| Fabelen om Orfeus | ||
|---|---|---|
| Favola d'Orfeo | ||
|
Cover av Monteverdis L'Orfeo ;utgitt i Venezia i 1609 av Ricciardo Amadino . | ||
| Kjønn | Legend i en prolog og fem akter | |
| handlinger | 5 akter | |
| Basert på | Eurydice (1600) av Ottavio Rinuccini [ 1 ] | |
| Utgivelse | ||
| Idiom | italiensk | |
| Musikk | ||
| Komponist | Claudio Monteverdi | |
| Iscenesettelse | ||
| premierested | Mantua ( Mantua ) | |
| Utgivelsesdato | 25. februar 1607 | |
| Tegn |
| |
| librettist | Alessandro Striggio den yngre | |
| Varighet | 1 time 45 minutter [ 5 ] | |
The Fable of Orfeo (original italiensk tittel : La favola d'Orfeo ) er en opera som består av en prolog og fem akter med musikk av Claudio Monteverdi og italiensk libretto av Alessandro Striggio den yngre . Det er et av de første verkene som ble klassifisert som en opera. Den ble komponert for karnevalene i Mantua . Den hadde premiere på Accademia degl'Invaghiti , i Mantua , i februar 1607 , og på Mantua hoffteater 24. februar samme år. Den ble utgitt i Venezia i 1609. På 1900-tallet ( 1904 ) ble den utgitt på nytt i en konsertversjon i Paris . I Spania ble den sett for første gang 23. juni 1955 , i Barcelona , i Jardí dels Tarongers i Casa Bartomeu .
I Firenze , i 1600 , ble bryllupet til Marie de' Medici og Henry IV av Frankrike feiret , deltatt av Vincenzo Gonzaga , hertugen av Mantua og en slektning av kona, og hans hoff. Representasjonen av Euridice , av Jacopo Peri , fant sted der . Angivelig blant de fremmøtte var Claudio Monteverdi, et medlem av Gonzaga-domstolen. På grunn av suksessen til Peris arbeid, ba Gonzaga Monteverdi om å komponere en opera basert på den samme myten og etter den musikalske stilen til den florentinske skolen.
The Fable of Orpheus , eller Orpheus for kort , er kjent for sin dramatiske kraft og livlige orkestrering. Monteverdi brukte en mengde instrumenter, uvanlige for tiden: bratsj, fiolin, fløyter, oboer, horn, trompeter, tromboner, cembalo, harper, to små orgler. Orfeo er et av de første eksemplene på den spesifikke tilordningen av visse instrumenter til visse deler; Til tross for at komponistene av den venetianske skolen hadde utført denne praksisen i nesten to tiår, med forskjellige nivåer av presisjon, er instrumenteringen av dette verket spesielt eksplisitt. Monteverdi samlet monodi akkompagnert av kor, renessansevokalensembler og et orkester på førti instrumenter. Derfor er dette verket, sammenlignet med de til Peri og Giulio Caccini , som hadde vært pionerene for den florentinske Camerata , mye mer bemerkelsesverdig både for dets variasjon og for dets kontinuitet og for dets musikalske interesse. For Peri og Caccini var opera først og fremst litteratur , så instrumentering var ikke så viktig.
Monteverdis operaer har blitt klassifisert som tidlig barokk , eller førbarokk. På den tiden gikk musikken i Nord-Italia mellom senrenessansen og tidlig barokkstil, og avantgardekomponister som Monteverdi kombinerte stiltrendene som ble brukt i de viktigste musikalske kretser som Firenze , Venezia eller Ferrara .
Orfeo kan betraktes som et mesterverk i musikkhistorien , fordi det konsoliderer operaen , som ville utvikle seg mye videre under barokken . Den er for tiden en av de eldste operaene på repertoaret, selv om den ikke er blant de mest fremførte; i statistikken til Operabase [ 6 ] vises nummer 72 av de hundre mest representerte operaene i perioden 2005-2010, den 29. i Italia og den første av Monteverdi, med 55 forestillinger.
Blant de tilstede ved urfremføringen av Jacopo Peris Eurydice i oktober 1600 var en ung advokat og karrierediplomat fra Gonzaga -domstolen , Alessandro Striggio , [ 7 ] sønn av den kjente komponisten med samme navn . Det er ikke klart når Striggio begynte sin libretto for Orfeo , men arbeidet hadde tydeligvis allerede begynt i januar 1607. I et brev skrevet 5. januar ber Francesco Gonzago sin bror, som da var stasjonert ved det florentinske hoffet, om å sikre seg tjenestene til en høykvalitets castrato blant storhertugens stab, for en "lek med musikk" som forberedes til Mantuan Carnival. [ 8 ]
Striggios hovedkilder for librettoen hans var bøker 18 og 15 av Ovids Metamorfoser og den fjerde boken av Virgils Georgikk . Dette ga ham grunnmaterialet, men ikke strukturen for et scenedrama; hendelsene i Act I og II dekkes av bare 13 linjer i Metamorphoses . [ 9 ] For å bidra til å skape dramatisk form, trakk Striggio på andre kilder – Polizianos skuespill fra 1480, Guarinis Il pastor fido og Ottavio Rinuccinis libretto for Peri Euridice . [ 10 ] Musikolog Gary Tomlinson bemerker de mange likhetene mellom tekstene til Striggio og Rinuccini, og bemerker at noen av talene i Orpheus "tilsvarer tett i innhold og til og med ordlyd til deres tilsvarende i Eurydike ". [ 11 ] Kritiker Barbara Russano Hanning skriver at Striggios vers er mindre subtile enn Rinuccinis, selv om strukturen i Striggios libretto er mer interessant. [ 12 ] Rinuccini, hvis arbeid var skrevet for festlighetene til et Medici -bryllup , ble tvunget til å endre myten for å gi en "lykkelig slutt" som passer til anledningen. I stedet, fordi Striggio ikke skrev for en formell rettsfeiring, kunne han være mer trofast mot ånden i mytens konklusjon, der Orfeus blir drept og partert av rasende maenader eller "bacchanter". [ 10 ] Han valgte faktisk å skrive en noe nedtonet versjon av denne blodige finalen, der Bacchae truer Orpheus' ødeleggelse, men hans endelige skjebne er i tvil. [ 13 ]
Librettoen utgitt i Mantua i 1607 for å falle sammen med premieren inneholder Striggios tvetydige slutt. Imidlertid viser Monteverdis partitur publisert i Venezia i 1609 av Ricciardo Amadino en helt annen oppløsning, med Orpheus som ble fraktet til himmelen gjennom inngripen fra Apollo . [ 12 ] Ifølge Ringer ble Striggios originale slutt nesten helt sikkert brukt i operaens premiere, men det er ingen tvil om at Monteverdi mente den reviderte slutten var estetisk korrekt. [ 13 ] Musikolog Nino Pirrotta bemerker at Apollo-avslutningen var en del av den opprinnelige planen for stykket, men ble ikke fremført på premieren fordi det lille rommet som huset arrangementet ikke kunne inneholde teatermaskineriet som denne avslutningen krevde. Bacchae-scenen var en erstatning; Monteverdis intensjoner ble gjenopprettet da denne begrensningen ble fjernet. [ 14 ]
Da Monteverdi skrev musikken til Orfeo , hadde han allerede en solid bakgrunn innen teatermusikk. Han hadde vært ansatt ved Gonzaga-domstolen i 16 år, mye av det fremførte eller arrangert scenemusikk. [ 15 ] Elementene som Monteverdi konstruerte partituret til sin første opera av - arien , strofen , resitativ , kor, danser, dramatiske musikalske mellomspill - ble ikke skapt av ham, som regissøren Nikolaus Harnoncourt har påpekt , men "han blandet hele settet med nye og gamle muligheter til en enhet som virkelig var ny." [ 16 ] Musikolog Robert Donington sier på samme måte: "[Partituret] inneholder ingenting som ikke eksisterte før, men det når sin fulle modenhet i den nyutviklede formen... Her er ord direkte uttrykt i musikk som [pionerene til opera] ønsket at de skulle uttrykke seg selv; her er musikken som uttrykker dem ... med full inspirasjon fra et geni." [ 17 ]
Monteverdi oppgir orkesterkravene i begynnelsen av sitt publiserte partitur, men i samsvar med datidens praksis spesifiserer han ikke deres eksakte bruk. [ 16 ] På den tiden var det vanlig å gi hver utøver av verket frihet til å ta lokale beslutninger, basert på orkesterutstyret som var tilgjengelig for dem. Disse kan være svært forskjellige fra ett sted til et annet. Videre, som Harnoncourt påpeker, kunne instrumentalistene alle være komponister, og de ble forventet å samarbeide kreativt i hver forestilling, i stedet for bare å spille en forhåndsarrangert tekst. [ 16 ] En annen praksis på den tiden var å la sangere pynte på arier. Av noen arier skrev Monteverdi en enkel og en utsmykket versjon, som tilfellet er med Orfeos "Possente spirito", [ 18 ] men ifølge Harnoncourt "er det åpenbart at der han ikke skrev utsmykninger, ville han ikke at noen skulle synges" . [ 19 ]
Hver akt av operaen omhandler et individuelt element i historien, og hver enkelt avsluttes med et refreng. Til tross for fem-akters struktur, med to sett med sceneskift, er det sannsynlig at Orpheus samsvarte med datidens standardpraksis for hoffunderholdning og ble fremført som en kontinuerlig enhet, uten intervaller eller gardinfall mellom scenene. . Det var vanlig at sceneendringer skjedde i full visning av publikum, disse endringene ble reflektert musikalsk gjennom endringer i instrumentering, toneart og stil. [ 20 ]
For å analysere den deler forskeren Jane Glover Monteverdis liste inn i tre hovedgrupper av instrumenter: strykere, messing og continuo , med en rekke tilleggselementer som ikke er enkle å klassifisere. [ 21 ] Strykegruppen består av ti medlemmer av fiolinfamilien ( viole da brazzo ), to kontrabasser ( contrabassi de viola ), og to små fioliner ( violi piccoli alla francese ). Viole da brazzo er i to grupper med fem komponenter hver, to fioliner, to bratscher og en cello. [ 21 ] Messinggruppen inneholder fire eller fem tromboner ( sabuches ), tre trompeter og to kornetter . Instrumentene som utfører continuoen er to cembalo ( duoi gravicembani ), en dobbel harpe ( arpa doppia ), to eller tre theorbos , to pipeorgler ( organi di legno ), tre bassviolas da gamba , og en regales eller små pipeorgler. stokk. Bortsett fra disse grupperingene er det to blokkfløyter ( flautini alla vigesima secunda ), og muligens en eller flere cistroer - ikke oppført av Monteverdi, men inkludert i instruksjonene om akt IV-finalen. [ 21 ] Han brukte fløyten til å akkompagnere melodien
Instrumentelt er de to verdenene representert i operaen skildret på en særegen måte. Den pastorale verdenen til de thrakiske feltene er representert av strykere, cembalo, harpe, orgler, blokkfløyter og teorboer. Resten av instrumentene, hovedsakelig messing, er assosiert med underverdenen, selv om det ikke er noen absolutt forskjell; tauene dukker opp ved noen få anledninger i Hades - scenene . [ 19 ] [ 22 ] Innenfor denne generelle rekkefølgen brukes spesifikke instrumenter eller kombinasjoner for å akkompagnere noen av hovedpersonene - Orpheus for harpe og orgel, hyrdene for cembalo og theorbo, gudene til underverdenen med tromboner og det kongelige. [ 19 ] Alle disse musikalske distinksjonene og karakteriseringene var i tråd med de etablerte tradisjonene til renessanseorkesteret, som det store Orpheus -ensemblet er typisk for. [ 23 ]
Monteverdi instruerer sine utøvere generelt om å "[fremføre] verket så enkelt og korrekt som mulig, og ikke med mange blomstrende passasjer eller i lengden." Til de som spiller ornamentikkinstrumenter som strykere og fløyter, råder han dem til å «spille edelt, med mye påfunn og variasjon», men advarer dem mot å overdrive, for da «hører man ikke annet enn kaos og forvirring, støtende for lytteren. " [ 24 ] Siden det ikke er tid når alle instrumenter spiller sammen, er antallet utøvere som kreves mindre enn antallet instrumenter. Harnoncourt viser til at på Monteverdis tid gjorde antallet spillere og sangere sammen, og de små rommene det ble spilt i, ofte at publikum neppe var flere enn antall spillere. [ 25 ]
Etter en instrumental messing-toccata i D-dur med tordnende karakter, dukker Musikken opp, som roser de tilstedeværende og oppfordrer dem til å tie, mens historien om Orfeus , sønn av guden Apollo og musen Calliope , fortelles .
På en eng midt i åkeren feirer nymfer og gjetere med glede den fantastiske dagen da den mytiske sangeren fra Thrakia, Orfeus, og hans elskede, nymfen Eurydike, skal gifte seg; de synger en av datidens mest representative korpassasjer , «Lasciate i monti».
Orfeo forteller hvordan han ble forelsket i henne, og hun svarer med samme iver. Så går hun sammen med kameratene sine for å samle blomsterkranser. Hyrder og nymfer fortsetter med sine danser og glade sanger, mens glede og lykke hersker.
Omgitt av gjeterne synger Orpheus en sang til naturen og forteller hvordan han løp gjennom den dystre skogen før han ble forelsket.
Gleden blir avbrutt når Budbringeren ankommer, som kunngjør Orpheus at en slange bet hans elskede Euridice og forårsaket hennes død.
Sendebudet angrer selv på å måtte gi slike nyheter. Orpheus bestemmer seg for å stige ned til helvete for å redde Eurydike (den frivillige nedstigningen til helvete kalles katabasis), og innleder en desperat klagesang.
Orpheus ankommer Styx Lagoon akkompagnert av Hope, men Hope kunngjør at hun ikke kan ta ham videre fordi hun så inngravert på steinen teksten som siterer Dantes guddommelige komedie: «Forlat alt håp, de som kommer inn».
Charon nekter å la ham passere i båten sin, men Orpheus klarer å få vaktmannen til å sove med harpen sin, og å stjele båten hans krysser lagunen direkte inn i helvete. I mellomtiden hyller et kor av helvetesånder mennesket, den skapningen som ikke forsøker noen foretak forgjeves, og som naturen ikke vet hvordan hun skal bevæpne seg mot.
Orfeus har nådd helvete, og med sangen sin klarer han å bevege Proserpina.
Hun ber Pluto om å la Orpheus gjenopprette sin elskede Eurydike, med henvisning til hans tidligere kjærlighet, som han kidnappet henne og tok henne med til helvete.
Guden innrømmer også å ha blitt rørt av Orfeus sin sang, og samtykker til slutt og lar Eurydike følge ham, på betingelse av at Orfeus ikke ser tilbake på sin elskede før de har forlatt helvete.
Orfeus drar fra helvete etterfulgt av Eurydike. Når de når overflaten ser Orfeus tilbake for å se om Eurydike virkelig følger ham, men ved å gjøre det har Eurydike fortsatt en fot igjen i underverdenen og begynner å falme og en ånd, minister for Pluto, formaner ham: "Du har brutt lov, og du er uverdig til nåden." Orpheus prøver å følge henne, men blir utvist fra helvete. Refrenget avslutter akten med denne observasjonen: "Orfeus erobret helvete og ble erobret av sine egne lidenskaper".
Orpheus vender tilbake til det thrakiske landskapet og beklager sin ensomhet, vandrer målløst og sørger over sin tapte kjærlighet.
Ekkoet gjentar sin tragiske klagesang og Apollo, såret av lidelsen som rammer sønnen hans, stiger ned fra Olympen og ber ham følge ham til himmelen, hvor han vil finne det vakre utseendet til Euridice i solen og stjernene.
Far og sønn synger en gledelig duett når de stiger opp til himmelen hvor de vil oppnå evig glede.