås ved å flytte opp et intervall på et større sekund i forhold til den forrige. Den laveste posisjonen av disse er den femte, og den høyeste er den som er nærmest broen, selv om du ikke kan heve den så mye du vil siden fra ett sted på halsen forverres lyden betraktelig. Disse stillingene er mer ubehagelige enn de lavere og derfor vanskeligere. Jo høyere posisjonen er, må fingrene plasseres nærmere hverandre av fysiske årsaker, så i tommelposisjoner er det vanskeligere å stille inn .

stillingsendring I alle verkene er det nødvendig å ha hånden plassert i forskjellige posisjoner, og for dette er det nødvendig å gjøre endringer i posisjonen. Disse endringene viser seg å være syretester for å oppnå en god tuning. For å gjøre en god endring av posisjon, er det nødvendig å gjøre en forventning, det vil si før du beveger hånden, forberede bevegelsen for ikke å miste rytmen til arbeidet. Under bevegelsen av hånden må ikke fingrene miste kontakten med strengen, men de må aldri presse mot den. Posisjonsendringene må være raske og presise for ikke å miste rytmen eller tonehøyden, og det er derfor det er et veldig viktig aspekt i studiet av et verk. Ytterligere venstrehåndsteknikker harmoniske Harmonikk er lyder som produseres ved å gni (og ikke trykke) på strengen med en finger. Disse lydene gjenspeiler de fysiske egenskapene til tonen på strengen, og avhengig av hvor strengen slås på lager de forskjellige lyder. Å slå i midten av strengen produserer samme tone som strengen bare én oktav høyere, og så å skrape på en tredjedel, en fjerdedel og en femtedel av lengden på strengen produserer lyder som er representative for tonen. streng, for eksempel den femte, den tredje og den åttende. Denne lyden er en ekspressiv ressurs som er mye brukt til tider når det kreves liten lydintensitet, selv om det ikke er mulig å gjøre vibrato på harmoniske, noe som gjør at den mister uttrykksevne. En fordel med harmoniske er at presis fingerposisjon ikke er nødvendig fordi det er en liten margin langs strengen der den ønskede harmoniske lyder. Det er representert på partituret med en liten sirkel eller null på noten. vibrato Vibrato er den bølgende og spontane bevegelsen av venstre hånd som er laget for å gi uttrykksfullhet til tonen som blir representert. Dette er en bevegelse som begynner i underarmen, sprer seg gjennom hånden og ender i fingeren som trykker på strengen, og dermed gir lyden som høres en bølgende følelse. Vibratoen kan være raskere eller langsommere, avhengig av stykkets øyeblikk, men det skal alltid være en naturlig bevegelse. Når denne bevegelsen er internalisert i cellistens teknikk, er det vanskelig å la være å gjøre det, men å holde hånden og underarmen avslappet under utførelsen er til tider et studieobjekt. Glissando Glissando er en ekspressiv ressurs som er mye brukt i tolkningen av buede strengeinstrumenter. Denne enheten skjer med en relativt langsom posisjonsendring der en finger holdes nede mens baugen passeres, slik at alle mellomtonene mellom start- og sluttlyden spilles. Lyden som produseres med glissando er en tone som gradvis stiger eller synker i tonehøyde. Denne enheten brukes lett i langsomme og uttrykksfulle posisjonsendringer, og fullt ut i verk som indikerer det, spesielt av romantikken og senere tider. Selv om det ved mange anledninger ikke er eksplisitt angitt i verket, er det ved andre representert med en bølget linje som forbinder den innledende noten og sluttnoten.

Høyrehåndsteknikk

Høyrehåndsteknikken ser ut til å være enklere enn venstrehåndsteknikken, men dette er helt feil. I teorien om høyre hånd må det legges mer vekt på hvordan man beveger høyre arm, siden det er den som har ansvaret for å produsere lyden og bevegelsen til buen avhenger av den.

For å produsere en optimal lyd, er det nødvendig å gni strengene med buen, flytte den fra høyre til venstre, mellom broen og nakken. Buen må stå vinkelrett på strengene og skal plasseres på den ideelle måten slik at alle manene kommer i kontakt med strengene. Når buen beveges gjennom hældelen (området av buen nærmest hånden), må hele armen bevege seg som en blokk, og pass på at buen alltid forblir vinkelrett på nakken og strengene.

Når du flytter buen til spissen (området av buen lengst fra hånden), må du strekke underarmen, og la delen før albuen stå stille. På denne måten vrir ikke baugen seg og lyden går ikke tapt. Når buen nærmer seg punktet, er høyre hånd lenger fra kroppen, og for å hindre buen i å snu seg (armen vil fungere som et kompass ), må håndleddet snu seg til venstre for å holde hånden vinkelrett på buen til tauene

Denne bevegelsen av håndleddet er kjent som pronasjon, som er veldig viktig for å lage høye lyder når den spilles på tuppen av buen. Høyre håndledd bør alltid holdes avslappet, selv i øyeblikk med lydintensitet. Generelt, for å få en høyere lyd, er alt du trenger å gjøre å legge mer av armens vekt på buen, og ikke belaste håndleddet fordi det vil forårsake smerte og stivhet. Angående måten å holde buen på, har det allerede blitt diskutert i delen av Teknikk for stillingen .

Bue over og bue under

Dette er navnene som er gitt til de to mulige horisontale bevegelsene av buen, fra høyre til venstre, eller fra venstre til høyre. Bue opp er den globale forskyvningen av buen til venstre på strengen. Dette kan gjøres fra hvilken som helst del av buen, og ender vanligvis ved hælen, selv om den også er variabel. Den globale forskyvningen av baugen på strengen til høyre kalles baugen ned . Denne, som den forrige, kan starte fra hvor som helst på buen, enten hælen eller et annet punkt.

Disse to mulige bevegelsene er symbolisert på staven med en «v» over noten (i tilfelle baugen over), og med en firkantet parentes (i tilfelle baugen under). De er viktige ikke bare for at de i grupper der det er flere strengeinstrumenter eller flere celloer beveger baugen samtidig, for å gjøre den mer estetisk, men også fordi karakteren og uttrykket som gis til et verk med én sats eller en annen av bue er annerledes.

Generelt er buen under en mer naturlig bevegelse, så den har en tendens til å være høyere og mer aggressiv, og har en tendens til å falle sammen med de sterke delene av tiltaket. Normalt begynner og slutter arbeidet med denne buen av samme grunn, men selvfølgelig ikke alltid. Buen over gir imidlertid mindre lydstyrke, og brukes ofte til toner i svake deler av takten , men den er også veldig variabel. Noen passasjer kan være mer komfortable eller mer komplekse avhengig av om du begynner å spille bue opp eller bue ned, spesielt raske passasjer eller doble strenger, siden de ulike bueslagene og ulike artikulasjonene endres helt avhengig av om det ene eller det andre brukes.

Ytterligere høyrehånds- og leddteknikker grønnkål Col legno ( legno , av tre, trestokk) er en ekspressiv teknikk som er typisk for buede strengeinstrumenter der strengene slås med buens trestokk. For å gjøre dette er det nødvendig å holde baugen på en slik måte at treet kan treffe strengene, det vil si at baugen må holdes opp ned. Lyden som produseres ved å slå på strengen er veldig myk og rytmisk. Denne teknikken brukes i moderne og avantgarde verk . [ 15 ] Løsne [ 16 ] Detachébetyrløs eller adskiltfranskDette begrepet brukes for å betegne den mest elementære typen buebevegelse, der hver gang buen beveger seg, avgis en enkelt tone. Hvis du endrertonen, må du stoppe bevegelsen til buen, og endre retningen for å lage neste lyd. Pausen mellom de to buebevegelsene må være jo kortere jo bedre, og ikke stoppe den generelle bevegelsen av arbeidet. doble strenger I dobbeltstrengsteknikken slås buen på to strenger samtidig for å lage polyfoni og lage akkorder . Å føre buen over to strenger samtidig når du spiller piano (med lav lydintensitet) er komplisert siden du må opprettholde en retning på buen med svært liten feilmargin. Denne ressursen er mye brukt i sluttakkordene til stede i barokke og klassiske verk, og i seksjoner der det er eksplisitt etterspurt. Noen ganger må akkorder spilles på mer enn to strenger. Siden det ikke er mulig å tolke dem samtidig på grunn av at strengene er i forskjellige plan, spilles de arpeggiated , det vil si at alle tonene i akkorden spilles veldig tett, men ikke akkurat samtidig. [ 17 ] legato [ 18 ] I legato eller ligado spilles forskjellige toner mens buen beveger seg i én retning, det vil si å spille forskjellige toner på en enkelt bue. Med denne teknikken oppnås en veldig kontinuerlig lyd og, som navnet indikerer, koblet. Legatobrukesi verk medmelodiskog literytmisk, og ipianofragmenter(med liten lydintensitet), selv om dette ikke alltid er tilfelle. Inoterer legato representert ved å plassere enbueover (eller under) alle tonene som man ønsker å representere i en enkelt bue. Pizzicato Pizzicato er en musikalsk teknikk som er typisk for buede strengeinstrumenter som består i å produsere lyd uten å bruke buen, men heller ved å klype strengene med en finger på høyre hånd, vanligvis pekeren eller tommelen . Lyden som produseres er veldig rytmisk og hakkete , omtrent som en gitar . Pizzicato er tilstede i fragmenter hvor en annen klang er ønsket å oppnås og i anledninger når celloen spiller rollen som akkompagnatør i en instrumentalgruppe. [ 19 ] spiccato [ 20 ] Spiccatomusikalskteknikk der buen beveger seg langs strengen og gjør små hopp på den. Høyre hånd må gi buen litt frihet slik at den beveger seg spontant, men alltid ha grunnleggende kontroll over den, for hvis den blir stående helt fri, vil kontrollen over rytmen og lydintensiteten gå tapt. Lydensomproduseres med spiccatoen er hakket og hakkete, og skaper kortvarige toner skilt fra resten av en litenstillhet. Det kan tenkes på som det motsatte avlegato. Denne typen bueslag er karakteristisk for nesten alle epoker av musikk. Staccato [ 11 ] Staccatomusikalskteknikk der tonene spilles på en mer skjærende, jevn og intens måte enn under normale forhold. For å oppnå denne effekten, er det nødvendig å trykke strengen på en jevn måte gjennom hele notatet, og la minimum stillhet være mellom dem. Staccato er indikert med en strek over den aktuelle seddelen. Denne ressursen brukes i fragmenter der du ønsker å gi en spesiell lyddybde. søt smak [ 11 ] Sul tastobetyr'på nakken' eller 'på gripebrettet'italienskDen består i å flytte baugen så langt som mulig fra broen, over fragmentet av strengene som blir igjen over bunnen avgripebrettet. På denne måten oppnås en veldig jevn lyd med mindre projeksjon enn under normale forhold. Noen gangerer bruken av denne teknikkenpartituretdynamikk, spesieltpianoellerpianissimo. sul ponticello [ 11 ] Sul ponticello(uttalessul pontichél-lo) betyr'over broen'italienskI denne teknikken flyttes baugen så nær broen som mulig, og produserer dermed en veldig metallisk lyd medharmoniske, det er en veldig karakteristisk lyd. Den har blitt brukt til forskjellige verk, både orkester- og solocello, men bare i samtidsverk, og det er vanligvis angitt i partituret om denne teknikken skal brukes. Bemerkelsesverdig i celloverk avBéla Bartók.

Kjente celloer

Paganini-Ladenburg (Paganini Quartet) (1736), vanligvis overlatt til Clive Greensmith .

Se også: Stradivarius

Se også

Referanser

  1. ↑ Rachel Beckman, " A Human Voice From a Cello's Strings ", The Washington Post , 19. oktober 2006 (artikkel på engelsk)
  2. ^ " Celloens perfekte partner: den menneskelige stemmen ", The Guardian , 27. oktober 2011 (artikkel på engelsk)
  3. ↑ cellist. Ordbok for Royal Spanish Academy
  4. ↑ cellist. Ordbok for Royal Spanish Academy
  5. ↑ cellist. Ordbok for Royal Spanish Academy
  6. ↑ a b cello. Ordbok for Royal Spanish Academy
  7. ↑ cello. Ordbok for Royal Spanish Academy
  8. ↑ cello. Ordbok for Royal Spanish Academy
  9. ↑ fiolin. Ordbok for Royal Spanish Academy
  10. ^ Niria Ramos Marin (31. mars). «Cello- og bratsjverksteder på Cinart» . Torreons århundre . Hentet 23. september 2008 . 
  11. ↑ a b c d e f Cultural Association New Acropolis El Salvador (2004). "Instrumenter til et symfoniorkester" . Arkivert fra originalen 27. september 2008 . Hentet 23. september 2008 . 
  12. ↑ http://www.hagaselamusica.com/ficha-compositores/clasicismo/boccherini-luigi/
  13. ↑ Claudio Baraviera (26. mai). "Barokkcelloen i Europa" . Rådhuset i Rota . Hentet 23. september 2008 . 
  14. ↑ Erick Alba (24. november). "Utstilling av tysk romantikk med den italienske kvintetten Camerata Opera Ensamble" . Michoacan-dagen. Arkivert fra originalen 6. februar 2009 . Hentet 23. september 2008 . 
  15. ↑ Blatter, A.: "Instrumentation and Orchestration", side 37. Wadsworth/Thomson Learning, 1997
  16. ↑ Profesjonelt musikkkonservatorium (2008). "Roped String Department" . Arkivert fra originalen 6. februar 2009 . Hentet 23. september 2008 . 
  17. ↑ A. Gallego (1991). «Cello» . GER Encyclopedia. Arkivert fra originalen 14. februar 2009 . Hentet 23. september 2008 . 
  18. ↑ Klaus A. Warkentin (2000). "Orkesterets opprinnelse" . CurrentAul. Arkivert fra originalen 23. desember 2008 . Hentet 23. september 2008 . 
  19. ↑ classicalguitarvideo.com (2007). "Klassisk gitarteknikk: Pizzicato" . Arkivert fra originalen 4. mars 2016 . Hentet 23. september 2008 . 
  20. ↑ Silvia Sanchez Ferre. «Cello og piano» . Hentet 23. september 2008 . 

Bibliografi

  • Bunting, Christopher: The Art of Cello Playing: Performance Technique and Exercises . Madrid: Pyramid, 1999.
  • Lee, Sebastian: Praktisk metode for cello . Barcelona: Boileau, 1993. ISBN 84-8020-473-7 .
  • Potter, Louis & Potter, Louis Alexander: Kunsten å spille cello . Los Angeles: Alfred Music Publishing, 1996. ISBN 978-0-87487-071-8 (se Google Books)
  • Prieto, Carlos: The Adventures of a Cello: Stories and Memoirs . Mexico: Economic Culture Fund, 1998. ISBN 968-16-7100-7 .
  • Tortelier, Paul (1914-1990): Technique et art du violoncelle . Paris: Salabert, 1994. ISBN 2-7637-7352-4 .
  • Wondratschek, Wolf: Mara . Madrid: Alliance, 2006. ISBN 84-206-4759-4 .

Eksterne lenker