| Formuen (andre versjon) (Buona ventura) | ||
|---|---|---|
| År | h. 1595 | |
| Forfatter | Caravaggio | |
| Teknikk | Olje på lerret | |
| Stil | Barokk | |
| Størrelse | 93 cm × 131 cm | |
| plassering | Louvre-museet , Paris , Frankrike | |
| Opprinnelsesland | Italia | |
Bonaventure (påitaliensk Buona ventura ) er et maleri av den italienske maleren Caravaggio . Det er utført i olje på lerret . Det er to versjoner, den første fra 1594 (for tiden i de kapitolinske museene i Roma ), og den andre fra 1595 , som for tiden oppbevares i Louvre-museet i Paris , med tittelen La diseuse de bonne aventure . Dateringen av begge verk er gjenstand for debatt.
Fortune Teller er en av to sjangerstykker laget av Caravaggio i år 1594, den andre er kortspillere . La Buenaventura antas å være den tidligere av de to, og stammer fra perioden da kunstneren nylig hadde forlatt Giuseppe Cesaris verksted for å jobbe uavhengig med å selge maleriene sine gjennom forhandleren Costantino. Med den introduserer Caravaggio sjangertemaet som til da kun ble dyrket av flamerne : scener av dagliglivet som er ment å instruere observatøren. [ 1 ]
Maleriet viser en ung mann kledd som en fop (i den andre versjonen antas modellen å ha vært Caravaggios følgesvenn, den sicilianske maleren Mario Minniti), med håndflaten lest av en sigøynerjente. Gutten virker henrykt når han ser på ansiktet hans; han skjønner ikke at hun sakte fjerner ringen hans mens hun stryker over Venushaugen hans; [ 1 ] På dette selvtilfredse maskuline blikket svarer hun med sitt eget lure, tause blikk. Seerens oppmerksomhet er fokusert nettopp på de blikkene som gjør det mulig å gjette hva hver av karakterene tenker, i stedet for hva som skjer i karakterenes to hender. [ 2 ]
Denne scenen krever lesning på forskjellige nivåer: den inneholder faktisk moraliserende konnotasjoner, når det gjelder falske profetier og interessert forførelse. Det er derfor en slags allegorisk sjangerscene om svindel og naivitet, tett opp til samtidslitteratur og teater.
En av Caravaggios viktigste biografer, Giovanni Pietro Bellori , hevder at kunstneren valgte sigøynerjenta blant de forbipasserende på gaten for å demonstrere at han ikke trengte å kopiere verkene til antikkens mestere: «Da han ble vist mest kjente statuer av Phidias eller Glykon slik at han kunne bruke dem som modell, hans eneste svar var å peke på en gruppe mennesker som sa at naturen hadde gitt ham mange lærere." Denne passasjen brukes ofte for å vise at de klassisk utdannede maneristkunstnerne på Caravaggios tid mislikte hans insistering på å male fra livet i stedet for kopier og tegninger laget av de gamle mesterne, men Bellori avslutter med å si: "... .og i disse to halvfigurer [Caravaggio] oversatte virkeligheten på en så ren måte at den bekreftet det han sa." En madrigal av Gaspare Murtola fra 1603 gjentok denne legenden:
Han ringte en sigøynerkvinne som tilfeldigvis gikk forbi på gaten, og tok henne med til vertshuset og fotograferte henne i en holdning med å si hell, slik disse kvinnene av den egyptiske rasen vanligvis gjør. Han malte også en ung mann som legger en hansket hånd på sverdet sitt og strekker den andre hånden ut til kvinnen som holder den og ser på henne . [ 2 ]Historien er muligens apokryf - Bellori skrev mer enn et halvt århundre etter Caravaggios død, og vises ikke i Manzini eller Giovanni Baglione, de to samtidige kildene som kjente ham - men indikerer essensen av Caravaggios revolusjonære innvirkning på hans samtidige - som begynner med Fortune Telling – som skulle erstatte renessansens teori om kunst som didaktisk fiksjon med kunst som representasjon av det virkelige liv.
Formuen fra 1594 vakte betydelig interesse blant unge kunstnere og mer moderne kunstsamlere i Roma, men ifølge Giulio Mancini , en viktig Caravaggio-biograf, tvang kunstnerens nødvendighet ham til å selge den for den lille sum av åtte scudi. Den kom inn i samlingen til en velstående bankmann, kunstelskeren Marquis Vincente Giustiniani , som ble en viktig beskytter av kunstneren. Giustinianis venn, kardinal Francesco Maria Del Monte , kjøpte det andre sjangerstykket, Game of Cards , i 1595, og en gang samme år ble Caravaggio en del av kardinalens husholdning. For Del Monte malte Caravaggio en andre versjon av La Buenaventura , kopiert fra Giustinianis, men med noen endringer. Den udifferensierte bakgrunnen fra 1594 blir en ekte vegg, brutt av skyggene av et delvis trukket gardin og en vindusramme, og figurene okkuperer rommet mer fullstendig og definerer det i tre dimensjoner. Lyset er mer strålende, teksturen på guttens dublettduk og jentas ermer mer subtilt gjengitt. Den uskyldige virker mer barnslig og mer uskyldig sårbar, mens jenta har et mindre bevoktet blikk, lener seg over ham og kontrollerer situasjonen. Mannens sverd på Marios barnlige hofte stikker nå ut mot betrakteren, definerer scenen i det virkelige rommet, og fremstår mer som en fare for seg selv enn for en potensiell motstander.
Louvre-versjonen (1595) er godt bevart og ble restaurert i 1984-85, mens den i Capitoline-museene er i dårligere stand.
Den stramme innrammingen, med tegn kuttet av på midten, lar seeren gå inn i rammen. Dette er i realiteten ikke distansert av et nærbilde, som hos noen samtidsmalere. Den forente og nøytrale bakgrunnen, karakteristisk for Caravaggio, får karakterene til å skille seg ut, og konsentrerer betrakterens oppmerksomhet om scenen.
Lys spiller en viktig rolle i iscenesettelsen: en enkelt lateral stråle faller på karakterene og gir dem verdi. Dette retningslyset er typisk for Caravaggio. Imidlertid er dette varme, gylne lyset, som imiterer solen og ikke av ubestemt opprinnelse, relatert til hans første menstruasjon. Sterk og abstrakt til tross for alt, skaper den lek av refleksjoner på blanke overflater.
Caravaggio bruker her et varmt, begrenset og kontrastrikt fargespekter. Et stort brudd med manerismen er observert , på grunn av den umiddelbare representasjonen, ektheten til figurene malt fra livet (typisk sigøynerdrakt), de runde og enkle volumene (det er ingen "slange" linjer eller langstrakte kropper) og fraværet av syre og unaturlige farger.
La Buenaventura er derfor et karakteristisk verk av Caravaggios første stil, som introduserer flere nyvinninger sammenlignet med det forrige maleriet: retningsbestemt lys, bruken av et populært tema, med karakterer fra det vanlige livet, verken deformert eller idealisert, men malt i henhold til naturen, bruken av naturlige og realistiske farger, og enkelheten i komposisjonen og formene. [ 3 ]
Det er et maleri som Caravaggio antas å ha malt for seg selv. Røntgenstråler har avslørt at under den første versjonen er det en Madonna (en jomfru Maria ) som minner veldig om stilen til ridderen av Arpino , hvis bottega Caravaggio jobbet på den tiden. Siden det er et bilde dekket av en ny olje, er det umulig å avgjøre om Madonnaen ble laget av ridderen av Arpino eller av Caravaggio selv. I stedet lar dette oss vitne om at Caravaggio arbeider på dette maleriet alene, sparer på lerreter, og ennå ikke er i tjeneste for Francesco Maria Del Monte , til tross for at både bak dette verket og kortspillere blir vi minnet om at kardinal og beskytter av Caravaggio har vært dens eier. Begge bildene er også beslektet med deres moralske betydning: vi blir vist hvordan ondskapens list ofte vinner, før uskylden og uskylden til de som er gode og edle i hjertet. Her blir fremtiden som er spådd realisert umiddelbart. En fremtid bestemt for de som ikke bruker fornuften sin godt.
Skriftene til Giulio Mancini bekrefter at kardinalen ennå ikke var Caravaggios skytshelgen, og fortalte oss at førstnevnte kjøpte verket av ham for åtte scudi, en latterlig figur for tiden, akseptert av en Caravaggio som var sulten og berøvet. Imidlertid er salget av dette maleriet anskaffet for en så lav pris det forskere mener tillot utvidelsen av Caravaggios berømmelse.