Animert tegneserie

En animert tegning (kjent som karikatur , animerte aper i Chile , comiquita i Venezuela , Muñequitos i Mellom-Amerika, tegneserie i områder av Latin -Amerika , eller med anglisisme - tegneserien ) er en kategori innenfor animasjonsverkene som refererer til de visuelle sekvensene som er laget i to dimensjoner . De oppnås ved å sekvensielt tegne hver ramme som utgjør verkene, og generere en sekvens og representasjon av levende bilder. Det er den eldste og mest kjente animasjonsteknikken, referert til som 2D -animasjon , tradisjonell animasjon eller klassisk animasjon . Den skiller seg fra 3D-animasjon hovedsakelig ved måten den er produsert på.

De første tilfellene av tegneserier på spansk dateres tilbake til 1940-tallet. Så de er 82 år gamle akkurat nå. Toro-fenomen , hvis utgave kommer fra Mosquito Film. [ 1 ]

Dette begrepet brukes også for å referere til filmer som er laget for TV , eller som vises som spillefilmer på kino, og ofte til og med sees på dataskjermer , distribuert over Internett .

Tegneseriene, innebygd i den klassiske animasjonen, ville samle den totale animasjonen (bilde for ramme), etter faser og etter transparenter, selv om begrepet populært også inkluderer stopmotion- animasjonsteknikker og lignende. Den første animerte spillefilmen, med tittelen The Apostle , fra 1917, tilskrives den argentinske tegneserieskaperen Quirino Cristiani , og ble laget ved hjelp av cutout-teknikken, og passet mer inn i stop motion.

Den tradisjonelle animasjonsprosessen

Storyboard

For å filme eller produsere en film er det nødvendig å ha en guide for å huske på hva du skal gjøre og ikke gjøre under arbeidet. Denne guiden er det grafiske manuset (eller storyboardet på engelsk), en grafisk oversikt over hva den endelige filmen eller videoen vil være, men tegnet og med de nødvendige kommentarene for hver scene som er filmet eller tatt opp.

Storyboardet fungerer som en test eller et konsept og består av bilder og tekst, som ligner på en gigantisk tegneserie. Tegningene er laget for hånd og raskt, som notater, fordi det er mange malerier.

Det letter og lar animasjonsteamet planlegge handlingen til karakterene, plassert i henhold til komposisjonen som er angitt i dette stykket på forhånd. De bistår også hele teamet som deltar i filmingen, for eksempel kunstnerne som maler bakgrunnene, som bestemmer hva de skal male og hvor de skal la plass til karakterene.

Storyboard-artister møter regelmessig regissøren, og arbeidet deres kan gå gjennom flere revisjoner til den endelige versjonen er godkjent.

I reklame brukes storyboards for å få kunden til å godkjenne en reklamefilm før den skytes. Dette kompendiet med tegninger og notater jobbes med med teamet som skal filme reklamefilmen, produksjonen og den kreative, som unnfanget ideen. Dagen for filmingen veileder regissøren til å ta bildene og skuespillerne (hvis noen) til å gjøre jobben sin. I motsetning til storyboardet for filmmanus, er disse mer detaljerte og nøye farget. Dette gjøres utelukkende for presentasjonsformål for oppdragsgiver.

Animatisk

I de tidlige dagene av animasjon ble det kalt en Leica-snelle fordi linsen som ble brukt til dette formålet var fra det tyske firmaet Leica . Animatikken eller forhåndsvisningen gjøres før selve opptaksprosessen begynner. En animatic er et audiovisuelt stykke, der bildene av storyboardet bringes sammen med det foreløpige lydsporet, på en synkronisert måte. Gjengivelsen av denne typen konturer av det siste stykket hjelper teamet til å finne feil i varigheten eller komposisjonen til scenene og i manuset . Korriger storyboardet eller ta opp lyden på nytt, om nødvendig, for å lage en ny animasjon . De påfølgende revisjonene av animasjonen unngår å måtte redigere scenene senere, når de allerede er tatt, og at mer arbeid er gjort, noe som er veldig dyrt i animasjonen eller i den endelige skytingen.

Design og timing

Når animasjonen er godkjent , sendes storyboardene til designavdelingene. Der utarbeider karakterdesignerne modellark for hver av hovedpersonene, og for de andre visuelle elementene i filmen. Disse arkene dokumenterer utseendet til hver karakter fra en rekke synsvinkler, og deres vanligste positurer, slik at de forskjellige artistene som er involvert i prosjektet fungerer på en konsistent måte. Noen ganger lages til og med små skulpturer eller modeller slik at animatøren kan se karakteren i tre dimensjoner . Samtidig gjør bakgrunnskunstnere lignende arbeid med de ulike settene, og art directors og fargestylister bestemmer tegnestilen og fargeskjemaene som skal brukes.

Parallelt med design, bestemmer timing -direktøren , som ofte kan være den daglige direktøren, nøyaktig hvilke positurer, tegninger og leppebevegelser som er nødvendige for hver frame. Et eksponeringsark ( eller X-sheet , for kort), som er en tabell som inneholder en oversikt over handlingen, dialogen og lyden, lages for hver frame av animasjonen, og fungerer som en guide for animatørene. Hvis filmen i tillegg har en sterk musikalsk base, lages det også et søyleark , som er et annet ark i tabellformat som viser forholdet mellom handlingen på skjermen, dialogen og musikknotene.

Layout

Layoutfasen begynner når oppsettet er fullført . Denne prosessen er analog med inndelingen i bilder av et filmopptak av virkeligheten. Dette er når bakgrunnslayoutkunstnere bestemmer vinkelen og posisjonen til det imaginære kameraet, hvor lyset kommer fra og hvordan skyggene kastes. Karakterlayoutkunstnerne bestemmer hovedposisjonene som karakterene skal ha i hver scene, og de vil lage en tegning av hver enkelt.

Layouttegninger er spredt over den animerte , ved å bruke X-arket som veiledning.

Animasjon

I den tradisjonelle animasjonsprosessen starter du med å tegne på papirark, perforert for å passe på pultene på skrivebordet , ofte med fargeblyanter. En førsteklasses animatør tegner nøkkelbildene til en scene ved å bruke oppsettene som en guide. Tegn nok bilder til å beskrive handlingen.

Lengde er sterkt vurdert av disse tidlige animatørene; hver ramme må samsvare nøyaktig med lydsporet i det øyeblikket det vises; ellers vil du legge merke til et avvik mellom det du ser og det du hører, noe som kan være distraherende for publikum. For eksempel, i store produksjoner, går det mye arbeid i å matche dialogen med munnen til karakterene som fremfører den.

Den primære animatøren (kalt en nøkkelanimator eller hovedanimator ) forbereder deretter en blyanttest , som er en foreløpig versjon av den animerte scenen. Hvert nøkkelbilde fotograferes eller skannes og synkroniseres til forhåndsvisningslydsporet. Dette forhåndsviser hele animasjonen, og animatøren kan forbedre den før den sender den videre til animasjonsveiviserne, som legger til detaljene og fyller ut de mellomliggende rammene mellom nøkkel og nøkkel. Animasjonsassistentenes arbeid blir gjennomgått, med blyant igjen, korrekturlest igjen, til det er tilbake i hendene på hovedanimatøren, som godkjenner det sammen med regissøren. I animasjonens verden er det karakterer som skiller seg ut noen mer enn andre; for berømmelsen som gis til den av studioet som styrer den og forbruket generert av fansen.

Tegneseriefilmer

Animasjon er teknikken som brukes til å lage animasjonsfilmer. En person kalt en animatør tegner nøkkelbildene som viser hoveddelene av handlingen, og angir antall paneler som trengs for å vise hver fase av bevegelser mellom ett nøkkelbilde og det neste. For å få en bevegelse på ett sekund trengs det 24 vignetter, som er laget av forskjellige tegnere kalt mellommenn.De fleste bakgrunnene er tegnet separat og de individuelle tegningene som viser bevegelse vil bli plassert på riktig sted i bakgrunnen og fotografert for å danne filmen.. Til slutt projiseres filmen med 24 bilder per sekund for å skape en følelse av kontinuerlig bevegelse.I dag kan animatører bruke datamaskiner for å få fart på tegneprosessen.

Se også

Referanser

  1. ↑ José María Candel Crespo (1993 S.30-32.). Historien om den spanske tegneserien . Spania: Regional utgiver av Murcia. ISBN 9788475641478 .   

Eksterne lenker