| Begravelse av Kristus ( Deposizione ) | ||
|---|---|---|
| År | Rundt 1602 - 1604 | |
| Forfatter | Caravaggio | |
| Teknikk | Olje på lerret | |
| Stil | naturistbarokk | |
| Størrelse | 300 cm × 203 cm | |
| plassering | Vatikanmuseene , Vatikanstaten | |
The Holy Entombment malt av Caravaggio , også kjent under andre titler som Entombment of Christ , Preparation of the Dead Christ on the Ointing Stone , Deposition from the Cross , eller Descent from the Cross [ 1 ] (på italiensk kjent som Deposizione ) er en av mesterverkene til den nevnte italienske maleren . Den er laget i olje på lerret og har dimensjoner på 300 centimeter høy og 203 centimeter bred. Den ble malt rundt 1602 - 1604 , selv om andre snakker om h. 1600-1604 [ 1 ] og holdes i Pinacoteca Vaticana i Vatikanstaten .
Den var opprinnelig plassert på alteret [ 2 ] viet til Pietà i Santa Maria de Vallicella eller Chiesa Nuova, [ 3 ] en kirke bygget for oratorianerne til Saint Philip Neri , og ved siden av ordenens bygninger. For tiden i kapellet er det en kopi av maleriet.
Caravaggio hadde stor beundring for Michelangelo, og derfor er hans arbeid sterkt påvirket av denne store renessansemesteren. Michelangelo Merisi var veldig glad i navnebroren Buonarroti, og det er noen sitater i dette verket som minner om stilen til den berømte florentinske billedhuggeren. Slik sett må vi igjen observere Kristi hengende arm: denne minner mye om Kristus i Michelangelos Pietà .
Maleriet ble bestilt av Alessandro Vittrice eller Girolamo Vittrice, en eksponent for Vittrice-familien, som var spesielt innflytelsesrik i den geistlige verden; Jerome laget dette store deponeringslerretet [ 1 ] i 1601 , [ 4 ] og det ble ferdig to år senere. [ 5 ]
Så snart kunstneren fullførte sitt mesterverk, forble sistnevnte inne i kirken til 1797: det året ble Tolentino-traktaten signert, som tillot overføringen av Caravaggios deponeringsverk (sammen med mange andre viktige) til Paris. , for utallige deportasjoner av Napoleon Bonaparte.
Da Napoleon mistet all sin prestisje etter nederlagene i krigen, ble mange av de "beslaglagte" maleriene returnert til sine opprinnelige plasseringer: dermed ble Caravaggios avsetning transportert til Pinacoteca di Pio VII, et viktig støttepunkt for samlingen. nåværende Vatikanet Pinacoteca.
Selv om det er mye i denne skildringen som er revolusjonerende for Caravaggios tid, er det ikke klart at den svært naturalistiske rekonstruksjonen av en evangelisk begivenhet i dette maleriet var antitetisk til de levende trofaste oratorianerne, som søkte oppstandelsesopplevelser gjennom bønn. [ 4 ] Dette maleriet var et av de svært få verkene produsert av Caravaggio for å oppnå enstemmig konsensus, og vekket beundring selv fra samtidige kritikere av Caravaggio og hans stil, som Baglione og Bellori . [ 6 ] Av alle maleriene hans er dette utvilsomt det mest monumentale. [ 3 ]
Noen år senere ble den kopiert av Rubens ; denne kopien oppbevares i Ottawa ( National Gallery of Canada ).
Sommeren 2011 stilte Prado -museet ut Caravaggios original, takket være en eksepsjonell låneavtale med Vatikanmuseene .
Aksen til figurene i komposisjonen er diagonalt stigende, komprimerer karakterene, og etterlater den øvre venstre delen helt fri. Det er et påvirket, dramatisk og teatralsk verk på grunn av karakterenes uttrykk og lyset som forfatteren bruker for å understreke og rette oppmerksomheten til betrakteren. Den hellige Johannes og Nikodemus holder den døde Kristi legeme med innsats. Evangelisten på toppen og den andre på knærne. Nikodemus snur hodet og ser på betrakteren med øynene, og klarer dermed å få besøkende som ser på ham til å delta i scenen. Den døde Kristus konsentrerer alt lyset i maleriet, siden han er hovedpersonen i det. En Kristus som minner om Michelangelos Pietà, på grunn av sin uforholdsmessige størrelse og tydelig manifesterte muskelspenninger i brystet og baken som ikke tilsvarer et lik. Kristi uttrykk er helt rolig, det er noe merkelig siden han nettopp har blitt tatt ned fra korset, i tillegg kan du se mangelen på riper på huden hans og stigmataene til føttene og hendene hans er rene, må du nøye observere kroppen for å se dem.
I mellomtiden, bak, er jomfru Maria i en posisjon av barmhjertighet (armer i kors), og omfavner hele scenen. Hun bærer en blå kappe som er karakteristisk for tilstanden hennes, og det er første gang hun er representert med et gammelt ansikt, i full overensstemmelse med alderen hun ville ha ved sønnens død. Ikke som vanlig som er representert med en usikker idealisering og perfeksjon. Det er i denne billedperioden at det er den eneste der Jomfruen er representert på denne måten, siden siden denne perioden gikk, fortsatte Jomfruen og fortsetter å være representert med den idealiseringen. Til høyre for Kristi mor er Maria Magdalena med senkede øyne og observerer scenen. En av hendene hennes hviler på hodet hennes med et lommetørkle for å samle opp tårene forårsaket av øde scenen. Til slutt er det María de Cleofás , som bryter hele scenen, siden du i resten av karakterene kan se en inneslutning av uttrykk og følelser mens hun løfter hendene og ser på himmelen, som er dit den døde Kristus skal gå nå ligger for dine føtter. [ 1 ]
Dette barokkmaleriet – med en diagonal kaskade av sørgende og bærere av Kristi legeme, og bar stein – er ikke et øyeblikk av forvandling, men av sorg. Når betrakterens øye kommer ned fra mørket, er det også en nedstigning fra den dramatiske klagesangen til Maria av Cleophas mot en undertrykt følelse av Jomfruen [ 3 ] og til og med døden som den definitive følelsesmessige stillheten. Caravaggio presenterer oppgitte karakterer, huker, sitter på huk, ligger ned eller i det minste fallne, og beveger seg dermed bort fra statuermodellene fra høyrenessansen . [ 3 ]
I motsetning til den blodige Jesus etter korsfestelsen i de sykelige skildringene av datidens spanske maleri , dør italienske Kristuser vanligvis blodløse og kollapser i en geometrisk trassig visning. Som for å understreke den døde Kristi manglende evne til å føle smerte, berører en av Saint Johns hender såret på siden hans, siden han, John, er den eneste i sin bok som nevner eksistensen av riften med et spyd.
Generelt er ansikter viktige i maling. Men i Caravaggios tilfelle skiller det seg alltid ut der armene peker. Mot himmelen i St. Pauls omvendelse på veien til Damaskus , mot Levi i Matteus kall . Her berører den døde Guds falne arm og det plettfrie likkledet steinen, armen har vært representert med stor realisme, med utvidede årer og hånden som stigmataene er synlige på . María de Cleofás, på sin side, gestikulerer og ser på himmelen og åpner hendene, noe som øker spenningen. [ 1 ] På en måte var det Kristi budskap: Gud kommer til jorden, og menneskeheten blir forsonet med himmelen. [ 3 ] Det er en sterk chiaroscuro i dette verket, med lys som faller på ansikter og hender mens resten er dominert av mørke. [ 1 ]
Caravaggios komposisjon inneholder tre metaforer som slett ikke er tilfeldige:
- Sammentrukket stilling av Nikodemus' høyre ben, som viser styrken til kirken.
– Fallet av den døde Kristi høyre arm og hånden som lett berører marmoren, som igjen er malt slik at den ser ut til å stikke ut, indikerer at han er Kirkens hjørnestein. I et viktig øyeblikk å ta i betraktning siden det bare var 50 år siden var det konsilet i Trent og den protestantiske kirken spredte seg gradvis over hele Europa.
- Uttrykk for Maria de Cleofás, som ser på himmelen der Gud er som vet alt og ser det, så han kontrollerer det.