Renessansemusikk

Parallelt med utvidelsen av vokalområdet til polyfoni, utvidet instrumentene sin tessitura, og skapte komplette familier av hver modell; hver størrelse ble navngitt med navnet på den tilsvarende stemmen: dermed lages for eksempel sopran-, alt-, tenor- og bassblokkfløyter av forskjellige størrelser , og en lignende prosess følges av strengeinstrumenter som violas da gamba , metall som sackbuts eller tre som shawms .

Instrumentene deltok sammen med stemmene i utførelsen av polyfonisk musikk; for eksempel er den regelmessige tilstedeværelsen av minstreler (fløyter, cornettos , sackbuts, shawms og fagotter ) i iberiske katedraler på 1500-tallet godt dokumentert. I tillegg ble mye polyfonisk musikk fremført på en rent instrumentell måte, enten i homogene ensembler (kalt consorts ), i grupper som kombinerte instrumenter fra forskjellige familier, eller på riktig polyfone instrumenter, som orgel , jomfru , harpe , lut eller, i Spania, vihuela .

Innenlandske ensembler av amatørinstrumentalister var vanlige. Ofte var disse amatørmusikerne (og til og med mange profesjonelle) ikke i stand til å lese konvensjonell musikalsk notasjon, så instrumentalmusikk pleide å bli skrevet i et skriftsystem som var særegent for hvert instrument, kalt tabulatur : det er derfor spesifikke renessansetabeller for keyboard, lut, harpe, vihuela, etc. Luten, avledet fra middelalderen al'ud , ble snart det mest populære innenlandske soloinstrumentet i Europa. Av forskjellige størrelser og pæreformet ble den laget med et bredt utvalg av materialer, behandlet med ekstremt håndverk. Den hadde en enkelt streng og fem doble strenger og hodestokken vendt bakover; den tillot akkorder, melodier, skalaer og et stort antall ornamenter å spille, og ble brukt som soloinstrument, med sang og i kammerensembler. Vihuela de mano var dens spanske ekvivalent.

Den relative knappheten på spesifikke instrumentelle musikkkilder (sammenlignet med overfloden av vokalkilder, og spesielt med tanke på 1400-tallet) bør ikke føre til den feilaktige konklusjonen at bruken var uvanlig eller lavt teknisk nivå: de første avhandlingene om undervisning av hvert instrument (som de dedikert av Ganassi til blokkfløyten og Diego Ortiz til viola da gamba) betegner et meget høyt teknisk og musikalsk nivå; Imidlertid ble instrumentteknikken tidligere overført muntlig og dens spesifikke musikk ble sjelden skrevet: improvisasjon var vanlig, enten direkte eller på allerede eksisterende vokalmateriale ( avtagende ). Takket være datidens avhandlinger er problemer med tuning, høyde, temperament eller ornamentikk også kjent. En av de første bøkene om dette emnet som dukket opp var Sebastian Virdungs ​​Musica getutscht und ausgezogen (sammendrag av musikk på tysk) fra 1511.

De viktigste instrumentelle formene for tiden var:

• Former avledet fra vokalmodeller: når instrumentalistene vanligvis spilte vokalstykker, komponerte de lignende former, men uten tekst: fra motetten hentet de imitative polyfone stykker, kalt ricercare , fantasy eller tiento , mens de fra chanson hentet canzona , generelt mer livlig og mer delt inn i seksjoner enn de forrige.

• Danser: en av de tradisjonelle funksjonene til instrumentalistene var naturligvis akkompagnementet til dansen. De pleide å være skrevet med fire stemmer, i en enkel homofonisk tekstur. Det er rikelig med eksempler på danser i alle tempo og kompass, som bajadanza, pavana , gallarda , alemanda eller courante .

• Improvisasjonsformer: Musikere oppnådde noen ganger sine mest vellykkede improvisasjoner. Det kan være enten ren improvisasjon for et polyfonisk instrument ( toccata , prelude , igjen tiento ), eller dekorative melodiske variasjoner på en eller flere stemmer av en allerede eksisterende vokalmodell (recerrado, forminskninger) eller lange serier av variasjoner på en basso -brønn- kjent ostinato , som romanescaen, grev Claros, den gamle passamezzoen eller den moderne passamezzoen .

Teori og notasjon

Renessansekomposisjoner ble skrevet utelukkende i partichelas ; fulle noter var svært sjelden, og barlinjer ble ikke brukt. Tallene var generelt lengre enn de som brukes i dag; pulsenheten var halvbrevet , eller rund. Som det skjedde siden Ars Nova , kunne hver breve (kvadrat) tilsvare to eller tre semibreves, som kunne betraktes som likeverdige med det moderne kompasset , selv om det var en noteverdi og ikke et kompass. Det kan oppsummeres slik: akkurat som i dag kan en kvartnote tilsvare to åttendedelsnoter eller tre som ville blitt skrevet som en trilling .

I samme logikk kan man ha to eller tre kortere verdier av følgende figur, minimum (tilsvarer moderne hvit ) for hver semibreve. Disse forskjellige permutasjonene kalles perfekt/imperfekt tempus i henhold til kort-semi-breve-forholdet og perfekt/imperfekt prolasjon når det gjelder semi-breve-minimum-forholdet, med alle mulige kombinasjoner mellom det ene og det andre. Tre-en-forholdet ble kalt perfekt og to-en-uperfekt. For isolerte figurer var det regler som halverte eller doblet verdien ("henholdsvis ufullkommen" eller "endret") når de ble innledet eller etterfulgt av visse figurer. Figurer med svarte hoder (som svarte) var mindre vanlige. Denne utviklingen av hvit mensural notasjon er et resultat av populariseringen av bruken (erstatter pergament ) av papir , som var svakere og tillot ikke riving av pennen å fylle ut notatene. Notasjonen fra den foregående epoken, skrevet på pergament, var svart. Andre farger, og senere, notefyll (svarting) ble brukt for å indikere flekker eller endringer osv.

Sosial kontekst

Fremveksten av borgerskapet som sosial klasse, ideene om humanisme (inkludert omvurderingen av kunsten som ren personlig nytelse) og oppfinnelsen av trykkepressen ga en ekstraordinær og ny spredning av kunstmusikk. Dette gikk fra å være et privilegium bare innenfor rekkevidden av adelen og det høye presteskapet, og utført utelukkende av profesjonelle, til også å innta en plass i fritiden til middelklassen, som konsumerte den omfattende sekulære musikklitteraturen utgitt over hele Europa til hjemmebruk av amatører: polyfoniske sanger i Frankrike, vihuela-bøker og julesanger i Spania, madrigaler i Italia og England... Å spille et musikkinstrument gikk fra å være de trengendes oppgave til et raffinert tidsfordriv for overklassen, til og med anbefalt av Machiavelli i Prinsen .

Historie og evolusjon

De to århundrene som dekkes av renessansestilen er ofte historisk delt inn i fem generasjoner komponister.

Første generasjon: de engelske og burgundiske skolene (1410–1450)

Påvirkningen fra den nye engelske stilen ( John Dunstable , Leonel Power ), basert på bruk av tredjedeler og sjettedeler som konsonanser (praktisert på en improvisert og systematisk måte i fauxbourdon ), førte til at trekkene til senmiddelaldermusikken forsvant, som isorytme og ekstrem synkopering , noe som resulterer i en mer klar og flytende stil. Selv om rytmisk kompleksitet gikk tapt, ble rytmisk vitalitet oppnådd og kadensiell harmonisk fremdrift ble et viktig aspekt mot midten av århundret.

Det er på dette tidspunktet at reglene for akademisk kontrapunkt gradvis ble etablert , fortsatt noe i kraft i dag i skolastisk undervisning, som forbudet mot parallelle kvinter og oktaver og begrensning av direkte. De mest bemerkelsesverdige forfatterne på denne tiden var i bane rundt hertugdømmet Burgund (som også inkluderte landområder i dagens Holland, Belgia og Nord-Frankrike), som Guillaume Dufay og Gilles Binchois . Massene hans presenterer allerede stemmer av lignende betydning, firestemmes teksturer, imitasjoner og dissonanskontroll; i hans chansons kan vi imidlertid fortsatt gjenkjenne visse middelaldertrekk, slik som trubadurformene ( rondeau , virelai , ballade ), den trestemmige teksturen som de to nederste krysser hverandre og virker instrumentelle ... Selv motettene hans, som f.eks. berømte Nuper rosarum flores av Dufay (skrevet for innvielsen av kuppelen til Brunelleschis katedral i Firenze ) har fortsatt isorytmi og andre foreldede trekk.

Den andre fransk-flamske generasjonen (1450–1483)

I generasjonen til Antoine Busnois og Johannes Ockeghem tok de nye reglene for kontrapunkt grep, og konsoliderte imiterende polyfoni i en lærd stil med veldig lange og sofistikerte fraser. Teknikkene til kanonen , konvensjonelle eller mensurelle, ble brukt mye (Ockeghem komponerte til og med en messe, Prolationum , der alle stykkene ble kanonisk avledet fra en enkelt musikklinje), noe som resulterte i en kompleks stil som kanskje kan korreleres med den rådende detaljen i datidens maleri og arkitektur.

Den tredje fransk-flamske generasjonen: den internasjonale stilen (1480-1520)

Rundt 1500 dukket fortsatt de beste komponistene opp fra dagens Belgia og Nord-Frankrike, frukten av en lang lokal tradisjon som eksporterte korledere over hele Europa, og spesielt til Italia: Compère , Agricola , Obrecht , Isaac , Mouton , de la Rue .. Slik fremstår et av musikkhistoriens største genier, Josquin des Prez , hvis klare, rene og elegante stil blir en modell av polyfonisk stil for hele Europa: klare og hyppige kadenser, seksjoner for to eller tre stemmer, homofoniske passasjer som understreker teksten, en klar generell artikulering av formen, balanserte og tilsynelatende enkle melodilinjer... Takket være hans enorme innflytelse og trykkpressen ble en felles internasjonal stil konsolidert i Tyskland, Italia, Spania, Frankrike og England. Blant Josquins mange mesterverk, av alle sjangere, bør Misa Pange Lingua trekkes frem .

I løpet av de tidlige tiårene av 1500-tallet begynte den musikalske konvensjonen med en taktus (la oss tenke på den moderne tidssignaturen) av to semibreves=en breve å være like vanlig som den for tre semibreves=en breve, slik det hadde vært fram til deretter.

Fjerde generasjon (1520-1550)

Langt inn på 1500-tallet rådde den internasjonale stilen (sterkt påvirket av Josquin) i religiøs musikk, selv om forfattere som spanske Cristóbal de Morales , Nicolas Gombert eller Willaert hadde en tendens til å øke antall stemmer (typisk fem), homogenisere teksturen, forlenge fraser og skjule kadenser, og på en eller annen måte vende seg til Ockeghems mer komplekse og raffinerte manerer.

Det er på dette tidspunktet de lokale stilene for sekulær musikk konsolideres: den nye italienske madrigalen ( Festa , Arcadelt , Verdelot ), den spanske julesangen , kamp og salat , og den parisiske chanson (ofte homofonisk og ofte onomatopoeisk ) dukker opp. og humoristisk). I Spania utgis bøker for vihuela som inkluderer sanger for stemme med akkompagnement ( Narváez , Fuenllana , Milan , Mudarra ...).

Den femte generasjonen (1550-1600)

Da yrket som musiker (sanger, kapellmester , organist, minister...) var en stor avhengighet av kirken, påvirket omveltningene forårsaket av den protestantiske reformasjonen og motreformasjonen den musikalske stilen fullt ut. Etter faren for undertrykkelse av polyfoni (som ble henrettet blant noen radikale reformatorer), frarådet konsilet i Trent den altfor komplekse polyfonien ved å forhindre forståelsen av teksten, fremme homofoni og klarhet generelt. Giovanni Pierluigi da Palestrina kom til å dyrke en flytende stil med fritt kontrapunkt i en tett og rik tekstur der dissonanser ble fulgt av konsonanser på hvert slag, og " ritardandos" var veldig vanlige. Denne stilen ble satt som et forbilde for den religiøse musikken i hans tid (selv om kanskje ikke så mye som 1800-tallets historieskriving ønsket å se), og siden da for undervisningen i akademisk kontrapunkt. Palestrinas samtidige var noen av polyfonistene som ble mest anerkjent av ettertiden: Francisco Guerrero , Orlando di Lasso , Tomás Luis de Victoria og William Byrd .

I denne perioden var tactus generelt to semibreve per breve, med tre per breve for spesialeffekter og klimakseksjoner; det var en nesten fullstendig reversering av teknikken som hadde rådet i forrige århundre.

Oppløsningen av renessansestilen

Ulike årsaker, noen av rent musikalsk opprinnelse og andre ideologiske (religiøse reformer, forsøket på å gjenskape det greske teatret av humanister i opera) forårsaket den progressive nedbrytningen av den typiske musikalske stilen fra renessansen: polykoral, konsertant stil, skapelse av monodi og påfølgende utseende av basso continuo løste opp den polyfoniske teksturen, mens ekstrem kromatikk og tonale tendenser (som kvint som bevegelse mellom fundamentaler) brøt det diatoniske modale systemet.