| Elektronisk musikk | ||
|---|---|---|
| kulturell opprinnelse | Sent på 1800 -tallet - tidlig på 1900- tallet . | |
| Vanlige instrumenter | elektroniske musikkinstrumenter | |
| Popularitet | veldig høyt over hele verden | |
| undersjangre | ||
| Elektroakustisk musikk , konkret musikk , industriell musikk , wonky , dub , ambient , bass , breakbeat , chiptune , trip hop , downtempo , drum and bass , elektro , electronica , EDM , EBM , IDM , glitch , hardcore , house , minimal synth , coldwave , synthpop , techno, jungel dubstep , hardstyle , trance , elektropop , reggaestep , elektronisk rock , chillstep , | ||
Elektronisk musikk er den typen musikk som bruker elektroniske musikkinstrumenter og elektronisk musikkteknologi for sin produksjon og fremføring. [ 1 ] Generelt kan man skille mellom lyden som produseres ved bruk av elektromekaniske midler, fra den som produseres av elektronisk teknologi, som også kan blandes. Noen eksempler på enheter som produserer lyd elektromekanisk er telharmonium , [ 2 ] Hammond - orgelet [ 3 ] og den elektriske gitaren . Produksjonen av rent elektroniske lyder kan oppnås med enheter som theremin , [ 4 ] lydsynthesizeren eller datamaskinen . [ 5 ]
Elektronisk musikk ble opprinnelig og utelukkende assosiert med en form for vestlig kunstmusikk , [ 6 ] men siden slutten av 1960 -tallet har tilgjengeligheten av rimelig musikkteknologi betydd at elektronisk produsert musikk ble stadig mer populær. For tiden presenterer elektronisk musikk en stor teknisk og komposisjonell variasjon, alt fra former for eksperimentell kunstmusikk til populære former som elektronisk dansemusikk eller EDM (for dets forkortelse på engelsk : Electronic Dance Music ) eller shuffle dance . [ 7 ]
Evnen til å ta opp lyder er ofte forbundet med produksjon av elektronisk musikk, selv om det ikke er absolutt nødvendig for det. Den første kjente enheten som var i stand til å ta opp lyd, var fonautografen , patentert i 1857 av Édouard-Léon Scott de Martinville . Dette instrumentet kunne ta opp lyder visuelt, men ikke spille dem av. [ 8 ] I 1878 patenterte Thomas A. Edison fonografen , som brukte sylindre som ligner på Scotts apparat . Selv om sylindere fortsatte å bli brukt en stund, utviklet Emile Berliner platefonografen i 1889. På den annen side var en annen betydelig oppfinnelse som senere skulle få stor betydning i elektronisk musikk, audionventilen , av triodetypen, designet av Lee DeForest . Dette er den første termioniske ventilen , oppfunnet i 1906, som ville tillate generering og forsterkning av elektriske signaler , radiostråling og elektronisk databehandling . [ 9 ]
Før elektronisk musikk var det allerede et økende ønske blant komponister om å bruke nye teknologier innen det musikalske feltet. Mange instrumenter ble laget som brukte elektromekaniske design som banet vei for utseendet til elektroniske instrumenter. Et elektromekanisk instrument kalt Telharmonium (noen ganger Teleharmonium eller Dynamophone ) ble utviklet av Thaddeus Cahill mellom 1898 og 1899. På grunn av sin enorme størrelse ble det imidlertid aldri brukt.
Theremin , oppfunnet av professor Léon Theremin rundt 1919 og 1920 , regnes ]11[,Maurice Martenotcellistenfranske, oppfunnet av denOndas MartenotEt annet tidlig elektronisk instrument var]10[ofte som det første elektroniske instrumentet Turangalila Symphony komponert av Olivier Messiaen . Dette ble også brukt av andre, spesielt franske, komponister som Andre Jolivet .
I 1907, bare et år etter oppfinnelsen av audionventilen av triodetype, publiserte den italienske komponisten og musikeren Ferruccio Busoni Outline of a New Aesthetics of Music , [ 12 ] som omhandlet bruken av både elektroniske og elektroniske kilder. i fremtidens musikk. Han skrev om fremtiden til mikrotonale skalaer i musikk, muliggjort av Cahills teleharmonium: "Bare ved en lang og nøye serie eksperimenter, og kontinuerlig trening av øret, kan dette ukjente materialet gjøres til et tilgjengelig og plastisk materiale for det kommende. generasjon og for kunst. Som en konsekvens av dette forfatterskapet, så vel som gjennom sin personlige kontakt, hadde Busoni en dyp effekt på en mengde musikere og komponister, spesielt hans disippel Edgard Varèse . [ 13 ]
I Italia nærmet futurismen , en bevegelse av kunstneriske avantgardestrømninger grunnlagt av Filippo Tommaso Marinetti , [ 14 ] musikalsk estetikk som en transformasjon fra en annen vinkel. En idé med den futuristiske filosofien var å verdsette støy , samt å gi kunstnerisk og uttrykksfull verdi til visse lyder som ikke tidligere hadde blitt ansett som musikalske.
Francesco Balilla Pratellas Technical Manifesto of Futurist Music , publisert i 1911, [ 15 ] sier at hans trosbekjennelse er "Å presentere den musikalske sjelen til massene, til de store fabrikkene , til togene , til de transatlantiske cruiseskipene , til slagskip , av biler og fly . Legg til de store sentrale temaene i det musikalske diktet maskinens dominans og elektrisitetens seirende regjeringstid ."
Den 11. mars 1913 publiserte futuristen Luigi Russolo sitt manifest The Art of Noises (italiensk original, L'arte dei Rumori ). [ 16 ] I 1914 arrangerte han den første konserten til The Art of Noises i Milano . For dette brukte han sin Intonarumori , beskrevet av Russolo som "støyende akustiske instrumenter, hvis lyder (hyling, brøling, stokking, gurgling, etc.) ble manuelt aktivert og projisert ved hjelp av vind og megafoner ". Lignende konserter ble arrangert i Paris i juni . [ 17 ]
Dette tiåret brakte et vell av tidlige elektroniske instrumenter, så vel som de første komposisjonene for elektronisk instrumentering. Det første instrumentet, theremin , ble skapt av Léon Theremin (født Lev Termen ) mellom 1919 og 1920 i Leningrad. Takket være ham ble de første komposisjonene for elektroniske instrumenter laget, i motsetning til de som ble laget av de som dedikerte seg til å lage støysymfonier. I 1929 komponerte Joseph Schillinger sin første aerofoniske suite for Theremin og orkester , [ 18 ] først fremført av Cleveland Orchestra og Leon Theremin som solist.
Lydopptak tok et kvantesprang i 1927 da den amerikanske oppfinneren JA O'Neill utviklet en opptaksenhet som brukte en type magnetisk belagt tape. Det var imidlertid en kommersiell katastrofe. Imidlertid er magnetbånd også tilskrevet den tyske ingeniøren Fritz Pfleumer som patenterte oppdagelsen i 1929. [ 19 ]
I tillegg til theremin, et innflytelsesrikt instrument som hadde stor innflytelse på musikk- og filmproduksjon på grunn av bruken som lydspor i science fiction og skrekkfilmer på 1950 - tallet , [ 20 ] var et annet av forløperinstrumentene til elektronisk musikk Martenot . bølger . Oppfunnet i 1928 av Maurice Martenot , som debuterte i Paris, [ 21 ] består den av et keyboard, en høyttaler og en lavfrekvent generator hvis lyd produseres av en metallring som utøveren må plassere på pekefingeren. hans høyre hånd.
I 1929 skapte den amerikanske komponisten George Antheil først for mekaniske enheter, støyproduserende apparater, motorer og forsterkere, en uferdig opera med tittelen Mr. Bloom . [ 22 ]
Den fotooptiske metoden for lydopptak som ble brukt i kinoen gjorde det mulig å få et synlig bilde av lydbølgen, samt å syntetisere en lyd fra en lydbølge.
Samtidig startet eksperimenteringen av lydkunst , hvis første eksponenter inkluderer blant andre Tristan Tzara , [ 23 ] Kurt Schwitters [ 24 ] og Filippo Tommaso Marinetti [ 25 ] .
Laurens Hammond grunnla et selskap dedikert til produksjon av elektroniske instrumenter. Sammen med John M. Hanert produserte de Hammond-orgelet for første gang i 1935 , [ 26 ] basert på prinsippene til telharmonium , sammen med andre utviklinger som de første etterklangsenhetene. [ 27 ]
Så tidlig som rundt 1900 ble den magnetiske båndopptakeren med lav troskap laget og brukt som opptaksmedium . På begynnelsen av 1930 -tallet begynte filmindustrien å tilpasse seg nye optiske lydopptakssystemer basert på fotoelektriske celler . [ 28 ]
I samme tiår utviklet det tyske elektronikkselskapet AEG den første praktiske båndopptakeren , Magnetophon K-1, [ 29 ] først vist på Berlin Radio Show i august 1935. [ 30 ] Under andre verdenskrig (1939-1945), Walter Weber gjenoppdaget og brukte AC Bias -teknikken som dramatisk økte troverdigheten til magnetiske opptak ved å legge til en uhørbar høy frekvens. I 1941 utvidet han frekvenskurven til Magnetophon K4 opp til 10 kHz og forbedret signal-til-støy-forholdet opp til 60 dB , og overgikk alle opptakssystem kjent på den tiden. [ 31 ] I 1942 testet AEG allerede stereoopptak . [ 32 ] Imidlertid forble disse enhetene og teknikkene en hemmelighet utenfor Tyskland frem til slutten av andre verdenskrig da flere av disse enhetene ble beslaglagt av Jack Mullin og ført til USA. Disse fungerte som grunnlaget for de første profesjonelle båndopptakerne som ble markedsført her i landet som Model 200 produsert av Ampex -selskapet . [ 33 ]
Opprettelsen av magnetisk lydbånd åpnet et stort felt av lydmuligheter for musikere , komponister , produsenter og ingeniører . Denne nye enheten var relativt billig, og gjengivelseskvaliteten var bedre enn noe annet lydmedium kjent til dags dato. Det skal bemerkes at, i motsetning til plater, ga den samme plastisitet som celluloid som ble brukt i filmene : Den kan bremses ned, økes hastigheten eller til og med spilles av baklengs. Det kan også redigeres fysisk, og til og med forskjellige båndstykker kan settes sammen i uendelige løkker som kontinuerlig spiller visse mønstre av forhåndsinnspilt materiale. Lydforsterkning og mikseutstyr utvidet mulighetene for tape som produksjonsmedium ytterligere, slik at flere opptak kunne tas opp på et annet bånd samtidig. En annen mulighet for tape var dens evne til å enkelt modifiseres til ekkomaskiner , og dermed produsere komplekse, kontrollerbare ekko- og romklangseffekter av høy kvalitet som er praktisk talt umulige å oppnå med mekaniske midler.
Musikere begynte snart å bruke båndopptakeren eller båndopptakeren for å utvikle en ny komposisjonsteknikk kalt konkret musikk . [ 34 ] Denne teknikken består i å redigere fragmenter av naturlyder eller industrielle prosesser som er tatt opp sammen. De første stykkene av denne musikken, spilt inn i 1948, ble skapt av Pierre Schaeffer (1910-1995) i samarbeid med Pierre Henry (1927-2017). [ 35 ] Komponist, forfatter, lærer og musikkteoretiker og pioner innen radio og audiovisuell kommunikasjon Schaeffer fremførte 18. mars 1950 den første konkrete musikkkonserten på École Normale de Musique de Paris . [ 36 ] Pierre Henry samarbeidet senere med Schaeffer om Symphonie pour un homme seul (1950) [ 37 ] ansett som det første viktige verket innen konkret musikk. Et år senere opprettet Radiodiffusion-Télévision Française (RTF), den franske allmennkringkastingsorganisasjonen, i 1951 det første studioet for produksjon av elektronisk musikk, et initiativ som også ville bli utviklet i forskjellige land, og ble en global trend. [ 38 ] Også i 1951 produserte Schaeffer og Henry en opera, Orpheus , for konkrete lyder og stemmer. [ 39 ]
Fødselen og impulsen til den såkalte Elektronische Musik skyldtes grunnleggende verkene til komponisten Karlheinz Stockhausen (1928-2007). Stockhausen jobbet kort i Pierre Schaeffers studio i løpet av 1952 og senere, i flere år, i Electronic Music Studio til Westdeutscher Rundfunk ( WDR ) i Köln ( Tyskland ). [ 40 ] En antecedent finnes i 1949 - avhandlingen Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache , skrevet av fysikeren Werner Meyer-Eppler , som unnfanget ideen om å syntetisere musikk fra elektronisk produserte signaler. På denne måten skilte Elektronische Musik seg markant fra den franske betongmusikken fremmet av Schaeffer som brukte lyder tatt opp fra akustiske kilder. [ 41 ]
Det elektroniske musikkstudioet til Westdeutscher Rundfunk oppnådde internasjonal berømmelse. Grunnleggelsen fant sted i 1951 da fysikeren Werner Meyer-Eppler , lydteknikeren Robert Beyer og komponisten Herbert Eimert overbeviste direktøren for WDR , Hanns Hartmann , om behovet for et slikt rom. Samme år som det ble opprettet, ble de første elektroniske musikkstudiene sendt på et radioprogram og presentert på Darmstadt Summer Courses . Under Eimerts ledelse ble studioet en internasjonal møteplass med komponister som Ernst Krenek ( Østerrike / USA ), György Ligeti ( Ungarn ), Franco Evangelisti ( Italia ), Cornelius Cardew ( England ), Mauricio Kagel ( Argentina ) eller Nam June Paik ( Sør-Korea ). [ 42 ]
I 1953 var det en offentlig demonstrasjon i Köln Radios konsertsal hvor syv elektroniske stykker ble fremført. Elektroniske studiokomponister inkluderte Herbert Eimert , Karel Goeyvaerts , Paul Gredinger , Henry Pousseur og Karlheinz Stockhausen . Programmet inneholdt følgende stykker:
Med Stockhausen og Mauricio Kagel som innbyggere, ble det elektroniske musikkstudioet i Köln et emblem for avantgarde , eller avantgarde , da elektronisk genererte lyder begynte å bli kombinert med lydene til tradisjonelle instrumenter. I 1954 komponerte Stockhausen Elektronische Studie II , det første elektroniske stykket som ble utgitt som et lydspor. [ 43 ] Andre viktige eksempler er Mixtur (1964) [ 44 ] og Hymnen, dritte Region mit Orchester (1967). [ 45 ] Stockhausen uttalte at lytterne hans sa at hans elektroniske musikk ga dem en opplevelse av "det ytre rom", sensasjoner av å fly eller være i "en fantastisk drømmeverden".
Virkningen av Kölnerskolen har vært betydelig i musikkhistorien på tre nivåer: studioet regnes som "moderen til alle studioer", innlemmelsen av Stockhausen hjalp elektronisk musikk med å få internasjonal respekt, og til slutt mange av komponistene som ble innviet i elektroakustisk musikk i Köln har utviklet ideene de fant der gjennom hele karrieren. I 2000 ble studioet stengt, men samme år ble det kunngjort at en anonym klient hadde kjøpt bygningen der Stockhausen ble født i 1928 og at han renoverte det med den opprinnelige intensjonen om å skape et utstillingsrom for moderne kunst der. museum for WDR Studio for elektronisk musikk installert i første etasje. [ 42 ]
Selv om de første elektroniske instrumentene som Ondas Martenot , Theremin eller Trautonium var lite kjent i Japan før andre verdenskrig, hadde noen komponister som Minao Shibata (1912-1996) eller Tōru Takemitsu (1930-1996) vært klar over dem på den tiden. [ 46 ] År senere begynte forskjellige musikere i Japan å eksperimentere med elektronisk musikk, som institusjonell støtte bidro til, slik at komponister kunne eksperimentere med det nyeste utstyret for opptak og lydbehandling. Disse anstrengelsene ga opphav til en musikalsk form som smeltet sammen asiatisk musikk med en ny sjanger og ville legge grunnlaget for japansk dominans i utviklingen av musikkteknologi i flere tiår framover.
Etter opprettelsen av Sony -selskapet (den gang kjent som Tokyo Tsushin Kogyo KK) i 1946, [ 47 ] skrev Shibata og Takemitsu uavhengig om muligheten for å bruke elektronisk teknologi for å produsere musikk på slutten av 1940-tallet . I 1948 unnfanget Takemitsu en teknologi som kunne bringe støy inn i tempererte musikalske toner og inn i et lite, komplekst rør, en idé som ligner på den konkrete musikken som Pierre Schaeffer hadde våget seg på samme år. I 1949 skrev Shibata om konseptet sitt om "et musikkinstrument med store fremføringsmuligheter" som kunne " syntetisere enhver form for lydbølge" og "håndteres veldig enkelt", og forutså at med et slikt instrument, "ville scenemusikken bli drastisk endret". Samme år utviklet Sony G-Type magnetbåndopptaker . [ 48 ]
I 1950 ble Jikken Kōbō elektronisk musikkstudio grunnlagt av en gruppe musikere som ønsket å produsere eksperimentell elektronisk musikk. Betraktet som en avantgardegruppe , inkluderte medlemmene Toru Takemitsu, Kuniharu Akiyama og Joji Yuasa , og de hadde støtte fra Sony, et selskap som tilbød tilgang til lydteknologien deres. Selskapet hyret Takemitsu til å komponere elektronisk elektroakustisk musikk for å vise frem båndopptakerne deres. De første Jikken Kōbō-innspillingene, komponert av Kuniharu Akiyama i 1951, var "Toraware no Onna" ("Prisoner Woman") og "Piece B". [ 49 ] Mange av gruppens elektroakustiske komposisjoner ble brukt som tilfeldig musikk for radio, film og sceneproduksjoner. Imidlertid tilbød de også konserter der de projiserte lysbilder synkronisert med et innspilt lydspor. Beyond Jikken så Kōbō Japan utviklingen av mange andre komponister som Yasushi Akutagawa , Saburo Tominaga og Shiro Fukai som i 1952 og 1953 eksperimenterte med elektroakustisk musikk.
Mange unge komponister ønsker å skrive for orkester, men det er ganske sjelden at det blir fremført. Mye av publikum har forlatt ny musikk, samtidsmusikk, og dette er komponistenes feil. På 50- og 60 -tallet ble den nye musikken veldig intellektuell. ( ... ) Den matematiske måten å bygge musikk på er ganske bra, og det har hjulpet, men musikk er ikke matematisk. Musikk er for fantasien. Nå erkjenner mange komponister innsatsen fra 50- og 60-tallet. Nå er vi ikke redde for å bruke atonalitet , tolvtone og elektronikk. Vi kan bruke alt. Vi kan kombinere dem på en eller annen eklektisk måte av komposisjon som gir mening. Mange låtskrivere gjør det, og jeg synes det er bra, men noe av musikken er skrevet kun for underholdning, og bare for moro skyld. Tōru Takemitsu [ 50 ]Konkret musikk ble introdusert til Japan av Toshirō Mayuzumi (1929-1997) [ 51 ] som ble påvirket etter å ha deltatt på en Pierre Schaeffer-konsert. [ 52 ] Fra og med 1952 komponerte han musikalske stykker for en komediefilm , et radioprogram og en radiosåpeopera . Imidlertid var ikke Schaeffers konsept av lydobjektet innflytelsesrik blant japanske komponister som først og fremst var interessert i å overvinne begrensningene for menneskelig fremføring. Dette førte til at forskjellige japanske elektroakustiske musikere tok i bruk serialisme og tolvtoneteknikker , tydelig i Yoshirō Irinos tolvtonestykke "Concerto da Camera" (1951) i organiseringen av elektroniske lyder i Mayuzumis komposisjon "X, Y, Z" for Musique Concrète» eller, senere, i den elektroniske musikken til Shibata i 1956.
I etterligning av Electronic Music Studio til Westdeutscher Rundfunk , initiativtakeren til Karlheinz Stockhausens Elektronische Musik , etablerte allmennkringkasteren NHK et elektronisk musikkstudio i Tokyo i 1955, som ble et av verdens ledende elektroniske musikkanlegg. . Drevet av Toshirō Mayuzumi var studioet utstyrt med teknologier som tonegenerering og lydbehandlingsutstyr, opptaks- og radioutstyr, Martenot-, Monochord- og Melochord-bølger , sinusformede oscillatorer , båndopptakere , ringmodulatorer , båndpassfiltre og lydmiksere. fire og åtte sporkanaler. Musikere tilknyttet studioet inkluderer Mayuzumi , Minao Shibata , Joji Yuasa , Toshi Ichiyanagi og Tōru Takemitsu . [ 53 ] De første elektroniske komposisjonene fra studioet ble fullført i 1955, inkludert Mayuzumis fem-minutters stykker " Studie I: Music for Sine Wave by Proportion of Prime Number ", " Music for Modulated Wave by Proportion of Prime Number " og " Invention for Square Wave and Sawtooth Wave ", produsert ved bruk av studioets forskjellige tonegenereringsevner, og Shibatas 20-minutters stereostykke " Musique Concrète for Stereophonic Broadcast ".
Plutselig, i 1959, ble jeg konservativ. Jeg hørte tempelklokkene på nyttårsaften. De var så rørende at jeg glemte samtidsmusikken og begynte å studere tradisjonell musikk og estetikk. Jeg studerte shinto og buddhisme , ikke bare zen, men hele buddhismen. Jeg skrev "Nirvana"-symfonien i 1959. Jeg har vært en tradisjonelt tenkende komponist. Toshirō Mayuzumi [ 54 ]Den musikalske komposisjonen som anses å gi opphav til elektronisk musikk i USA hadde premiere tidlig i 1939. Komponisten John Cage (1912-1992), [ 55 ] en av de mest bemerkelsesverdige artistene innen sjangeren i sitt land, publiserte verket Imaginært landskap, nr. 1 . [ 56 ] Dette stykket bruker to platespillere med variabel hastighet, frekvensopptakere, et dempet piano og cymbaler, og smelter dermed sammen konvensjonelle instrumenter og elektroniske enheter. Mens han jobbet i Seattle, eksperimenterte Cage med det elektroniske utstyret i Cornish School-opptaksstudioet og komponerte en del for Imaginary Landscape nr. 1 som krevde at innspillingene på albumet ble gjort på en platespiller med variabel hastighet. [ 57 ] Mellom 1942 og 1952 skapte Cage ytterligere fem komposisjoner under navnet Imaginary Landscape ment å fremføres primært som et perkusjonsensemble selv om Imaginary Landscape, nr. 4 (1951) er for tolv radioer [ 58 ] og Imaginary Landscape, nr. 5 (1952) bruker 42 opptak og ble laget med magnetbånd som fysisk støtte. [ 59 ]
Et spesielt tilfelle er stykket William Mix (eller Williams Mix ), [ 60 ] ved bruk av åtte høyttalere, og komposisjonen startet i 1951. Komponist og dirigent Otto Luening antydet at det var et stykke skrevet i fellesskap av ham og John Cage, selv om det er oppført som et samarbeidsverk av Cage ferdigstilt i 1952. I 1954 uttalte Luening at det ble fremført, under tittelen William Mix , på en musikkfestival holdt i Donaueschingen (Tyskland). I følge Luening var mottakelsen av Williams Mix en suksess der den gjorde et "sterkt inntrykk". [ 61 ]
I 1951, med medlemmer av New York School, ble det såkalte The Music for Magnetic Tape Project dannet. Består av John Cage , Earle Brown , Christian Wolff , David Tudor og Morton Feldman , deres aktiviteter varte i tre år frem til 1954. Eksperimentell og avantgardistisk i naturen, manglet gruppen sine egne faste fasiliteter og måtte være avhengig av fritiden at studioene ga dem lydreklamer, inkludert studioet som eies av Louis og Bebe Barron . [ 62 ] Om dette prosjektet gjennomgikk Cage: "I dette sosiale mørket (...) fortsetter arbeidet til Earle Brown, Morton Feldman og Christian Wolff å presentere et sterkt lys, av den grunn at handlingen er provoserende i scoring, tolkning og hørsel". Allerede senere bruken av lyder laget elektronisk for forskjellige komposisjoner, som eksemplifisert ved stykket Marginal Intersection (1951) [ 63 ] av Morton Feldman . Dette stykket er beregnet på blåsere, messing, perkusjon, strykere, to oscillatorer og lydeffekter. [ 64 ]
Det finnes forskjellige typer musikk, og de som har sagt de tingene (hard kritikk for hans aggressive og provoserende stil) om hva jeg gjør liker en annen type musikk. Og de fleste av dem tror jeg det de liker er en type musikk som uttrykker følelser og ideer. De er ikke så interessert i lyder. Disse kritikerne er interessert i følelser. Og jeg liker at følelser oppstår i hver person. John Cage [ 65 ]Også i 1951 kjøpte Columbia University ( New York ) sin første båndopptaker, en profesjonell Ampex-maskin, for å spille inn konserter. Vladimir Ussachevsky , som underviste ved musikkfakultetet, var ansvarlig for enheten og begynte nesten umiddelbart å eksperimentere med den. Herbert Russcol indikerte i denne forbindelse: "Han ble snart fascinert av de nye sonoritetene han kunne oppnå ved å spille inn musikkinstrumenter og deretter legge dem på hverandre." [ 66 ] Ussachevsky uttalte senere: "Plutselig innså jeg at båndopptakeren kunne behandles som et instrument for lydtransformasjon." Torsdag 8. mai 1952 fremførte Ussachevsky, ved Columbia Universitys McMillin Theatre, forskjellige smakebiter av båndmusikk og effekter som han laget i det såkalte Composers' Forum. Disse inkluderte Transpose , Reverb , Experiment , Composition og Underwater Waltz . I et intervju uttalte han: "Jeg presenterte noen eksempler på oppdagelsen min på en offentlig konsert i New York sammen med andre komposisjoner jeg hadde skrevet for konvensjonelle instrumenter." Otto Luening, som hadde deltatt på denne konserten, kommenterte: "Utstyret han hadde til rådighet besto av en Ampex-båndopptaker og en enkel boksformet enhet designet av den briljante unge ingeniøren Peter Mauzey for å skape tilbakemeldinger, en form for etterklang. Mekanikk. resten av utstyret ble lånt eller kjøpt med personlige midler." [ 67 ]
I august 1952 reiste Ussachevsky, invitert av Luening, til Bennington ( Vermont ) for å presentere sine eksperimenter. Der samarbeidet begge om flere stykker. Luening beskrev hendelsen: "Utstyrt med hodetelefoner og fløyte begynte jeg å utvikle min første komposisjon for blokkfløyte. Vi improviserte begge flytende og mediet satte i gang fantasien." [ 67 ] De spilte noen av de tidlige stykkene uformelt på en fest der "flere komponister gratulerte oss nesten høytidelig og sa: 'Dette er det' ('det' betyr fremtidens musikk)". Nyheten nådde raskt New York City. Oliver Daniel ringte og inviterte paret til å "produsere en gruppe korte komposisjoner for oktoberkonserten sponset av American Composers Alliance og Broadcast Music, Inc., under ledelse av Leopold Stokowski ved Museum of Modern Art, New York . Henry Cowell stilte hjemmet og studioet sitt på Woodstock til disposisjon for oss.Med lånt utstyr bak i Ussachevskys bil dro vi fra Bennington til Woodstock og ble der i to uker.I slutten av september 1952 ankom det reisende laboratoriet stuen. Ussachevsky bor i New York, hvor vi endelig fullførte komposisjonene". [ 67 ] To måneder senere, 28. oktober, presenterte Vladimir Ussachevsky og Otto Luening den første konserten med innspilt musikk i USA. Konserten inkluderte Luenings Fantasy in Space (1952), "et impresjonistisk stykke virtuositet" ved bruk av manipulerte fløyteopptak, og Low Speed (1952), en "eksotisk komposisjon som presset fløyten langt under dets naturlige rekkevidde". Etter at flere konserter skapte sensasjon i New York City, ble Ussachevsky og Luening invitert til en direktesending av NBCs Today Show for å gjøre et intervju og fremføre den første TV-sendte elektroakustiske forestillingen. Luening beskrev hendelsen: "Jeg improviserte noen [fløyte]sekvenser for båndopptakeren. Ussachevsky på den tiden utsatte dem for elektroniske transformasjoner."
Utseendet til datamaskiner som utstyr som brukes til å komponere musikk representerte en viktig utvikling av elektronisk musikk i motsetning til manipulering eller skaping av lyder. Den rumenske komponisten av gresk opprinnelse Iannis Xenakis (1922-2001) grunnla den såkalte stokastiske musikken (musique stochastique) [ 68 ] preget av en komposisjonsmetode som bruker matematiske algoritmer for stokastisk sannsynlighet hvis resultat er skaping av stykker under et sett av parametere. [ 69 ] Med ideer i strid med totalitarismen , kjempet Xenakis i den greske motstandsbevegelsen under andre verdenskrig, og etter å ha unnsluppet en dødsdom slo han seg ned i Paris i 1947. Den franske hovedstaden vil være hans arbeidsplass både i hans musikalske utvikling og i hans utvikling. fasetter som matematiker og arkitekt , å være en samarbeidspartner med Le Corbusier . Xenakis brukte millimeterpapir og en linjal for å hjelpe ham med å beregne hastigheten til glissando -banene for sin orkesterkomposisjon Metastasis (1953–1954), [ 70 ] senere ved å bruke datamaskiner til å komponere stykker som ST/4 [ 71 ] for kvartett for strykere og ST/48 [ 72 ] for orkester. Andre bemerkelsesverdige verk gjennom hele karrieren inkluderer Nomos Alpha (1965), [ 73 ] Cenizas (1974) og Shaar (1982). [ 74 ]
Mange mente da at musikken min burde være kald musikk, siden det var matematikk i den. Og de sluttet å ta hensyn til det de hørte. Denne misforståelsen kom til å plage meg sterkt. ( ... ) Slik sett er musikk sannsynligvis den kunsten der dialog med seg selv er vanskeligst ( ... ) som peker på absolutt skaperverk, uten referanse til noe kjent, som et kosmisk fenomen, eller å gå lenger unna, trekke inn. en intim og hemmelig vei mot en slags avgrunn der, lykkelig, sjelen er absorbert. ( ... ) Av denne grunn er det nødvendig å finne opp den arkitektoniske formen som frigjør den kollektive høringen fra alle dens ulemper.» Iannis Xenakis [ 75 ]I Australia ble verdens første datamaskin i stand til å fremføre musikk utviklet. Den ble kalt CSIRAC og var en prototype utgitt i 1949 designet og bygget av Trevor Pearcey og Maston Beard . Matematiker Geoff Hill programmerte datamaskinen til å spille populære musikalske låter fra tidlig på 1950-tallet. I 1951 fremførte han offentlig stykket Colonel Bogey March , som ingen opptak er lagret av, men en nøyaktig rekonstruksjon er.
Imidlertid ble CSIRAC ganske enkelt brukt som en datamaskin med kapasitet til å tolke et standard musikalsk repertoar, men den ble ikke brukt til andre praksiser som komposisjon som om Iannin Xenakis gjorde det. Fremførelser spilt inn med denne datamaskinen ble aldri spilt inn, selv om rekonstruksjoner av den nøyaktig gjengitte musikken eksisterer. De tidligste kjente opptakene av datamaskingenerert musikk ble utført av Ferranti Mark I -datamaskinen , en kommersiell versjon for salg utenfor utdanningskretsen til Baby Machine-datamaskinen laget av University of Manchester høsten 1951. for Ferranti Mark I ble skrevet av Christopher Strachey .
I 1955 dukket det opp flere elektroniske og eksperimentelle studier. Viktig var etableringen av Phonology Studio, et studio ved NHK i Tokyo , og Phillips 'studio i Eindhoven , Nederland , som flyttet til Utrecht University som Institute of Sonology i 1960.
Effekten av datamaskiner fortsatte gjennom 1956. Lejaren Hiller og Leonard Isaacson komponerte Iliac Suite for en strykekvartett, det første komplette verket som ble komponert ved hjelp av en datamaskin ved hjelp av en komposisjonsalgoritme. Ytterligere utvikling inkluderte arbeidet til Max Mathews ved Bell Laboratories , som utviklet det innflytelsesrike MUSIC I -programmet . Vocoder- teknologi var en annen viktig utvikling i denne epoken.
I 1956 komponerte Stockhausen Gesang der Jünglinge , Köln-studioets første store verk, basert på en tekst fra Daniels bok . En viktig teknologisk utvikling var oppfinnelsen av Clavivox synthesizer av Raymond Scott , med montering av Robert Moog .
En annen milepæl i amerikansk elektronisk musikk var utgivelsen av lydsporet til Forbidden Planet (1956) komponert og produsert av Louis og Bebe Barron . [ 76 ] Science fiction-film , regissert av Fred M. Wilcox og med Walter Pidgeon , Anne Francis og Leslie Nielsen i hovedrollene , musikken ble komponert med kun tilpassede elektroniske kretser og lydopptakere. Til tross for mangelen på synthesizere , i moderne forstand siden dette instrumentet ville ta noen år å utvikle, var dets innvirkning på populærkulturen bemerkelsesverdig siden det var første gang et stort Hollywood-studio valgte denne typen lyd for en av dine. prosjekter. [ 77 ] Den ble imidlertid ikke godt mottatt av American Federation of Musicians, på grunn av at den ikke hadde noe orkesterarrangement, noe som førte til at disse avantgarde-komposisjonene ble kalt "elektroniske tangenter" i stedet for "musikk". [ 78 ]
RCA Mark II Sound Synthesizer dukket opp i 1957. I motsetning til de tidlige Theremin og Ondes Martenot, var den vanskelig å bruke da den krevde omfattende programmering og ikke kunne spilles i sanntid. Noen ganger kalt den første elektroniske synthesizeren, RCA Mark II Sound Synthesizer brukte termioniske ventiloscillatorer og inkorporerte den første sequenceren . Den ble designet av RCA og installert på Columbia-Princeton Electronic Music Center, hvor den forblir i dag. Deretter begynte Milton Babbitt , påvirket i studieårene av Schoenbergs "revolusjon i musikalsk tanke", å bruke serieteknikker på elektronisk musikk.
Dette var fruktbare år for elektronisk musikk, ikke bare akademisk, men også for noen uavhengige artister ettersom synthesizerteknologi ble mer tilgjengelig. På dette tidspunktet hadde et mektig fellesskap av komponister og musikere som arbeider med nye lyder og instrumenter etablert seg og vokste. I løpet av disse årene dukker det opp komposisjoner som Luenings Gargoyle for fiolin og bånd, samt urfremføringen av Stockhausens Kontakte for elektroniske lyder, piano og perkusjon. I sistnevnte forlot Stockhausen den tradisjonelle musikalske formen basert på en lineær utvikling og et dramatisk klimaks. I denne nye tilnærmingen, som han kalte "øyeblikksform", huskes de filmatiske spleiseteknikkene fra tidlig 1900- talls kino .
Den første av disse synthesizerne som dukket opp var Buchla , i 1963, et produkt av den konkrete musikkkomponisten Morton Subotnicks innsats .
Theremin hadde blitt brukt siden 1920 -tallet , og opprettholdt en viss popularitet takket være bruken i en rekke science fiction-filmlydspor fra 1950-tallet (for eksempel: Bernard Herrmanns The Day the Earth Stood Still ). I løpet av 1960-tallet gjorde Theremin sporadiske opptredener i populærmusikk.
I Storbritannia i denne perioden dukket BBC Radiophonic Workshop (opprettet i 1958) opp som et av de mest produktive og anerkjente studioene i verden, takket være arbeidet med science fiction-serien Doctor Who . En av de mest innflytelsesrike britiske elektroniske artistene i denne perioden var Delia Derbyshire . Den er kjent for sin ikoniske fremføring fra 1963 av temasangen Doctor Who , komponert av Ron Grainer og anerkjent av noen som det mest kjente stykke elektronisk musikk i verden. Derbyshire og hans kolleger, inkludert Dick Mills , Brian Hodgson (skaper av TARDIS -lydeffekten ), David Cain , John Baker , Paddy Kingsland og Peter Howell , utviklet et omfattende arbeid inkludert partiturer, atmosfærer, symfonier av programmer og lydeffekter for BBC TV og dets radiostasjoner.
I 1961 opprettet Josef Tal senteret for elektronisk musikk i Israel ved det hebraiske universitetet , og i 1962 kom Hugh Le Caine til Jerusalem for å sette opp sin kreative båndopptaker i senteret. [ 79 ]
Milton Babbitt komponerte sitt første elektroniske verk ved å bruke synthesizeren, som ble laget ved hjelp av RCA ved CPEMC. Samarbeid ble utført for å overvinne barrierene til hav og kontinenter. I 1961 inviterte Ussachevsky Varèse til Columbia-Princeton Studio (CPEMC), og ble assistert av Mario Davidovsky og Bülent Arel . Den intense aktiviteten til CPEMC, blant andre, inspirerte opprettelsen av Tape Music Center i San Francisco i 1963, av Morton Subotnick sammen med andre ekstra medlemmer, som Pauline Oliveros , Ramón Sender, Terry Riley og Anthony Martin. Et år senere fant det første elektroniske musikkseminaret i Tsjekkoslovakia sted , organisert på Radio Broadcast Station i Plzen.
Fra dette tidspunktet fortsatte nye instrumenter å utvikles, med et av de viktigste gjennombruddene som fant sted i 1964, da Robert Moog introduserte Moog-synthesizeren , den første analoge synthesizeren kontrollert av et integrert modulært spenningskontrollsystem. Moog Music introduserte senere en mindre synthesizer med et keyboard kalt Minimoog , som ble brukt av mange komponister og universiteter, og ble dermed veldig populært. Et klassisk eksempel på bruken av den overdimensjonerte Moog er Wendy Carlos album Switched- On Bach .
I 1966 grunnla Pierre Schaeffer Groupe de Recherches Musicales (Musical Research Group) for studier og forskning av elektronisk musikk. Programmeringen er strukturert basert på en forpliktelse til prosessene for formidling, forskning og skapelse av samtidsmusikk og de mest aktuelle trendene innen videokunst og bilde. Utstillingene og konsertene blir gjengitt i sanntid gjennom elektroniske enheter, audio-video-grensesnitt og en stab av nasjonale og internasjonale musikere og videokunstnere som er åpne for bruk av banebrytende teknologier.
CSIRAC , den første datamaskinen som spilte musikk, utførte denne handlingen offentlig i august 1951. [ 80 ] En av de første storstilte demonstrasjonene av det som ble kjent som datamusikk var en forhåndsinnspilt nasjonal sending på NBC -nettverket for Monitor -programmet 10. februar 1962. Et år tidligere programmerte LaFarr Stuart Iowa State Universitys CYCLONE - datamaskin til å spille enkle, gjenkjennelige sanger gjennom en forsterket høyttaler koblet til et system som opprinnelig ble brukt til administrasjon og diagnose.
På 1950-, 1960- og 1970-tallet ble det også utviklet store rammeverk for datamaskinsyntese. I 1957 utviklet Max Mathews fra Bell Labs MUSIC-programmet, som kulminerte med et direkte digitalt syntesespråk.
I Paris ble IRCAM det ledende forskningssenteret for datamaskinskapt musikk, og utviklet Sogitec 4X datasystem [ 81 ] som inkluderte et revolusjonerende digitalt signalbehandlingssystem i sanntid. Répons (1981), et verk for 24 musikere og 6 solister av Pierre Boulez , brukte 4X-systemet til å transformere og dirigere solistene mot et høyttalersystem.
I USA ble live electronica først fremført på 1960-tallet av medlemmer av Milton Cohens Space Theatre i Ann Arbor, Michigan , inkludert Gordon Mumma , Robert Ashley , David Tudor og The Sonic Arts Union. , grunnlagt i 1966 av de som er nevnt ovenfor. , også inkludert Alvin Lucier og David Behrman. ONCE-festivalene, som viser multimediemusikk for teatret, ble organisert av Robert Ashley og Gordon Mumma i Ann Arbor mellom 1958 og 1969. I 1960 komponerte John Cage Cartridge Music , et av de første elektroniske verkene.
Jazzkomponister og musikere , Paul Bley og Annette Peacock , var blant de første som opptrådte på konsert med Moog-synthesizere på slutten av 1960-tallet. Peacock brukte jevnlig en tilpasset Moog-synthesizer for å behandle stemmen både på scenen og på innspillinger.
Over tid begynte det å dannes sosiale arrangementer som forsøkte å samle et stort antall konserter med ulike liveartister. Til dags dato har mange festivaler manifestert den elektroniske scenen, mange av dem har satt rekorder for massivt oppmøte på arrangementet. Noen av de mest representative og fremragende festivalene i sjangeren er:
For tiden fortsetter det å dukke opp megafestivaler som søker å utvide essensen av den elektroniske sjangeren.
Robert Moog (også kjent som Bob Moog), på slutten av 1963, møtte den eksperimentelle komponisten Herbert Deutsch, som i sin søken etter nye elektroniske lyder inspirerte Moog til å lage sin første synthesizer, Moog Modular Synthesizer. [ 82 ]
Moog, selv om det tidligere var kjent for musikk- og utdanningsmiljøet, ble introdusert for samfunnet høsten 1964, da Bob demonstrerte det på Audio Engineering Society Convention i Los Angeles. På dette stevnet mottok Moog allerede sine første bestillinger og virksomheten tok fart.
Moog Music-selskapet vokste dramatisk i de første årene, og ble enda mer populært da Wendy Carlos ga ut Switched on Bach -albumet . Bob designet og markedsførte nye modeller, for eksempel Minimoog (den første bærbare versjonen av Moog Modular), Moog Taurus (oktavforlengelsespedaltastatur, med transposisjon for bass og diskant), PolyMoog (første 100 % polyfonisk modell), MemoryMoog (polyfonisk, det tilsvarte seks MiniMoog i en), MinitMoog, Moog Sanctuary, etc.
Moog visste ikke hvordan han skulle styre selskapet sitt godt, og selskapet hans gikk fra å ha ventelister på ni måneder til å ikke motta noen bestillinger. Tynget av gjeld mistet han kontrollen over selskapet og det ble kjøpt opp av en investor. Likevel fortsatte han å designe musikkinstrumenter til 1977, da han forlot Moog Music og flyttet til en liten by i Appalachian Mountains. Moog Music kollapset like etter.
I 1967 henvendte Kato seg til ingeniøren Fumio Mieda, som ønsket å begynne å bygge musikalske keyboard. Ansporet av Miedas entusiasme ba Kato ham bygge en tastaturprototype, og 18 måneder senere ga Mieda ham et programmerbart orgel. Keio-selskapet solgte dette orgelet under Korg -merket , laget av kombinasjonen av navnet med ordet orgel, på engelsk Organ .
Keio-produserte orgler var vellykket på slutten av 1960-tallet og begynnelsen av 1970 -tallet , men, klar over konkurranse fra de store, etablerte orgelprodusentene, bestemte Kato seg for å bruke elektronisk orgelteknologi for å bygge keyboard rettet mot orgelmarkedet. Faktisk ble den første Keio-synthesizeren (MiniKorg) introdusert i 1973. Etter suksessen til dette instrumentet, introduserte Keio flere rimelige synthesizere på 1970- og 80- tallet under Korg-merket.
I 1970 komponerte Charles Wuorinen Time's Encomium , og ble dermed den første vinneren av Pulitzer-prisen for å være en helt elektronisk komposisjon. På 1970-tallet ble også bruken av synthesizere mer utbredt i rockemusikken, med eksempler som: Pink Floyd , Tangerine Dream , Yes and Emerson, Lake & Palmer , etc.
Gjennom 1970-tallet stod band som The Residents og Can i spissen for en eksperimentell musikkbevegelse som inkorporerte elementer av elektronisk musikk. Can var en av de første gruppene som brukte tapesløyfer til rytmeseksjonen, mens The Residents laget sine egne trommemaskiner. Også rundt denne tiden begynte forskjellige rockeband, fra Genesis til The Cars , å inkludere synthesizere i rockearrangementene sine.
I 1979 var musikeren Gary Numan med på å bringe elektronisk musikk til et bredere publikum med sin pophit Cars , fra albumet The Pleasure Principle . Andre grupper og artister som bidro betydelig til å popularisere musikk skapt utelukkende eller hovedsakelig elektronisk var Kraftwerk , Depeche Mode , Jean Michel Jarre , Mike Oldfield eller Vangelis .
I 1980 ble en gruppe musikere og produsenter enige om å standardisere et grensesnitt der forskjellige instrumenter kunne kommunisere med hverandre og med hoveddatamaskinen. Standarden ble kalt MIDI ( Musical Instrument Digital Interface ). I august 1983 ble MIDI 1.0-spesifikasjonen ferdigstilt.
Ankomsten av MIDI-teknologi tillot at med den enkle handlingen å trykke på en tast, kontrollere et hjul, flytte en pedal eller gi en ordre på en mikrodatamaskin, kunne hver og en av enhetene i studioet aktiveres eksternt og på en synkronisert måte • reagerer på hver enhet i henhold til betingelsene som er prefiksert av komponisten.
Miller Puckette utviklet 4X grafisk signalbehandlingsprogramvare kalt Max , som senere skulle bli integrert i Macintosh for sanntids MIDI-kontroll, noe som gjorde algoritmisk komposisjon tilgjengelig for enhver komponist med minimal kunnskap om dataprogrammering.
I 1979 lanserte det australske selskapet Fairlight Fairlight CMI (Computer Musical Instrument), det første praktiske digitale polyfoniske samplersystemet . I 1983 introduserte Yamaha den første frittstående digitale synthesizeren, DX-7 , som brukte frekvensmodulasjonssyntese (FM-syntese), først testet av John Chowning på Stanford på slutten av 1960-tallet.
Mot slutten av 1980- tallet ble dansemusikkplater som utelukkende brukte elektronisk instrumentering stadig mer populære. Denne trenden har fortsatt til i dag, med elektronisk musikk som blir hørt regelmessig i klubber rundt om i verden.
På 1990 -tallet ble det mulig å gjennomføre forestillinger ved hjelp av interaktive datamaskiner. En annen nyere utvikling er Tod Machovers (MIT og IRCAM) komposisjon Begin Again Again for hypercello, et interaktivt system av sensorer som måler cellistens fysiske bevegelser. Max Methews utviklet Conductor-programmet for sanntidskontroll av tempoet, dynamikken og klangen til et elektronisk spor.
Etter hvert som datateknologien blir mer tilgjengelig og musikkprogramvaren skrider frem , er musikkproduksjon mulig ved bruk av midler som ikke har noe forhold til tradisjonell praksis. Det samme skjer med konserter, og utvider praksisen med bærbare datamaskiner og live-koding . Begrepet Live PA er populært for å beskrive alle typer liveopptredener av elektronisk musikk, enten du bruker en datamaskin, synthesizer eller andre enheter.
På 1990- og 2000 -tallet dukket det opp ulike programvarebaserte virtuelle studiomiljøer , med produkter som Propellerhead's Reason og Ableton Live som ble stadig mer populære. Disse verktøyene gir nyttige og rimelige alternativer til maskinvarebaserte produksjonsstudioer . Takket være fremskritt innen mikroprosessorteknologi har det blitt mulig å lage musikk av høy kvalitet ved å bruke lite mer enn en enkelt datamaskin. Disse fremskrittene har demokratisert musikalsk skapelse, og har dermed økt massivt og blitt tilgjengelig for publikum på internett.
Utviklingen av programvare og virtuelle produksjonsmiljøer har ført til at en hel rekke enheter, som tidligere kun eksisterte som maskinvare, nå er tilgjengelige som virtuelle deler, verktøy eller programvareplugins . Noen av de mest populære programvarene er Max/Msp og Reaktor , samt åpen kildekode - pakker som Pure Data , SuperCollider og ChucK .
Fremskritt innen miniatyrisering av elektroniske komponenter, som i sin tid lettet tilgang til instrumenter og teknologier som kun ble brukt av musikere med store økonomiske ressurser, har gitt opphav til en ny revolusjon i de elektroniske verktøyene som brukes til musikalsk skapelse. For eksempel, i løpet av 90-tallet, inkorporerte mobiltelefoner monofoniske tonegeneratorer som noen fabrikker brukte ikke bare for å generere ringetoner for utstyret deres, men også tillot brukerne å ha noen verktøy for å lage musikk. Deretter banet stadig mindre og kraftigere bærbare datamaskiner, lommedatamaskiner og personlige digitale assistenter ( PDAer ) vei for dagens nettbrett og smarttelefoner som ikke bare tillater bruk av tonegeneratorer, men også andre verktøy som samplere , monofoniske og polyfoniske synthesizere, flersporsopptak osv . De som tillater musikalsk skapelse nesten hvor som helst.