Sengotisk eller sluttgotisk er kirkesamfunn som brukes i kunsthistorie for å betegne den siste perioden av gotisk kunst , tilsvarende 1400-tallet , og i noen land forlenget til 1500-tallet . I denne perioden mistet gotisk arkitektur sin grunnleggende rolle som en samlende kraft for kunsten og ble mindre av en hovedperson [ referanse nødvendig ] . Siden 1200-tallet har arkitektoniske erfaringer hovedsakelig vært viet til dekorasjonsfeltet. Det karakteristiske asymmetriske fretworket, av vridde former inspirert av nettverk av planteelementer, som ligner på flammer , førte til at den franske historikeren Arcisse de Caumont skapte begrepet flamboyant ("flamboyant" - Flamboyant Gothic -) for denne fasen. Begrepet Florid Gothic brukes også på en lignende måte , selv om denne nomenklaturen er av tvetydig anvendelse.
Som en ekvivalent betegnelse for denne fasen av gotikken, brukes uttrykket " barokkgotikk " av forfattere som anvender teorien om stilenes utvikling på gotikken som en enhetlig kropp; akkurat som tidlig gotikk er identifisert som "arkaisk gotikk", fullgotisk som "klassisk gotisk" og strålende gotisk som "maneristisk gotikk"; men disse kirkesamfunnene får ikke mye nytte.
Utviklingen av gotikken fulgte ikke det samme mønsteret i alle europeiske land, men hadde svært forskjellige regionale variasjoner: mens i Italia er det femtende århundre ( Quattrocento ) det hvor de klassiske gresk-romerske modellene fra den italienske renessansen ble innført , og nord for Alpene ( Kongeriket Frankrike , burgundiske stat , Det hellige rike ) videreføres den såkalte " International Gothic " (merkingene " høflig gotisk " og " søt stil " brukes også - stil adouci , weicher Stil -), i kongeriket England og de kristne halvøyrikene bygde stiler med en markert "proto-nasjonal" karakter hvis differensierende trekk hovedsakelig var de dekorative elementene.
Thomas Rickman laget begrepet " perpendicular gotic " i 1817 for å bruke det på engelske arkitektoniske kreasjoner mellom 1350 og 1500, preget av viftehvelvet og dets markerte linearitet, i motsetning til den sentraleuropeiske gotiske følelsen av høyde. Det ville være den mest typiske engelske kreasjonen, til det punktet at den har blitt karakterisert som en opus anglicanum , radikalt i motsetning til opus francigenum . Tudor-stilen fortsatte disse formene gjennom hele 1500-tallet .
For kronen av Castilla skapte Émil Bertaux [ 1 ] begrepet " Elizabethan Gothic " i 1911 , på grunn av innflytelsen som beskytter av kunsten til Isabella I av Castilla . Suksessen til kirkesamfunnet var ikke uten kritikk og alternative kirkesamfunn, for eksempel " Fernandino Gothic " (relatert til Ferdinand den katolske , hennes ektemann og konge av kronen av Aragon ), eller den kombinerte kirkesamfunnet: " Catholic Kings style ". José María de Azcárate [ 2 ] foreslo merkelappen " Hispanic-Flemish ", som hentydet til sammenløpet av lokale trekk, av Mudejar -opprinnelse , med trekk fra flamsk kunst . For kongeriket Portugal skyldes navnet " manuelinsk stil ", mye mer utsmykket enn elisabethansk, med dekorasjoner av plante- og nautiske motiver (refererer til funnene som hadde gjort kongeriket til en makt), styret til Manuel I (1490 ) -1520).
Dekorasjonen fokuserer nå på traceries , som dekorerer veggene med grønnsaksnett. Vinduene er lukket med stadig mer kompliserte traceries, som autentiske billedvev, som gir utseendet til et gullsmedarbeid. Det brukes mange flere materialer enn bare stein, materialer som utgir seg for å være andre, som gips, tre, stukkatur osv., som er billigere og lettere når det kommer til å plasseres for eksempel som hetter på tastene til hvelv.
Hvelvene viser seg å være de eneste elementene som viser en romankarakter, selv om disse nyhetene viser seg å være mer dekorative enn egentlig strukturelle . Hvelvene fra den tidlige gotiske perioden var sexpartite, etterfulgt av firdelte hvelv. Fra midten av 1300-tallet eksperimenterte arkitekter med nye løsninger, og økte antallet sekundære ribber, noe som ga opphav til mye mer dekorative hvelv, som tierceron- hvelv, de med buede ribber, etc., men alle var varianter av ribbehvelvet, av stjerneformer.
ViftehvelvetMens det i resten av Europa eksperimenteres med det nevnte stjerneformede hvelvet, dukker nå viftehvelvet opp i England , typisk for det engelske femtende århundre . De følger de samme strukturelle retningslinjene som europeiske hvelv, men er mye mer dekorative. De består av en belastningsblokk, som fungerer som en kapital, en konoid, som er det som fordeler belastningene, og et tak, som nervene sprer seg gjennom, og skaper dekorative nettverk. Tre faser kan skilles i eksistensen av viftehvelv:
De første eksperimentene ble laget utelukkende av stein, men resultatet var veldig tungt, og mange av de første hvelvene kollapset, så de senere ble laget av tre- og gipspaneler, mye lettere, og elementer ble til og med plassert avtagbare, for eksempel dekorative sluttstykker på nøklene, eller hengende elementer.
Søylen vil også være et element som utvikler seg i løpet av denne perioden, mot mer vertikale former, som en ekte bunt av søyler , med vedlagte pilastre omgjort til baquetones , veldig tynne og stiliserte, noe som vil gjøre den fascikulære søylen , den resulterende, mest brukt i løpet av det femtende århundre. Den spiralformede søylen vil også bli brukt i kapittelhusene til klostre , og i rom med sentralisert plan. Søylen mister hovedstaden med arkaiske former, og blir en imposant linje av vitnesbyrd.
Buer utvikler seg også , alltid på en dekorativ måte. Bruken av halvsirkelformede buer forlates nesten i sin helhet, og det fremmes bruken av de mest dekorative buene, ogee, ogival, polylobed, kurv-håndtak osv. Pinnacles dukker opp som dekorative elementer, som er de plasseres nesten hvor som helst, og hvis de er større, blir de til tabernakler. Bladene, dekorative nettverk av planteelementer, er også et annet veldig typisk element på 1400-tallet, sammen med gavlene, et dekorativt element for å forsterke buen.
Når det gjelder etasjene , dukker det ikke opp nye typologier, kun eksisterende typologier styrkes, slik som hallenkirche (hallgulvet), en planløsning som vil være svært nyttig, siden den etterlater plass mellom støttebenene for begravelseskapeller, og vil bli mye brukt i klosterplanter, fordi det rommer mer trofaste. Hodet blir det viktigste området i templet, på dette tidspunktet blir mange tidligere hoder kastet og gjenoppbygd, noe som resulterer i makrokefaliske kirker. I kirker med mer begrensede ressurser lages kor basert på polygonale former, polyflikete, men på en mye enklere måte, uten ambulant.
Nå er også en ny organisering av det indre rommet født. Moderne gotikk hadde vært preget av mystiske teorier om lys, som radikalt mistet sin innflytelse i denne perioden. Mørkere overskrifter begynner å bli laget, vinduene er dekket, alt på grunn av altertavlenes fødsel, først fryktsomt, men litt etter litt vil de bli stedet for indoktrinering av de troende, som kommer til å få monumentale former og overlappe med arkitektur, og skaper hybrider mellom arkitektur og skulptur. De er stedet for plassering av ikonografien, da den før var begrenset til de skulpturelle gruppene på fasadene. Lyset går inn i bakgrunnen, og det vil dukke opp rom foran altertavlene som kan tenkes på, akkurat som viktigheten av å se presten gestikulere mens han henvender seg til de troende vokser, slik at alteret og prekestolene hever seg over skipet, alt på grunn av innflytelsen fra de religiøse kjetteriene som forårsaket så mye raseri på den tiden. På denne måten kunne de troende bli bedre kontrollert.
Spirer og tårn blir populære i løpet av denne perioden, og mange ferdigstilte bygninger legger til disse elementene, for å forsterke og gi pomp , for å "kle på moteriktig vis" tempelet. Skissebøkene var de som spredte disse ideene; Topper og spir, typisk for nordisk arkitektur, er lagt til fasader av fransk opprinnelse. (Utseende av boken av tinder ) Det finnes forskjellige typer, som er bygget på en åttekantet eller firkantet base; De har svært åpne vinduer, for å gi belysning, og avslutter med planteformer. Eksempler i katedralene i Freiburg og Strasbourg med gjennombruddsfinialer, med tracery.
I Spania blir disse formene først introdusert i auksjonene til katedralen i Burgos . Biskopen av Burgos , Alonso de Cartagena, hadde reist gjennom Nord - Europa og hadde sett de åpne tårnene i kirkene og katedralene i nord, så han ringte Juan de Colonia i 1442 for å fullføre tårnene, med et element som overlapper tidligere verk, og som vil bli etterlignet senere i katedralene i León , Oviedo , Toledo , etc. og det vil påvirke de som ble bygget på den tiden, slik som den i Astorga . De er tårn med en åttekantet base, og 70 meter høye, som ble toppet av skulpturer av Saint Peter og Saint Paul, fjernet på 1700-tallet.
I denne perioden er mange av prosjektene som hadde stått uferdige fullført, selv om ledemotivet vil være begravelseskapellene. Uansett vil det også komme nye prosjekter, veldig avantgarde, som katedralene i Milano eller Toledo , som vil være en syntese av alle periodens ideer.
1300-tallet hadde vært et århundre med krise, men på 1400 -tallet vokste både økonomien og demografien igjen, noe som førte tilbake til at byene hadde penger til å fullføre de kunstneriske verkene de hadde latt stå uferdige. Fasadene til føttene, fasadene til tverrskipet, etc., vil bli ferdigstilt på dette tidspunktet ved å bruke de dekorative elementene nevnt ovenfor.
Frankrike vil i denne perioden miste den dominerende rollen, til fordel for Spania og Nederland . Fasaden til katedralen Saint-Gathien de Tours , som ble påbegynt på 1200-tallet, er ferdig. Det er ikke en innovasjon, det blir en fasade av tre gater med to tårn, en idé som allerede kom fra det karolingiske vestverket . Utsmykningen blir nærmest et gullsmedarbeid. Viktigheten av gavlene , et trekantet element som overlapper buen og rammer den inn; bruken av tabernakler og tinder. Plassen som tidligere var dedikert til det ikonografiske programmet forsvinner nesten, og blir dedikert til arkivvoltene. Plantemotiver og tracery vises på tympanene, det er ikke lenger en skulpturgruppe. I den sentrale kroppen, et stort tracery rose-vindu, som er delvis skjult av tinder og gavler.
En annen fasade som nå ferdigstilles er fasaden til katedralen Saint-Etienne de Toul , etter et opplegg som ligner på Tours, i tre gater, og med mange flamboyante dekorative elementer.
Chambiges ( Pierre Chambiges og Martin Chambiges ), [ 3 ] en familie av arkitekter som deltok i byggingen av en rekke katedralfasader, som tverrskipet til katedralen Saint-Étienne, arbeidet rundt Paris på 1400-tallet , fullført på det femtende århundre, selv om det ble startet på det trettende. Veggen er nesten fullstendig perforert med et stort tracery rosevindu, strålende gotisk.Prismatiske støtteben er arrangert. Fasaden til kirken Saint-Maclou de Rouen, på sin side, unnslipper tilnærmingen til en harmonisk fasade med tre gater og to tårn, og er nærmere konseptet "barokkgotisk" som vi allerede har snakket om. Den har fem åpninger og avanserte søyler, som danner en halvsirkelformet veranda. Alt er dekorasjon, basert på gavler og tinder.
Flamboyante gotiske former introduseres i Spania som starter med kongeriket Aragon , senere flyttet til Castilla , med Burgos som det første eksempelet. Stilen er introdusert av de nye arkitektene som er hentet fra Europa av biskopene og kongene. Det er to generasjoner, den av utenlandske arkitekter som kommer til den iberiske halvøy, med fransk opplæring, som Guillem Sagrera , Jusquin fra Utrecht eller Hanequin fra Brussel . Den andre generasjonen vil være barna til disse arkitektene, allerede født i latinamerikanske land, men med europeisk opplæring, for eksempel Juan Guas eller Egas-brødrene .