Elizabethan Theatre (1578-1642) navngir settet med dramatiske verk skrevet og fremført under regjeringen til Elizabeth I av England (dronning fra 1558 til 1603), og spesielt arbeidet til William Shakespeare (1564-1616).
Faktisk utvider forskere generelt den elisabethanske epoken til å omfatte regjeringen til James I (død 1625), og snakket da om "Jacobin-teateret", og til og med utover, inkludert etterfølgeren til hans etterfølger, Charles I , frem til nedleggelsen av teatrene. 1642 på grunn av ankomsten av borgerkrigen ("Caroline teater"). Det faktum at det fortsetter utover Elizabeth I's regjeringstid gjør at dramaet som ble skrevet mellom den anglikanske reformasjonen og nedleggelsen av teatrene i 1642, kalles English Renaissance Theatre .
Shakespeare dedikerer til James I noen av hans store skuespill, skrevet for å feire suverenens tiltredelse til tronen, som Othello (1604), King Lear (1605), Macbeth (1606, en hyllest til Stuart -dynastiet ) og The Tempest ( 1611, som inkluderer blant annet en " maskerade ", et musikalsk mellomspill til ære for kongen som deltok på den første forestillingen.)
Den elisabethanske perioden sammenfaller ikke kronologisk i sin helhet med den europeiske renessansen og i enda mindre grad med den italienske , og viser en sterk manneristisk og barokk aksent i sine senere utdypninger.
Den elisabethanske epoken betydde Englands inntreden i den moderne tidsalder under press av vitenskapelig-teknologiske innovasjoner som den kopernikanske revolusjonen og de store geografiske utforskningene (det er når den engelske koloniseringen av Nord-Amerika begynner ). Uværet er satt, ikke ved en tilfeldighet, på en karibisk øy hvis befolkning (symbolsk representert av den "vilde" Caliban og hans mor, magikeren Sycorax) er underlagt Prosperos magiske kunst, det vil si teknologien og fremskrittet til Europeiske nybyggere .
Separasjonen av bane mellom pavedømmet og Det hellige romerske rike , med nederlaget til Filip II av Spania og hans uovervinnelige Armada (1588), den større økonomiske velstanden på grunn av utvidelsen av handelen over Atlanterhavet , beseglet triumfen til Elizabeth og fødselen til det moderne England. I denne tiden med kulturutveksling vokste interessen for litterae humanoe og derfor i Italia , hvor de intellektuelle som hadde flyktet fra Konstantinopel (1453) hadde tatt med seg eldgamle manuskripter av de store greske og latinske klassikerne, noe som ga opphav til en enestående interesse for den gresk - romerske antikken og studier av det hebraiske språket .
Humanismen ble deretter født i Italia (et kall fremfor alt filosofisk og arkeologisk ), bestemt til å modnes på 1500-tallet under renessansen , med skapelsen av moderne kunst og arkitektur og en teknologisk fornyelse i stor skala (man tenker fremfor alt på en Leonardo da Vinci ). Hvis renessansen i Italia var uttømt mot midten av 1500-tallet, varte den i Nord- Europa (hvor den kom senere) til de første tiårene av 1600-tallet.
Dette ønsket om fornyelse og modernitet spredte seg også i London. Ikke engang de skumle beretningene om Machiavellis påståtte reiser til landet , som Thomas Nashes The Unfortunate Traveller, eller The Life of Jack Wilton , kunne dempe publikums entusiasme: Prinsens amoral og stemmene til pavelige konspirasjoner de i stedet bidro med . å holde interessen for Italia i live . I selve hovedstaden var et samfunn av italienske immigranter (hvorav mange var dramatikere og skuespillere) merkbar: med dem hadde Shakespeare, Christopher Marlowe , den nest mest fremtredende dramatikeren, og deres samtidige antagelig vennskapelige forhold og hyppig profesjonelt samarbeid.
På Shakespeares tid var det ikke mange som kunne lese dramaene på latin og enda færre på gresk , et språk som først begynte å bli kjent da. Senecas verk , som allerede var et emne av stor interesse for italienske humanister, spredte seg, men hovedsakelig gjennom italienske tilpasninger som ikke avvek lite fra originalens ånd. [ 1 ] Forfatterne introduserte scener med vold og grusomhet i representasjonene i stedet for den sanne historien fortalt av deres vitnesbyrd. Men det var den italienskiserte versjonen, der ondskapen ble fremstilt i all sin intensitet, som gledet de elisabethanske dramatikerne og fant publikums interesse.
Et drama som er nært knyttet til de sceniske effektene og som griper de voldsomste følelsene, er da forbundet med lidenskapene til den mest sykelige kjærligheten : det gamle maleriet malt med en subtil hånd er restaurert med strøk så tykke at de nesten skjuler kunstnerens berøring. Det er ikke tilfeldig at de samme renessansedramatikerne jobbet samtidig med verk av den "blandede" typen, som "pastorales" eller " tragicomedes ", en sammensmelting av komedie og tragedie , som bringer sammen det tragiske, det komiske og det komiske. romantisk.
Blandingen av sjangere som er typiske for den engelske renessansen ble også opplevd av Elizabethanerne, hvis tragedier og komedier imidlertid opprettholdt en større ironisk og realistisk separasjon. Stormen har mye av en tragikomedie, men ironien og humoren til karakterene, dybden i den filosofiske utforskningen gir den større oppmuntring. Det samme kan sies om mange andre store Shakespeare- og Elizabethanske komedier, der tegneserien er fatalt blandet med det tragiske, slik det faktisk er i moderne kino . Spøkeren i Kong Lear , og galskapen til kongen som ble vanæret av sviket til døtrene hans, som han av hengivenhet hadde gitt bort hele eiendommen hans, ga komisk lettelse til publikum ved å fremheve, som ved chiaroscuro -effekt , Lears personlig tragedie og Englands nasjonale tragedie brutt av borgerkrig.
Den elisabethanske epoken begrenset seg ikke til å tilpasse modellene: den fornyet gjerne meteret med blankt vers (blankt vers , jambisk pentameter uten rim), som ganske trofast imiterer senequist latinske vers, og frigjorde dramatisk dialog fra rimets kunstighet , samtidig som den bevarte regelmessigheten til de fem fot vers . Blanke vers ble introdusert av jarlen av Surrey da han i 1540 publiserte en oversettelse av Aeneiden med denne metriske formen , men Gorboduc of Sackville and Norton ( 1561 ) for bruk i drama må forventes å kulminere i John Miltons bibelske episk , Paradise Lost . Ideen om å bruke en slik måler kom til Surrey fra Molzas versjon av Aeneiden , oppfinneren av versi sciolti (fritt vers) . Elizabethansk teater introduserte også en hel serie med avantgarde teatralske teknikker som ble brukt århundrer senere av kino og TV . Den engelske scenen på slutten av 1500-tallet (spesielt hos Shakespeare) presenterer en hyppig og rask rekke av scener som får en til å gå raskt fra et sted til et annet, og hopper over timer, dager, måneder med en smidighet som er nesten lik moderne kino. . Blanke vers spiller ingen liten rolle i å gi poesien samtalens spontanitet og resitasjonens naturlighet.
Aristoteles ' poetikk , som definerte enheten mellom tid og handling (det av rom er et tillegg av humanistene) i dramaet, klarte å tvinge seg bedre inn på kontinentet: bare noen akademiske klassisister som Ben Jonson fulgte den til punkt og prikke. forskriftene, men disse karakterene har ikke livet til Shakespeares, og forblir (spesielt i Jonsons tilfelle) på nivået "typer" eller "masker". Det var i stor grad gjennom å gi avkall på regler at det elisabethanske teatret var i stand til å utvikle seg på de nye måtene Shakespeare, Beaumont, Fletcher, Marlowe og mange andre fant grobunn for sitt geni.
Den elisabethanske omlesningen av klassikerne var en storm av innovasjoner i eldgamle historier, som virkelig fremhevet den universelle kvaliteten til store historiske eller legendariske karakterer. Med en annen stil og en annen teknikk blir selv sosiale problemer behandlet på en moderne måte, i all sin psykologiske kompleksitet, og bryter konsoliderte sosiale tabuer ( sex , død , kannibalisme , galskap ). Man kan tenke på den "forbudte" kjærligheten mellom Romeo og Julie , to unge mennesker på henholdsvis seksten og fjorten år, som om noen dager bestemmer seg for å gifte seg og stikke av hjemmefra; i representasjonen av elskernes selvmord . I Kong Lear er døtrenes forlatelse av den gamle kongen det dominerende temaet (og det er ikke noe mer aktuelt enn dramatikken rundt forlatelsen av de eldre og fragmenteringen av familieenheten). Denne egenskapen, som langt fra "forverrer" karakterene, gjør dem mer like oss, og viser at de på dette tidspunktet fortsatt beveger oss dypt.
At det elisabethanske teatret var et "åpent teater" og ikke bare i den bokstavelige betydningen av begrepet, ser ut til å demonstreres også av de elisabethanske skuespillernes og dramatikernes følelse av selvironi . Skuespilleren liker å snakke til publikum "mellom linjene", for å snu selve karakteren han resiterer på hodet, i påvente av Bertolt Brechts ironiske avstand fra teatret . For denne klassen av skuespillere finner den elisabethanske dramatikeren opp teatret i teatret . Det har blitt sett i maskeraden til The Tempest , men det mest emblematiske eksemplet er Hamlet , der den unge tronarvingen i Danmark ansetter en gruppe omreisende skuespillere til å opptre foran øynene til Claudius, som han mistenker of being har myrdet sin far, et drama som rekonstruerer det påståtte drapet. Til slutt reiser Claudius seg, avsky og livredd, og forlater banen. Ved dette vil den unge Hamlet bli overbevist om skylden (inntil da bevist) til sin stefar, som planlegger drapet hans. Andre eksempler på dette finner vi blant Elizabethanerne, med lignende suksess som "kino innen kinoen", men også med "teateret i kinoen".
At elisabethansk teater generelt og Shakespeare spesielt var forut for sin tid ser ut til å være bevist, hevdet Anthony Burgess , av suksessen med filmtransposisjoner og TV-dramatiseringer, nesten som om disse dramaene var skrevet for oss. [ 2 ] Suksessen til Zeffirellis film Romeo og Julie er bemerkelsesverdig . Paradoksalt nok ser en slik tilpasningsevne til kino ut til å skyldes det faktum at opprinnelsen til elisabethansk teater finnes i middelalderske dramatiske sjangre, som mysterier , mirakler og moral , populære forestillinger som fant sted først i kirker og senere på store torg. eller på messer. Mangelen på scene og kostymer overlot suksessen til forestillingen i hendene på skuespillerne. Behovet for improvisasjon (ofte hjulpet av litt humor) kombinert med mangelen på sofistikert teaterarkitektur , mer enn å bekymre skuespillerne, frigjorde dem fra de overdrevne begrensningene ved iscenesettelse, mens mangelen på spesialeffekter ble levert av den poetiske oppfinnelsen som gjenskapte med dens rike beskrivelser, litt som det som skjer med radioen med hensyn til fjernsyn, der det som "manglet" beriket det dramatiske språket over alt.
Elizabethansk teater var populært, men det hadde et dårlig rykte. Myndighetene i London forbød det fra byen, så teatrene ble plassert over Themsen , i Southwark- eller Blackfriars -området , utenfor bymyndighetenes område.
Etableringen av store og økonomisk lønnsomme offentlige teatre var en vesentlig faktor for suksessen til det engelske renessanseteateret. Vendepunktet var bygningen av The Theatre av James Burbage , i Shoreditch i 1576 . Teatret ble raskt fulgt av det nærliggende Curtain Theatre ( 1577 ). Når Londons offentlige teatre – inkludert The Rose ( 1587 ), The Swan ( 1595 ), The Globe Theatre ( 1599 ), Fortune Theatre ( 1600 ) og Red Bull ( 1604 ) – var i drift, ble teateret det permanent distraksjon, snarere enn en og annen ting.
Disse teatrene beholdt mye av den gamle middelalderske enkelheten. Enkelte arkeologiske utgravninger på slutten av 1900-tallet har vist at selv om teatrene hadde individuelle forskjeller, gjorde deres felles funksjon at de alle fulgte et enkelt generelt opplegg. [ 3 ] Inspirert i sin opprinnelse i datidens sirkus for kampen mellom bjørner eller hunder eller i vertshusene, billige etablissementer i provinsene, bestod teaterbygningen av en veldig enkel konstruksjon av tre eller stein, ofte sirkulær og utstyrt med stor innvendig uteplass, lukket rundt, men uten tak. En slik uteplass ble teatrets boder , mens galleriene stammet fra de indre balkongene til vertshusene. Da vertshuset eller sirkuset ble teater, ble lite eller ingenting endret fra den gamle konstruksjonen: forestillingene fant sted på uteplassen, i sollyset. Den elisabethanske skuespilleren resiterte i midten, ikke foran folket: faktisk "gikk" scenen inn i en stall som omringet den på tre sider (bare baksiden var reservert for skuespillerne, og ble beskyttet av bygningen). Som i middelalderen var publikum ikke bare en tilskuer, men deltok i dramaet. Fraværet av " spesialeffekter " forfinet den gesturale, mimiske og verbale kapasiteten til skuespillerne, som visste hvordan de på mesterlig vis kunne skape usynlige steder og verdener (Prosperos magi i The Tempest refererer metaforisk til denne "stemningsfulle" magien).
Musikerne holdt tidligere til mellom 2. og 3. etasje på scenen. Kapasiteten var mellom 1.500 og 2.000 tilskuere. Det var ingen avbrudd mellom handling og handling siden naturen var knapp. Møblene og gjenstandene ga plasseringen av handlingen (en trone var domstolen, et tavernabord, en taverna, etc.).
Senere teatre, som Blackfriars Theatre ( 1599 ), Whitefriars ( 1608 ) og Cockpit ( 1617 ) ble lukket og overbygd. Med opprettelsen av Salisbury Court Theatre i 1629 hadde London-publikummet seks teatre å velge mellom: tre overlevde fra dagene til de store friluftsteatrene, Globe, Fortune og Red Bull, og tre " private" teatre, mindre og lukkede. Dermed var den teatralske kapasiteten til hovedstaden mer enn 10 000 mennesker etter 1610. [ 4 ]
Mens det italienske renessansedramaet utviklet seg som en elitistisk kunstform, var det elizabethanske teatret en stor beholder som fascinerte alle klasser , og fungerte dermed som en sosial "leveller". Forestillingene ble deltatt av prinser og bønder, menn, kvinner og barn, fordi billetten var tilgjengelig for alle, men med forskjellige priser:
Den som blir stående nedenfor, betaler bare en krone, men vil han sette seg ned, setter de ham gjennom en annen dør, hvor han betaler en krone til; hvis du vil sitte på en pute på det beste stedet, hvor du ikke bare ser alt, men kan se deg, må du betale en krone til ved en tredje dør. Thomas Platters beskrivelse av Basel i 1599 , etter å ha besøkt The Curtain . [ 5 ]Å gå på teater var en dypt forankret skikk på den tiden. Av denne grunn måtte alle dramaene tilfredsstille forskjellig smak: de av soldaten som ønsket å se krig og dueller, kvinnen som lette etter kjærlighet og følelse, advokaten som var interessert i moralfilosofi og lov , og så videre med alle . Selv teaterspråket reflekterer dette kravet, beriker seg med svært varierte registre og får stor uttrykksfleksibilitet.
For å bygge en sannferdig karakter, menneskelig nær folket, ble det ikke ansett som nødvendig å bruke store kostymer eller være arkeologisk trofast mot historiske fakta.
Selskapene fungerte på et repertoarsystem. De fremførte sjelden det samme stykket to dager på rad.
Å ansette skuespillerinner var forbudt ved lov, og forble slik gjennom hele 1600-tallet , selv under det puritanske diktaturet . De kvinnelige karakterene ble da representert av gutter. Men dette reduserte ikke suksessen til forestillingene, som datidens vitnesbyrd og de kontinuerlige protestene mot teaterkompaniene fra de puritanske administratorene av byen beviser .
Det var et teater som ble drevet av private selskaper bestående av skuespillere, som betalte forfattere for å fremføre sitt arbeid og andre sekundære skuespillere. Noen leide teatret og andre eide det. Hvert selskap hadde en aristokrat, som var en slags moralsk stedfortreder. Bare beskyttelsen som ble gitt av gruppen av skuespillere med prinser og konger - hvis skuespilleren hadde på seg livreien kunne han faktisk ikke bli arrestert - kunne redde Shakespeare og mange av hans følgesvenner fra fordømmelsene av ugudelighet lansert av den puritanske kommunen. En lov fra 1572 eliminerte selskaper som manglet formell beskyttelse ved å betrakte medlemmene deres som "vagabonds". Navnet på mange teaterkompanier stammer fra denne formen for beskyttelse: Admiralens menn og Kongens menn var " admiralens menn " og " herrens menn ". Et selskap som ikke hadde hatt en mektig beskytter bak seg kunne havne i en rekke vanskeligheter og se showene kanselleres over natten.
Til disse problemene kommer at lønnen for skuespillerne var svært lav.
Kongerådet måtte godkjenne hvert og et av verkene siden det var sensur angående moralske spørsmål som sex, ondskap, demonstrasjoner mot Gud, kirken osv.
Londons voksende befolkning, borgernes større rikdom og lidenskapen for skuespillet ga en dramatisk litteratur av bemerkelsesverdig variasjon, kvalitet og lengde. Selv om de fleste tekstene skrevet for den elisabethanske scenen gikk tapt, er rundt 600 bevart, vitnesbyrd om en kulturelt levende epoke.
Forfatterne av disse dramaene var først og fremst selvlærte fra beskjeden opprinnelse, selv om noen må ha blitt utdannet ved Oxford eller Cambridge . [ 6 ] Selv om William Shakespeare så vidt kjent var skuespiller, var de fleste av dem ikke det, og ingen forfatter etter 1600 er kjent for å ha gått på scenen som skuespiller for å runde av inntektene sine.
Ikke alle dramatikere samsvarer med moderne bilder av poeter eller intellektuelle . Christopher Marlowe ble drept i et kroslagsmål, Shakespeare akkompagnerte Londons underverdenskarakterer og avrundet inntekten sin ved å låne ut penger, mens Ben Jonson drepte en skuespiller i en duell . Mange andre var muligens soldater. Kanskje i ingen annen epoke er dramaet mer reelt og berører alles sensibilitet: konspirasjoner, politiske attentater, dødsdommer og vold var dagens orden, også fordi renessansen er en tid med traumatiske endringer: i Italia, og på alle i Firenze , de politiske plottene til palasset og mellomkrigene blodet byen: Tidens storhet betrakter dermed sin egen krise, som også er krisen og den definitive overvinnelsen av middelalderen .
Dramatikk var et betalt yrke, men så lenge de klarte å produsere to skuespill i året. [ 7 ] Siden dramatikere tjente lite på salget av skuespillene sine, måtte de skrive mye for å leve. De fleste profesjonelle dramatikere tjente i gjennomsnitt 25 pund i året, et bemerkelsesverdig tall for tiden. De ble generelt betalt i rater etter hvert som skrivingen av arbeidet skred frem, og hvis teksten til slutt ble akseptert, kunne de også få fordelene ved en dag med fremføring. De nøt ennå ingen rettigheter til det de hadde skrevet. Da teksten ble solgt til et selskap, eide selskapet den og forfatteren hadde ingen kontroll over valg av skuespillere eller forestilling, og heller ikke over påfølgende revisjoner og publikasjoner.
Marlowe var en merkelig karakter som var forut for sin tid, ansett som en antecedent av Shakespeare, hovedsakelig av hans historiske tragedier. [ 8 ] Det ville revolusjonere typen karakterer han skal sette på scenen: verkene hans ville angripe moralen, kronen og kirken . Det har blitt hevdet at han var ateist , og det er bevis på hans tjenester til dronningen (sannsynligvis som spion). Det har vært spekulasjoner om hans mulige homoseksuelle tendens , selv om det er et problem som ikke har blitt bekreftet og tilskrives handlingen i arbeidet hans Edward II, sentrert om hans kjærlighetsforhold til hans favoritt Gaveston, og til anklagen fra Thomas Kyd , en følgesvenn og venn, utsatt for tortur. [ 9 ] I sin tid oppnådde han stor berømmelse og hans teater ble fremført med bemerkelsesverdig suksess.
Shakespeare gikk ikke på college, bryter de klassiske enhetene rom, tid og handling og blander sjangere. [ 10 ] Kopier greske og latinske elementer, fra andre forfattere og fra britisk historie; Den tok for seg seksuelle, magiske og kvinnefiendtlige temaer.
Jacobin og Caroline teaterKarakteren til dramaet endret seg med Stuart - kongene . Med utviklingen av private teatre ble dramaet mer orientert mot smaken og verdiene til det øvre sosiale klassepublikummet. I perioden med Carlos I 's regjeringstid ble det skrevet få nye verk i de offentlige teatrene, som ble opprettholdt takket være verkene som ble akkumulert i de foregående tiårene. Den voksende puritanske bevegelsen var fiendtlig innstilt til teatre, som de betraktet som syndige av ulike grunner: unge menn kledd ut som kvinner for å spille kvinnelige roller, det faktum at teatre var i samme del av byen som bordeller og andre ondskapssentre, og til slutt iscenesatt forsvar av politiske synspunkter i strid med puritanerne . Da den puritanske fraksjonen i parlamentet fikk kontroll over City of London ved starten av borgerkrigen , beordret han alle teatre stengt i 1642 . PåvirkeMens det elisabethanske teatret beholdt sin strukturelle enkelhet, ble Continental, etter italiensk eksempel, avhengig av spesialeffekter (tenk på scenemaskineriet og til og med automaten oppfunnet av Leonardo ). Herfra til det moderne «illusjonistiske» teateret er det bare et lite skritt. Det er sant at det siden 1900-tallet har vært mange avantgarder som har introdusert nye løsninger (som futurisme , dadaisme , surrealisme og Bauhaus ), men allmennheten har sjelden følt seg involvert i disse initiativene, og det kan sies at teatret har fortsatt en lang vei å gå for å nå populariteten til kino eller TV . Referanser
Denne artikkelen er en oversettelse av den italienske Wikipedia, som peker på følgende kilder: Kritikk
Se ogsåGenerelle stemmerSteder av interesseEksterne lenkerTekster
FilmografiShakespeare
|